Κατεύθυνση Ρέμπραντ στη ζωγραφική. Οι πιο διάσημοι πίνακες του Ρέμπραντ. Blind Tobit and Anna (1626)

Ετος γέννησης: 15 Ιουλίου 1606

Ημερομηνία θανάτου: 4 Οκτωβρίου 1669

Χώρα:Ολλανδία

Βιογραφία:

Γεννήθηκε στην ολλανδική πόλη Leiden το 1606 στις 15 Ιουλίου. Ο πατέρας του Ρέμπραντ ήταν πλούσιος μυλωνάς, η μητέρα του έψηνε καλά, ήταν κόρη αρτοποιού. Το επώνυμο «van Rijn» σημαίνει κυριολεκτικά «από τον Ρήνο», δηλαδή από τον ποταμό Ρήνο, όπου οι προπάππους του Ρέμπραντ είχαν μύλους. Από τα 10 παιδιά της οικογένειας, ο Ρέμπραντ ήταν το μικρότερο. Άλλα παιδιά ακολούθησαν τα βήματα των γονιών τους και ο Ρέμπραντ επέλεξε έναν διαφορετικό δρόμο - έναν καλλιτεχνικό και εκπαιδεύτηκε σε ένα λατινικό σχολείο.
Σε ηλικία 13 ετών, ο Ρέμπραντ άρχισε να μαθαίνει να σχεδιάζει και επίσης μπήκε στο πανεπιστήμιο της πόλης. Η ηλικία τότε δεν ενοχλούσε κανέναν, το κύριο πράγμα εκείνη την εποχή ήταν η γνώση σε επίπεδο. Πολλοί μελετητές προτείνουν ότι ο Ρέμπραντ πήγε στο πανεπιστήμιο όχι για να σπουδάσει, αλλά για να πάρει αναβολή από το στρατό.

Ο πρώτος δάσκαλος του Ρέμπραντ ήταν ο Jacob van Swanenbürch.. Στο εργαστήριό του, ο μελλοντικός καλλιτέχνης πέρασε περίπου τρία χρόνια, στη συνέχεια μετακόμισε στο Άμστερνταμ για να σπουδάσει με τον Peter Lastman. Από το 1625 έως το 1626 Ο Ρέμπραντ επέστρεψε στη γενέτειρά του και έκανε γνωριμίες με καλλιτέχνες και μερικούς από τους μαθητές του Λάστμαν.
Ωστόσο, μετά από πολλή συζήτηση, ο Ρέμπραντ αποφάσισε ότι η καριέρα ενός καλλιτέχνη έπρεπε να γίνει στην πρωτεύουσα της Ολλανδίας και μετακόμισε ξανά στο Άμστερνταμ.

Το 1634 ο Ρέμπραντ παντρεύτηκε τη Σάσκια. Μέχρι τη στιγμή του γάμου τους, όλοι είχαν μια καλή τύχη (ο Ρέμπραντ είχε πίνακες και οι γονείς της Saskia άφησαν μια εντυπωσιακή κληρονομιά). Άρα δεν ήταν κανονισμένος γάμος. Αγαπούσαν πραγματικά ο ένας τον άλλον με πάθος.
Το 1635 - 1640. Η σύζυγός του γέννησε στον Ρέμπραντ τρία παιδιά, αλλά πέθαναν όλα ως νεογέννητα. Το 1641, η Saskia γέννησε έναν γιο, ο οποίος ονομάστηκε Titus. Το παιδί επέζησε, αλλά, δυστυχώς, η ίδια η μητέρα πέθανε σε ηλικία 29 ετών.
Μετά τον θάνατο της συζύγου του, Ρέμπραντδεν ήταν ο εαυτός του, δεν ήξερε τι να κάνει και έβρισκε παρηγοριά στο σχέδιο. Ήταν τη χρονιά που πέθανε η γυναίκα του που ολοκλήρωσε τον πίνακα «Night Watch». Με τον Τίτο, ο νεαρός πατέρας δεν μπορούσε να αντεπεξέλθει και ως εκ τούτου προσέλαβε μια νταντά για το παιδί - την Gertje Dirks, η οποία έγινε ερωμένη του. Πέρασαν περίπου 2 χρόνια, και η νταντά στο σπίτι άλλαξε. Έγινε νέο κορίτσι Hendrikje Stoffels. Τι συνέβη με τον Gertier Dirks; Μήνυσε τον Ρέμπραντ, πιστεύοντας ότι παραβίασε το συμβόλαιο γάμου, αλλά έχασε τη διαμάχη και στάλθηκε σε σωφρονιστικό σπίτι, όπου πέρασε 5 χρόνια. Απελευθερώθηκε, πέθανε ένα χρόνο αργότερα.
Η νέα νταντά Hendrikje Stoffels γέννησε στον Rembrandt δύο παιδιά. Το πρώτο τους παιδί, ένα αγόρι, πέθανε στη βρεφική ηλικία και η κόρη τους Καρνέλια, η μόνη που έζησε περισσότερο από τον πατέρα της.
Λίγοι το γνωρίζουν αυτό Ο Ρέμπραντ είχε μια πολύ περίεργη συλλογή, που περιελάμβανε πίνακες Ιταλών καλλιτεχνών, διάφορα σχέδια, γκραβούρες, διάφορες προτομές ακόμα και όπλα.

Ηλιοβασίλεμα της ζωής του Ρέμπραντ

Τα πράγματα πήγαιναν άσχημα για τον Ρέμπραντ. Δεν υπήρχαν αρκετά χρήματα, ο αριθμός των παραγγελιών μειώθηκε. Ως εκ τούτου, ο καλλιτέχνης πούλησε μέρος της συλλογής του, αλλά ούτε αυτό τον έσωσε. Ήταν στα πρόθυρα να μπει στη φυλακή, αλλά το δικαστήριο ήταν υπέρ του, οπότε του επετράπη να πουλήσει όλη του την περιουσία και να εξοφλήσει τα χρέη του. Έζησε μάλιστα για κάποιο διάστημα σε ένα σπίτι που δεν του ανήκε πια.
Εν τω μεταξύ, ο Τίτος και η μητέρα του οργάνωσαν μια εταιρεία που εμπορευόταν αντικείμενα τέχνης για να βοηθήσουν με κάποιο τρόπο τον Ρέμπραντ. Στην πραγματικότητα, μέχρι το τέλος της ζωής του, ο καλλιτέχνης δεν πλήρωσε ποτέ πολλούς, αλλά αυτό δεν χάλασε τη φήμη του Ρέμπραντ, παρέμεινε ένας άξιος άνθρωπος στα μάτια των ανθρώπων.
Ο θάνατος του Ρέμπραντ ήταν πολύ λυπηρός. Το 1663 πέθανε η αγαπημένη του καλλιτέχνη, Hendrikje. Λίγο καιρό αργότερα, ο Ρέμπραντ έθαψε τον γιο του Τίτο και τη νύφη του. Το 1669, στις 4 Οκτωβρίου, ο ίδιος έφυγε από αυτόν τον κόσμο, αλλά άφησε για πάντα ένα σημάδι στις καρδιές των ανθρώπων που τον αγαπούν.

The Return of the Prodigal Son, 1669. Λάδι σε καμβά, 262x206.

Ίσως κανένας άλλος πίνακας του Ρέμπραντ δεν εμπνέει τόσο υψηλά συναισθήματα όπως αυτή η εικόνα. Η ιστορία είναι παρμένη από την Καινή Διαθήκη. Ο Ιησούς λέει μια παραβολή για έναν γιο που λαμβάνει το μέρος της περιουσίας του από τον πατέρα του και το σπαταλάει σε μια μακρινή χώρα, ζώντας ασυνείδητα. Όταν, έχοντας μαζέψει το κουράγιο του, επιστρέφει σπίτι, ο πατέρας του τον συγχωρεί αμέσως και τον δέχεται με χαρά. Το θρησκευτικό νόημα της παραβολής είναι το εξής: ανεξάρτητα από το πώς αμαρτάνει ένας άνθρωπος, η μετάνοια θα ανταμείβεται πάντα με χαρούμενη συγχώρεση. Εδώ ο Ρέμπραντ, προφανώς, ανέλαβε να εξερευνήσει το παγκόσμιο νόημα της παραβολής. Τα κοντά μαλλιά στο κεφάλι του άσωτου γιου και τα άθλια ρούχα μιλούν από μόνα τους και ο γιακάς διατηρεί έναν υπαινιγμό της πρώην πολυτέλειας. Τα παπούτσια φθαρμένα, άφησε το ένα, γονατίζοντας μπροστά στον πατέρα του. Ο πατέρας πιέζει τον γιο του στο στήθος του, συγχωρώντας τον. Είναι χαρακτηριστικό ότι ο Ρέμπραντ αποφεύγει τη σύγκρουση της παραβολής: μιλάει για τη ζήλια ενός υπάκουου γιου, αν και, ίσως, στέκεται στη σκιά πίσω από τον πατέρα του.

Αγία οικογένεια και άγγελοι, 1645. Λάδι σε καμβά, 117x91.
Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Αυτός ο πίνακας, εμποτισμένος με εκπληκτική τρυφερότητα, επιβεβαιώνει το χάρισμα του Ρέμπραντ να αναμειγνύει το θείο και τη γη σε τέτοιο βαθμό που δεν είναι πλέον δυνατό να τραβήξουμε μια γραμμή μεταξύ τους. Η Μητέρα του Θεού διέκοψε την ανάγνωση για να ισιώσει το πέπλο στο Βρέφος, ή ίσως για να καλύψει το πρόσωπό Του από το έντονο φως, σχεδιασμένο να τονίσει το μεγαλείο Του. Γεμάτη τρυφερότητα, η Μαρία έσκυψε πάνω από τον Ιησού, με αληθινή μητρική φροντίδα, ελέγχοντας για άλλη μια φορά αν όλα ήταν εντάξει με το παιδί. Το μωρό κοιμάται ήσυχα σε μια ψάθινη κούνια, χωρίς να γνωρίζει τι συμβαίνει τριγύρω. Στο βάθος, ο σύζυγος της Μαρίας, ο Ιωσήφ, είναι ξυλουργός. Μάνα, παιδί, ακόμα και το λίκνο είναι καθαρά ολλανδικοί τύποι του 17ου αιώνα. Θα μπορούσε να είναι, ίσως, οποιαδήποτε συνηθισμένη οικογένεια, αν όχι οι άγγελοι-παιδιά που πετούν από τον ουρανό.

Η επιστροφή του άσωτου γιου. Λεπτομέρεια, 1669.
Λάδι σε καμβά, 262x206. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

The Abduction of Ganymede, 1635. Λάδι σε καμβά, 171x130.
Πινακοθήκη Δρέσδης, Δρέσδη

Η Sofoniba παίρνει ένα μπολ με δηλητήριο, 1634.
Καμβάς, λάδι, 142x152. Μουσείο Prado, Μαδρίτη, Ισπανία

Η μεγαλοπρεπής φιγούρα σε αυτή την εικόνα θυμίζει πολύ τη Saskia, αν και η ιστορία της Sofoniba δεν ταιριάζει πολύ στη νεαρή σύζυγο. Η Sofoniba, κόρη του Καρχηδονίου διοικητή Hasdrubal, έζησε την εποχή που η Καρχηδόνα βρισκόταν σε πόλεμο με τη Ρώμη. Για να εδραιώσει τη συμμαχία με τους Νουμίδιους, ο Χαστρομπάλ έδωσε την κόρη του στον βασιλιά Συφάξ, αλλά ηττήθηκε από τον σύμμαχο των Ρωμαίων Μασίνισσα, ο οποίος ήθελε αμέσως να πάρει τη βασίλισσα για γυναίκα του. Όταν οι Ρωμαίοι του απαγόρευσαν από αυτόν τον γάμο, γλίτωσε τη Σοφονίβα από περαιτέρω ταπείνωση στέλνοντας ένα φλιτζάνι δηλητήριο, το οποίο ήπιε η βασίλισσα χωρίς δισταγμό. Ο Ρέμπραντ μπορεί να μην πήρε στα σοβαρά αυτή τη ρομαντική ιστορία, αλλά ο πίνακας απεικονίζει μια αποφασιστική στιγμή και σκόπιμη δράση, όντας από ορισμένες απόψεις συγκρίσιμη με την πιο διάσημη και λιγότερο θεατρική Bathsheba.

Bathsheba, 1654. Λάδι σε καμβά, 142x142.
Λούβρο, Παρίσι, Γαλλία

Γράφτηκε όταν ο καλλιτέχνης ήταν στην ακμή του δημιουργικές δυνάμεις. Πολλοί ειδικοί πιστεύουν ότι αυτός ο πίνακας είναι η μεγαλύτερη από όλες τις δημιουργίες του Ρέμπραντ. Είναι σύνηθες να θεωρούμε την εικονιζόμενη ομορφιά Bathsheba, την οποία είδε και επιθυμούσε ο βασιλιάς Δαβίδ. Του έδωσε τον εαυτό της και συνέλαβε. Οι επιπλοκές που ακολούθησαν κορυφώθηκαν με τη δολοφονία του συζύγου της Bathsheba, τον οποίο ο David έστειλε σε βέβαιο θάνατο. Η ιστορία δεν είναι ευχάριστη και οι σχολιαστές εξήγησαν τα συναισθήματα της Bathsheba με διαφορετικούς τρόπους. Αλλά, όπως συμβαίνει συχνά με τους πίνακες του Ρέμπραντ, είναι μάλλον λάθος να μπούμε σε λεπτές ερμηνείες. Ίσως αρκεί να πούμε ότι η Bathsheba σκέφτεται με πένθος τη μοίρα της. Η σύνθεση επαναλαμβάνει σε μεγάλο βαθμό το αρχαίο ανάγλυφο, το οποίο απεικονίζει μια νύφη να ετοιμάζεται για το γάμο. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε τη Bathsheba γυμνή και έδωσε στην εικόνα έναν έντονο συναισθηματισμό. Το μοντέλο για την Bathsheba ήταν πιθανότατα ο φίλος του Rembrandt, Hendrikje Stoffels.

Simeon in the Temple, 1669. Λάδι σε καμβά, 98x79.
Στοκχόλμη, Εθνικό Μουσείο

Αν και αυτό το έργο που ανατέθηκε ξεκίνησε το 1661, παρέμενε ημιτελές στο στούντιο του Ρέμπραντ μέχρι τον θάνατό του το 1669. Η εικόνα είναι γραμμένη στην πλοκή μιας εκπληρωμένης προφητείας. Ο Γέροντας Συμεών είχε προφητευτεί ότι «δεν θα έβλεπε θάνατο μέχρι να δει τον Χριστό. του Κυρίου». Και τελικά τον συνάντησε όταν η Μαρία και ο Ιωσήφ έφεραν τον Ιησού στο ναό. Ο Ρέμπραντ είχε ήδη δημιουργήσει μια υπέροχη προσαρμοσμένη έκδοση για αυτό το θέμα (1631). Εκεί, η δράση λαμβάνει χώρα κάτω από τους ψηλούς θόλους του ναού και το ίδιο το έργο γίνεται με λεπτομερή τρόπο χαρακτηριστικό της περιόδου της νιότης, της επιτυχίας και της δόξας. Εδώ, ο ελεύθερος τρόπος γραφής τα τελευταία χρόνια είναι ιδιαίτερα αξιοσημείωτος, επειδή το έργο δεν έχει ολοκληρωθεί, αν και αυτό είναι ελάχιστα σημαντικό: όλα εστιάζονται στη στιγμή που ο ημιτυφλός γέρος κουνάει το φασκιωμένο μωρό στην αγκαλιά του - μια σκηνή γεμάτη με ατελείωτη τρυφερότητα.

David and Uriah, 1665. Λάδι σε καμβά, 127x117.
Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Ούτε η ημερομηνία γραφής ούτε η πλοκή αυτής της όμορφης εικόνας, εμποτισμένης με διάθεση, είναι γνωστά ακριβώς, γεγονός που έγινε η αιτία για διάφορες υποθέσεις. Σύμφωνα με μια εκδοχή, αυτό το έργο συνδέεται με τον «Αρταξέρξη, τον Αμάν και την Εσθήρ». Πιστεύεται ότι αυτό απεικονίζει την απομάκρυνση του Αμάν από τις επιχειρήσεις, ή τη στιγμή που λαμβάνει την άδεια από τον βασιλιά να εξοντώσει όλους τους Εβραίους. Αυτό το επιχείρημα υποστηρίζεται από στοιχεία ότι και οι δύο πίνακες είναι σκηνές από θεατρικό έργο που ανέβηκε το 1659 και δεν βασίζονται απευθείας σε βιβλική πηγή. Σίγουρα υπάρχει κάτι το θεατρικό εδώ, αλλά εκτός από τις ασυνέπειες στη λεπτομέρεια, οι επιδιωκόμενες πλοκές δεν ταιριάζουν με τη διάθεση της κρυφής θλίψης που εμπνέει η εικόνα. Επομένως, είναι θεμιτό να επιστρέψετε στην παλιά έκδοση. Στην προκειμένη περίπτωση, η φιγούρα με το κόκκινο είναι ο σύζυγος της παραπλανημένης Bathsheba Uriah, τον οποίο ο Δαβίδ, ταραγμένος από τύψεις, στέλνει σε βέβαιο θάνατο.

Κάθοδος από τον σταυρό. 1634. Λάδι σε μουσαμά, 158x117.
Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Η Κάθοδος από τον Σταυρό είναι ένα κοινό θέμα στην ευρωπαϊκή ζωγραφική. Σύμφωνα με την παράδοση, ανάμεσα στους παρευρισκόμενους εικονίζονται η Μητέρα του Θεού, αρκετοί μαθητές του Ιησού και ο Ιωσήφ από την Αριμαθαία. Στη δεκαετία του '30, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες με θέμα το Πάθος του Κυρίου, συμπεριλαμβανομένων των "Ύψωση του Σταυρού" και "Κάθοδος από τον Σταυρό" για τον Stadtholder της Ολλανδίας Frederik Hendrik. Οι διαστάσεις αυτής της εικόνας είναι μεγαλύτερες, οι τόνοι είναι πιο πλούσιοι. Γράφτηκε λίγους μήνες αργότερα και διατηρήθηκε από τον ίδιο τον καλλιτέχνη μέχρι το 1656, όταν χρεοκόπησε. Η σπασμένη μορφή του Χριστού πλημμυρίζει με λαμπρό φως, η Μητέρα του Θεού έχασε τις αισθήσεις της, πολυτελή σάβανα απλώνονται στο έδαφος, στα οποία θα ξαπλώσει μέχρι να αναστηθεί.

Η Θυσία του Αβραάμ, 1635.
Καμβάς, λάδι, 193x133. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Αυτή είναι μια από τις πιο δραματικές στιγμές της Παλαιάς Διαθήκης. Ο Αβραάμ, με εντολή άνωθεν, είναι έτοιμος να προσφέρει τον μονάκριβο γιο του Ισαάκ ως θυσία στον Θεό και έχει ήδη σηκώσει ένα μαχαίρι από πάνω του, δεμένο, για να τον μαχαιρώσει για ολοκαύτωμα. Στην εικόνα, ο Ισαάκ βρίσκεται στο βωμό πάνω από τα καυσόξυλα. Στην Αγία Γραφή, ο άγγελος του Κυρίου φωνάζει τον Αβραάμ, ο οποίος έχει περάσει τη δοκιμασία της υπακοής στον Θεό, και του λέει να σταματήσει. Ο Ρέμπραντ ενισχύει το δράμα αυτού που συμβαίνει: στην εικόνα, ένας άγγελος άρπαξε τον Αβραάμ από τη βούρτσα και το μαχαίρι πέφτει. Η σκηνή κερδίζει σε πειστικότητα και επειδή η μεγάλη παλάμη του Αβραάμ κάλυπτε το πρόσωπο του γιου του, το κεφάλι του Ισαάκ πετάγεται πίσω και φαίνεται ότι ένα μαχαίρι πρόκειται να τρυπήσει το λαιμό του. Μια άλλη εκδοχή αυτής της ιστορίας φυλάσσεται στο Μόναχο, αλλά μπορεί να είναι μόνο εν μέρει από τον Ρέμπραντ.

Εορτή του Βαλτάσαρ. 1635. Λάδι σε καμβά, 168x209.
Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Οι μεγάλοι καμβάδες με θεατρικά εφέ ήταν δημοφιλείς στην Ολλανδία κατά τη διάρκεια της ζωής του Ρέμπραντ. Η γιορτή του Βαλτάσαρ δείχνει πόσο επιδέξια αντιμετώπισε ο καλλιτέχνης τέτοια θέματα. Ο Βαβυλώνιος βασιλιάς Βαλτάσαρ περιγράφεται στο βιβλίο της Παλαιάς Διαθήκης του προφήτη Δανιήλ. Σε μια πολυσύχναστη γιορτή, διέταξε να φέρουν χρυσά και ασημένια πιάτα, τα οποία πήρε ο πατέρας του ο Ναβουχοδονόσορ από το ιερό του ναού της Ιερουσαλήμ. Ο βασιλιάς διέταξε να γεμίσουν τα δοχεία με κρασί για τους ευγενείς, τις γυναίκες και τις παλλακίδες του. Όταν ολοκληρώθηκε αυτή η βλασφημία, ένα μυστηριώδες χέρι εμφανίστηκε ξαφνικά και έγραψε περίεργες λέξεις στον τοίχο: «Εγώ, μένε, τεκέλ, ουπάρσιν». Ο Δανιήλ είπε στον βασιλιά ότι εννοούσαν την καταδίκη του. Η πρόβλεψη έγινε πραγματικότητα το ίδιο βράδυ. Ο πίνακας του Ρέμπραντ εξερευνά την έκπληξη και τον φόβο, που ενισχύονται από το κρασί που χύνεται από τα ιερά αγγεία, κάτι που είναι επίσης συμβολικό. Εκπλήσσει η επιγραφή που έγινε στα εβραϊκά, η ειδική διάταξη των γραμμάτων της οποίας κάνει να σκεφτεί κανείς τον γείτονα του Ρέμπραντ, τον Εβραίο Manasseh ben Israel, με τον οποίο, όπως είναι γνωστό, ο καλλιτέχνης διατηρούσε σχέσεις.

Η Σουζάνα και οι πρεσβύτεροι, 1647. Μαόνι, λάδι, 77x93.
Μουσείο Staatlich, Βερολίνο, Γερμανία

Η ιστορία της Susanna πηγαίνει πίσω στα Απόκρυφα, ένα σώμα βιβλικής γραφής του οποίου η αυθεντικότητα έχει αμφισβητηθεί από καιρό. Ωστόσο, αυτό δεν εμπόδισε τους καλλιτέχνες - Καθολικούς και Προτεστάντες - να δημιουργήσουν πίνακες με αυτό το θέμα, γεμάτους δράμα και ερωτική γοητεία. Όταν η Σουζάνα πηγαίνει στην πισίνα του κήπου της, δύο πρεσβύτεροι βγαίνουν από την κρυψώνα και αρχίζουν να την πείθουν να αμαρτήσει, απειλώντας ότι αν δεν μοιραστεί το κρεβάτι μαζί τους, θα δώσουν ψευδή μαρτυρία ότι διέπραξε μοιχεία με άλλο άτομο. Η Σουζάνα αρνείται και οι πρεσβύτεροι διατάζουν να την πάρουν υπό κράτηση, αλλά η παρέμβαση του προφήτη Δανιήλ σώζει την ενάρετη ομορφιά. Ο Ρέμπραντ ξεκίνησε αυτόν τον πίνακα στα μέσα της δεκαετίας του '30, αλλά πουλήθηκε μόλις το 1647. Η Σουζάνα, προσπαθώντας μάταια να καλύψει τη γύμνια της, είναι περισσότερο θυμωμένη παρά φοβισμένη, αλλά ο γέρος, σκίζοντας το πέπλο από πάνω της, είναι εντυπωσιακός στην ακρίβεια της παρατήρησης. Τα σανδάλια που πετάχτηκαν στην ακτή, προφανώς, ήταν εύγλωττα ερωτικά σύμβολα στην ολλανδική τέχνη του 17ου αιώνα.

Ο Άγιος Ματθαίος και ο Άγγελος, 1661.
Λάδι σε καμβά, 96x81. Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι

Ένα από μια σειρά πορτρέτων των αποστόλων, ζωγραφισμένο στις αρχές της δεκαετίας του '60. Σε αντίθεση με άλλα μονόμορφα πορτρέτα, εδώ απεικονίζεται ένας άγγελος πίσω από τον απόστολο, εμπνέοντας τον Ματθαίο να γράψει το Ευαγγέλιο. Ο άγγελος θυμίζει πολύ τον Τίτο, ο οποίος θα μπορούσε κάλλιστα να του γίνει πρότυπο, αλλά ο απόστολος δεν είναι σαφώς Ρέμπραντ στην όψη. Εκτός από το θρησκευτικό νόημα, η εικόνα μεταδίδει αξιοσημείωτα την αντίθεση μεταξύ της νεότητας και της ηλικίας, αν και οι ρόλοι είναι αντίθετοι στο σχεδιασμό. Ένας αγγελικός νέος, ήρεμος, με αυτοπεποίθηση, παρηγορεί τον Ματθαίο, βάζοντας το χέρι του στον ώμο του γέρου. Ο Άγιος Ματθαίος έχει χαθεί στις σκέψεις του, το χέρι του με τις πρησμένες φλέβες του τραβάει τα γένια. Το βιβλίο δεν είναι σχεδόν μια ακριβής αναπαραγωγή ενός αρχαίου χειρογράφου, αλλά αριστοτεχνικά γραμμένο.

Ο Αρχάγγελος αφήνει την οικογένεια του Tobias, 1637.
Ξύλο, λάδι, 66x52. Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι

Ο Χριστός και η γυναίκα που πιάστηκαν στη μοιχεία, 1644.
Ξύλο, λάδι, 84x66. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Αυτό το εντυπωσιακό έργο δίνει την εντύπωση ενός σκηνικού και μπορεί να έχει γραφτεί μετά από αίτημα ενός πλούσιου πελάτη. Η κεντρική ομάδα απεικονίζεται με απόλυτη πληρότητα, με λεπτομερή τρόπο, από την οποία ο Ρέμπραντ φεύγει σταδιακά στη δεκαετία του '40. Η πλούσια κόκκινη και χρυσή διακόσμηση θυμίζει μπαρόκ παλάτι με τη λαμπρότητά του, αν και στην πραγματικότητα απεικονίζεται ο ναός της Ιερουσαλήμ. Οι γραμματείς και οι Φαρισαίοι έφεραν στον Ιησού μια γυναίκα που είχε συλληφθεί σε μοιχεία. Ελπίζοντας να παγιδεύσουν τον Ιησού, ρώτησαν αν έπρεπε να λιθοβοληθεί, όπως ορίζει ο νόμος του Μωυσή. Ο Ιησούς απάντησε: «Αυτός που είναι αναμάρτητος ανάμεσά σας, ας είναι ο πρώτος που θα της ρίξει πέτρα». Οι ντροπιασμένοι κατήγοροι αποσύρθηκαν και ο Ιησούς είπε στη γυναίκα να πάει και να μην αμαρτάνει πια. Η εικόνα βασίζεται σε δραματικές αντιθέσεις: ο Ιησούς και οι μαθητές του ντυμένοι με απλές καφέ ρόμπες, ένας γοητευτικός, ντροπιασμένος αμαρτωλός, γραμματείς και Φαρισαίοι με πολυτελή ρούχα.

Samson and Delilah, 1628. Δρυς, λάδι, 61x50.
Μουσείο Staatlich, Βερολίνο

Ο Χριστός στην Εμμαούς, 1648.
Καμβάς, λάδι, 42x60. Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι

Ένα από τα αγαπημένα θέματα του Ρέμπραντ, βασισμένο σε ένα επεισόδιο από το Ευαγγέλιο του Λουκά. Αφού σταυρώθηκε ο Ιησούς, δύο από τους μαθητές του πήγαιναν στο Emmaus, ένα χωριό κοντά στην Ιερουσαλήμ. Ένας άγνωστος τους πλησίασε, πήγε μαζί τους, εξήγησε τις Γραφές σε όλη τη διαδρομή και μοίρασε ένα γεύμα μαζί τους στο σπίτι όπου έφτασαν. Όταν έσπασε το ψωμί και τους το έδωσε, τα μάτια τους άνοιξαν και αναγνώρισαν τον Ιησού αναστημένο από τους νεκρούς, αλλά αμέσως τους έγινε αόρατος. Σε μια πρώιμη εκδοχή αυτού του πίνακα (περίπου το 1629), ο Ρέμπραντ απεικόνισε δραματικά τη στιγμή της αποκάλυψης: τη σιλουέτα του Ιησού και των μαθητών, σαν να χτυπήθηκαν από κεραυνό. Εδώ, τονίζεται η φυσικότητα, η ανθρωπιά αυτού που συμβαίνει: μόνο ένα αμυδρό φωτοστέφανο πάνω από το κεφάλι του Ιησού και ένα ενθουσιώδες, βλέμμα προς τα πάνω υποδηλώνουν τη θεότητά Του, που προφανώς δεν παρατηρεί ο υπηρέτης.

Unbelief of the Apostle Thomas, 1634. Λάδι σε ξύλο, 53x51.
Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα

Ο Άγιος Θωμάς, ένας από τους δώδεκα μαθητές του Χριστού, αναφέρεται πολλές φορές στην Καινή Διαθήκη. Ο Ρέμπραντ απεικόνισε ένα διάσημο επεισόδιο από το Ευαγγέλιο του Ιωάννη. Αφού κατέβηκε από τον σταυρό, ο Ιησούς, εμφανιζόμενος στους μαθητές, δείχνει τις πληγές του. Ο Θωμάς δεν ήταν εκεί, και όταν οι άλλοι μαθητές του είπαν αυτό που είδαν, ο Θωμάς αρνήθηκε να τους πιστέψει, λέγοντας: «Εκτός κι αν δω τις πληγές Του από τα νύχια στα χέρια Του και δεν βάλω το δάχτυλό μου στις πληγές από τα νύχια και βάλω το χέρι μου μέσα. τα πλευρά του, δεν θα πιστέψω». Οκτώ μέρες αργότερα, σύμφωνα με τον Ιωάννη, ο Ιησούς εμφανίστηκε ξανά στους μαθητές και είπε στον Θωμά να αγγίξει τις πληγές του. Ο αποθαρρυμένος Θωμάς αναγνώρισε στον Ιησού τον Κύριο Θεό. Ο Ρέμπραντ απεικόνισε μια νυχτερινή σκηνή: η λάμψη που πηγάζει από τον Ιησού φαίνεται να είναι η μόνη πηγή φωτός από την οποία ο πιστός Θωμάς απομακρύνεται ντροπιασμένος.

Ο Μωυσής με τις Πινακίδες των Νόμων, 1659.
Λάδι σε καμβά, 169x137. Μουσείο Staatlich, Βερολίνο

Ο νομοθέτης Μωυσής είχε μόλις κατέβει από το όρος Σινά με δύο πέτρινες πλάκες, «επάνω των οποίων ήταν γραμμένες με το δάκτυλο του Θεού» οι Δέκα Εντολές. Αυτό είναι αναμφίβολα ένα επίσημο γεγονός, αλλά είναι δύσκολο να είμαστε σίγουροι αν απεικονίζει μια στιγμή θριάμβου ή οργής, όταν ο Μωυσής, βλέποντας ότι οι γιοι του Ισραήλ λάτρευαν το χρυσό μοσχάρι, πέταξε τις πλάκες από τα χέρια του και τις συνέτριψε κάτω. το βουνό. Αυτός ο πίνακας μπορεί να είχε παραγγελθεί για τον επικεφαλής κάποιας συντεχνίας και προοριζόταν να διακοσμήσει το τζάκι στο Δημαρχείο του Άμστερνταμ.

Ιωσήφ, που έπιασε τη γυναίκα του Πετεφρή, 1655. Λάδι σε καμβά, 106x98.
Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου με κόκκινο χρώμα, 1654.
Λάδι σε καμβά, 108x86. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Portrait of Saskia as Flora, 1634. Λάδι σε καμβά, 125x101. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Αυτό το γοητευτικό πορτρέτο της νεαρής Saskia ζωγραφίστηκε τη χρονιά που παντρεύτηκε τον Rembrandt. Το στοχαστικό, αλλά αναμφίβολα χαρούμενο πρόσωπο του κοριτσιού είναι αρκετά συνεπές με τα συναισθήματα της νύφης. Η κόμμωση και το προσωπικό πλεγμένο με λουλούδια σίγουρα δείχνουν τη Φλώρα, την αρχαία ρωμαϊκή θεά της άνοιξης. Η στολή της θεάς είναι γραμμένη με εκπληκτική δεξιοτεχνία, αλλά το αληθινό μεγαλείο του ταλέντου του Ρέμπραντ φανερώνεται στην έκφραση της τρυφερότητας που έδωσε ο καλλιτέχνης στο πρόσωπό της. Ένα χρόνο αργότερα, ζωγράφισε ξανά τη Σάσκια ως Φλώρα - επίσης διάσημο έργο, αν και η ακτινογραφία έδειξε ότι στην αρχή σκόπευε να την απεικονίσει ως τη βιβλική Ιουδήθ με το κομμένο κεφάλι του Ολοφέρνη, το οποίο κρατά στην αγκαλιά της.

Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας, 1654. Λάδι σε καμβά, 109x84. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Portrait of Jan Six, 1654. Λάδι σε καμβά, 112x102. Άμστερνταμ, Συλλογή Έξι

Ίσως το καλύτερο από τα πορτρέτα του Ρέμπραντ. Συνδυάζει τέλεια ακρίβεια και διεισδυτικότητα. Ορισμένες λεπτομέρειες του πορτρέτου είναι προσεκτικά γραμμένες, ενώ άλλες υποδεικνύονται με τόλμη, σαν εν παρόδω. Αξιοσημείωτα είναι τα κουμπιά στο καφτάν και το χρυσοκέντημα στον πολυτελή κόκκινο μανδύα, αλλά το μάτι σταματά άθελά του στα χέρια ζωγραφισμένα με ζωηρές πινελιές. Ο Sixx τραβάει αργά το γάντι - πόση κίνηση φέρνει ο καλλιτέχνης σε αυτό! Το πρόσωπο τραβάει επίσης την προσοχή, ειδικά το βλέμμα που απορροφάται από τον εαυτό του, το οποίο δεν ανταποκρίνεται αρκετά στην κοσμική εμφάνιση του Six. Ο πελάτης ανέφερε αυτό το πορτρέτο στο ημερολόγιό του: «Είχα ένα τέτοιο πρόσωπο, τον Jan Six, που από μικρός λάτρευε τις μούσες». Έξι έγραφαν ποίηση και συνέλεξαν έργα τέχνης, αλλά ήταν επίσης ένας πλούσιος, προσοδοφόρος έμπορος. Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1950, ο Ρέμπραντ ολοκλήρωσε πολλές παραγγελίες για αυτόν.

Εβραία νύφη, 1665. Λάδι σε καμβά, 122x164. Μουσείο Rix, Άμστερνταμ

Η κοινή ονομασία «Εβραϊκή Νύφη» βασίζεται σε μια παλιά, πλέον πεταμένη, ερμηνεία που εμφανίστηκε τον 19ο αιώνα. Μπορεί να ειπωθεί σχεδόν με βεβαιότητα ότι η γυναίκα δεν είναι σε καμία περίπτωση νύφη ή Εβραία, εκτός από το ότι απεικονίζεται σε ένα φανταστικό, ψευδοβιβλικό ύφος, χαρακτηριστικό των ιστορικών ζωγραφιών του Ρέμπραντ. Ο καλλιτέχνης διατηρούσε σχέσεις με την εβραϊκή κοινότητα του Άμστερνταμ, ζωγράφιζε συχνά πορτρέτα Εβραίων, γεγονός που οδήγησε τους ερευνητές να κάνουν μια σειρά από αβάσιμες υποθέσεις. Οι ακόλουθες εκδοχές είναι πλέον δημοφιλείς (υπήρχαν περίπου 12 συνολικά): έχουμε μια θεατρική σκηνή ή ένα επεισόδιο από τη Βίβλο, και η υπόθεση έχει ως εξής: Ο Ισαάκ, που ζει με τους Φιλισταίους, αποκαλεί τη γυναίκα του τη Ρεβέκκα την αδερφή του δημόσια και τολμά να την αγκαλιάζει μόνο σε στιγμές μοναξιάς. Αυτό που είναι πραγματικά σημαντικό: αυτά τα δύο συνδέονται με βαθιά αγάπη. Ο πίνακας είναι ένα από τα αριστουργήματα της ύστερης περιόδου Ρέμπραντ, που χαρακτηρίζεται από κόκκινους και χρυσοκαφέ τόνους. Τα ρούχα σε ορισμένα σημεία είναι γραμμένα με γρήγορες πινελιές, οι τόνοι φτάνουν σε έναν φωτεινό κορεσμό, εκπληκτικά ζεστό χρώμα και ταυτόχρονα όχι αυτάρκεις, κάτι που ενισχύει μόνο τη συναισθηματικότητα της σκηνής.

Night Watch, 1642. Λάδι σε καμβά, 363x437. Μουσείο Rix, Άμστερνταμ

Αυτός, ο πιο διάσημος πίνακας του Ρέμπραντ των δύο τελευταίων αιώνων, είναι γνωστός ως Νυχτερινή Φρουρά. Η σύγχρονη ανάλυση των στρωμάτων βαφής αποκάλυψε ότι αρχικά ήταν μια σκηνή κατά τη διάρκεια της ημέρας, αλλά το όνομα είχε ήδη γίνει οικείο και δεν μπορούσε να αλλάξει. Στην εικόνα, η συντεχνία των ντόπιων σκοπευτών διευθύνεται από τον καπετάνιο Frans Banning Cock (με μαύρα ρούχα). Λίγες δεκαετίες νωρίτερα, οι φρουροί τουφέκι αποτελούσαν μια σημαντική ομάδα εθελοντών που βοήθησαν στην υπεράσπιση της χώρας από την απειλή της ισπανικής εισβολής, αλλά στη δεκαετία του '40, πολλά είχαν αλλάξει: τώρα αξιοσέβαστοι πλούσιοι πολίτες ενώθηκαν σε κοινωνίες τουφέκι. Ο καλλιτέχνης εισήγαγε ένα στοιχείο ηρωισμού στα εικονιζόμενα, σαν να αναζωογονούσε τον πρώην πατριωτισμό. Μεταφέρεται η ατμόσφαιρα τέτοιων πομπών με κυματιστές σημαίες, τύμπανο, φόρτωμα μουσκέτας. "Night Watch" - ένα ομαδικό πορτρέτο που πληρώθηκε από όλα τα βέλη που απεικονίστηκαν, αλλά ο Ρέμπραντ το άλλαξε: εισήγαγε τυχαίους παρατηρητές που δεν του πλήρωσαν τίποτα. Ως αποτέλεσμα, το πορτραίτο μετατράπηκε σε μια πολύχρωμη σκηνή ενός πολυσύχναστου δρόμου με μπερδεμένη κίνηση και ιδιόμορφο φωτισμό.Ο πίνακας είναι αποκομμένος από τα πλάγια, ειδικά στα αριστερά, κάτι που διαταράσσει κάπως τη σύνθεση

Οικογενειακό πορτρέτο, 1666-68, Λάδι σε καμβά, 126x167. Ulrich-Museum Duke Anton, Braunschweig

Πορτρέτο των συνδίκων του υφασματουργού, 1662. Λάδι σε μουσαμά, 192x279. Μουσείο Rix, Άμστερνταμ

Η εικόνα είναι γνωστή με τα ονόματα: "Σινδίκι", "Γέροντες του υφασματοπωλείου"? Και τα δύο δεν είναι απολύτως ακριβή και συνδέονται με ένα ίδρυμα που συνδέεται με τη συντεχνία των υφασμάτων, σχεδιασμένο να παίρνει δείγματα υφασμάτων και να ελέγχει την ποιότητά τους. Αυτό είναι το τελευταίο ομαδικό πορτρέτο που δημιούργησε ο Ρέμπραντ. Μια περίεργη, έντονη διάθεση επιτυγχάνεται από το γεγονός ότι οι αξιωματούχοι μας κοιτούν απευθείας από ψηλά και ο θεατής έχει την αίσθηση ότι θα αντεξεταστεί και θα κατηγορηθεί για κάτι. Στην πραγματικότητα, αυτό το πλεονέκτημα πιθανότατα εγκρίθηκε από τον ίδιο τον πελάτη, καθώς ο πίνακας έπρεπε να κρέμεται πάνω από το τζάκι στο κεντρικό κτίριο της συντεχνίας, σε μια σειρά με παλαιότερα ομαδικά πορτρέτα. Παραδοσιακά, απεικόνιζαν πέντε καθιστούς αξιωματούχους και έναν υπηρέτη να στέκεται πίσω. Ο Ρέμπραντ αναβίωσε τη σύνθεση αλλάζοντας τις παραδόσεις: ένας αξιωματούχος σηκώνεται από τη θέση του, σαν να δίνει ένα σημάδι ότι η συνάντηση τελείωσε.

Αυτοπροσωπογραφία με τη Saskia στα γόνατά της, 1635.
Λάδι σε καμβά, 161x131. Πινακοθήκη της Δρέσδης

Ένας εύθυμος κύριος με ένα κορίτσι στα γόνατά του κρατά ένα ποτήρι στο χέρι του. Παγωνόπιτα στο γιορτινό τραπέζι. Οι γλέντι κάθονταν με την πλάτη στο κοινό, τώρα γύρισαν τα μούτρα να πιουν στην υγειά μας. Παραδόξως, πολύ λίγα είναι γνωστά με βεβαιότητα για αυτό το έργο. Είναι αναμφισβήτητο, ειδικότερα, η πατρότητα του Ρέμπραντ, υπάρχουν στοιχεία ότι το κράτησε μαζί του, μη θέλοντας να πουλήσει, γιατί, ίσως, ο πίνακας του ήταν αγαπητός. Συχνά αναφέρεται ως «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια στα γόνατά της». Ίσως το ζευγάρι οργάνωσε μια μεταμφίεση για διασκέδαση, ακολουθώντας τη μόδα για σκηνές από τη ζωή του δικαστηρίου ή ίσως δοξάζοντας τον πλούτο του. Ωστόσο, υπάρχει μια άλλη εκδοχή: η εικόνα υποτίθεται ότι απεικονίζει έναν άσωτο γιο να σπαταλά μια κληρονομιά. Σε αυτήν την περίπτωση, βλέποντας τη χαρούμενη σκηνή, δύσκολα μπορούμε να μαντέψουμε πώς θα τελειώσει αυτή η ιστορία (δείτε την εικόνα της Επιστροφής του Άσωτου Υιού)

Πορτρέτο του Nicholas Van Bambeck. 1641.
Λάδι σε καμβά, 106x84. Βασιλικό Μουσείο Καλών Τεχνών, Βρυξέλλες

Ο Nicholas Van Bambek ήταν ο ίδιος καλλιτέχνης, αλλά, όπως θρηνούσε ένας από τους φίλους του, μια πλούσια κληρονομιά αμβλύνει τη φιλοδοξία του και τελικά δεν ανταποκρίθηκε στις προσδοκίες του. Ο Νίκολας, ωστόσο, υποστήριξε τον Ρέμπραντ, αγόρασε το The Learned Dispute από αυτόν και πλήρωσε για να ποζάρει για το πορτρέτο του. Ο Van Bambeck και ο φίλος του Maurits Heygens, Γραμματέας του Κρατικού Συμβουλίου, προφανώς παρήγγειλαν τα πορτρέτα τους στον Ρέμπραντ στη Χάγη. Οι φίλοι αποφάσισαν: αν κάποιος από αυτούς πεθάνει, το πορτρέτο του θα έπρεπε να πάει στον επιζώντα, και το 1641, μετά το θάνατο του Μπάμπεκ, ο Χάιγκενς πήρε τον πίνακα με διαθήκη. Στο πορτραίτο, γεμάτο καλοσύνη και συμπάθεια, ο de Gein μοιάζει με έναν γεμάτο αυτοπεποίθηση, περήφανο άνδρα. Το απαλό διάχυτο φως τονίζει ευνοϊκά τη σιλουέτα του και την υφή του λευκού γιακά και των μανικιών του φορέματος. Ωστόσο, ο άλλος προστάτης του Ρέμπραντ, ο αδερφός του Maurits, Constantine Huygens, έγραψε τουλάχιστον οκτώ ποιητικές γραμμές στις οποίες θρηνούσε ότι το πορτρέτο δεν είχε καμία σχέση με το πρωτότυπο.

Frederick Richel έφιππος, 1663.
Λάδι σε καμβά, 282x248. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Γυναίκα λουόμενου, 1654. Λάδι σε ξύλο, 62x47.
Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο

Άθελά του ικετεύει κανείς τη σύγκριση με το «Bathsheba», το οποίο γράφτηκε την ίδια εποχή και σχεδόν σίγουρα απεικονίζει το ίδιο μοντέλο - τον Hendrikje Stoffels. Οι συσχετισμοί με το λούσιμο παραπέμπουν ακόμη και στη «Σουζάνα», αλλά αυτού του είδους η σύνδεση μπορεί να σημαίνει μόνο ότι ο Ρέμπραντ είχε προδιάθεση για τέτοια θέματα και έβρισκε σε αυτά ένα πρόσχημα για να εκφράσει τον ερωτισμό. Αν και η εικονιζόμενη μπορεί να μην ονομάζεται βιβλικός ιστορικός χαρακτήρας, σίγουρα δεν ανήκει σε μια απλή τάξη, αν κρίνουμε από την πολυτελή στολή που βρίσκεται στην ακτή. Προφανώς, πρόκειται για ένα σκίτσο. Είναι γραμμένο με βιαστικές, επιφανειακές πινελιές, που φαίνονται ακόμη και στην εικόνα των ποδιών, αλλά, πάνω απ' όλα, στο πουκάμισο. Ωστόσο, ο Ρέμπραντ πρέπει να ήταν περήφανος για αυτό το έργο, καθώς είναι υπογεγραμμένο και χρονολογημένο.

Ο Hendrikje Stoffels στο παράθυρο, 1656.
Λάδι σε καμβά, 86x65. Μουσείο Staatlich, Βερολίνο

Ηλικιωμένος με γούνινο καπέλο, 1630. Λάδι σε ξύλο, 22x18.
Εθνικό Τιρόλο Μουσείο Ferdinandeum, Ίνσμπρουκ

Πορτρέτο μιας νεαρής Saskia, 1633.
Δρυς, λάδι, 53x45. Εθνική Πινακοθήκη της Δρέσδης

Διαβάζοντας τον Τίτο, τον γιο του καλλιτέχνη, 1657.
Λάδι σε καμβά, 71x64. Ιστορική Kunstkamera, Βιέννη

Ο Τίτος, γεννημένος το 1641, είναι το μοναδικό παιδί του Ρέμπραντ και της Σάσκια που δεν πέθανε σε βρεφική ηλικία. Εδώ δεν είναι πάνω από δεκαπέντε χρονών. Όλα τα πορτρέτα του γιου του Ρέμπραντ, γεμάτα τρυφερή αγάπη, δείχνουν την ευγενική, πράη διάθεση του αγοριού. Ο Τίτος έπαιξε σημαντικό ρόλο στη ζωή του καλλιτέχνη, όντας ο κληρονόμος της περιουσίας της Saskia, την οποία ο Ρέμπραντ διέθεσε μόνο προσωρινά, καθώς και δικηγόρος του πατέρα του. Το 1660, ο Titus και ο Hendrickier δημιούργησαν μια εταιρεία στην οποία ο Ρέμπραντ ήταν εισηγμένος. Αυτό έγινε για να διασφαλιστεί ότι τα κέρδη του καλλιτέχνη δεν θα πέσουν στα χέρια των πιστωτών. Μετά τον θάνατο του Hendrickje, ο Τίτος συνέχισε να διαχειρίζεται τις υποθέσεις του πατέρα του. Το 1665 ενηλικιώθηκε και αν, σύμφωνα με το νόμο, άρχιζε να διαχειρίζεται τα χρήματα της Saskia, τότε, αναμφίβολα, ήταν ένα οικονομικό στήριγμα στην οικογένεια. Τον Φεβρουάριο του 1668, ο Τίτος παντρεύτηκε, αλλά πέθανε επτά μήνες αργότερα σε ηλικία είκοσι έξι ετών.

Πορτρέτο του Τίτου, γιου του Ρέμπραντ, 1657.
Λάδι σε καμβά, 69x57. Λονδίνο, Συλλογή Wallace

Ο Αριστοτέλης με την προτομή του Ομήρου, 1653.
Λάδι σε καμβά, 144x137. Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Άνδρας με χρυσό κράνος, 1650.
Λάδι σε καμβά, 68x51. Μουσείο Staatlich, Βερολίνο

Δεν υπάρχει τίποτα να πούμε για αυτόν τον στρατιωτικό, ωστόσο, η εικόνα ήταν πάντα δημοφιλής. Αυτό που εξηγεί εν μέρει τη γοητεία της είναι η αντίθεση του γυαλιστερού θώρακα της κούρασης, το κράνος της υπέροχης κατασκευής (σίγουρα τελετουργικό, όχι μαχητικό) και η ζοφερή μελαγχολική έκφραση στο πρόσωπό της. Μια τέτοια αντίθεση είναι συνηθισμένη στις αυτοπροσωπογραφίες του Ρέμπραντ. ίσως γι' αυτό άρχισαν να πιστεύουν ότι εδώ απεικονίζεται ο αδερφός του καλλιτέχνη. Στην πραγματικότητα, πολλές αρχές αρνήθηκαν να αναγνωρίσουν την πατρότητα του Ρέμπραντ. Οι αμφιβολίες τους επιβεβαιώθηκαν από έρευνα στο πλαίσιο του ερευνητικού προγράμματος Rembrandt, το οποίο χρηματοδοτήθηκε από την κυβέρνηση της Ολλανδίας. Ο «Γέρος με το κράνος» είναι μόνο ένα από τα «θύματα» του Προγράμματος, που απέδωσε πολλά έργα σε μαθητές και οπαδούς του Ρέμπραντ.

Αυτοκτονία της Λουκρητίας, 1666. Λάδι σε καμβά, 105x93.
Ινστιτούτο Τεχνών, Μινεάπολη

Η αυτοκτονία της Λουκρητίας αναφέρεται στον αρχαίο ρωμαϊκό μύθο για τους λόγους της πτώσης της μοναρχίας και της εγκαθίδρυσης της δημοκρατίας. Ατιμασμένη από τον γιο του Ρωμαίου αυτοκράτορα Tarquinia, η Lucretia λέει στον σύζυγό της για την ντροπή της. Καλεί για εκδίκηση και μετά βάζει τα χέρια στον εαυτό του. Αυτή η πλοκή χρησιμοποιήθηκε συχνά από καλλιτέχνες και συγγραφείς. Στα τέλη του 16ου αιώνα, προτού γίνει διάσημος στο θέατρο, ο Σαίξπηρ έγραψε ένα μεγάλο ποίημα «Dishonored Aucrecia». Ο Ρέμπραντ έχει δύο πίνακες με αυτό το θέμα. Early (1664) Η Lucretia κρατά ένα μαχαίρι, ετοιμάζεται να πεθάνει. Εδώ έχει ήδη προκαλέσει μια θανάσιμη πληγή στον εαυτό της, όπως φαίνεται από την κηλίδα αίματος που απλώνεται σε ένα λεπτό πουκάμισο. Εξακολουθεί να κρατά τον εαυτό της όρθια, για μια στιγμή πιάνει, ψάχνει για στήριγμα, για την κορδέλα του κουδουνιού - ένα χρήσιμο εύρημα που επιτρέπει στο μοντέλο να κρατά το χέρι του σε ανυψωμένη θέση για πολλή ώρα, αλλά η θανατηφόρα ωχρότητα του προσώπου της δείχνει ότι το τέλος είναι κοντά.

Πορτρέτο του Hendrickje Stofells, 1659.
Λάδι σε καμβά, 68x80. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Δάσκαλος, 1631. Λάδι σε καμβά, 105x91.
Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Πολωνός καβαλάρης, 1655.
Καμβάς, λάδι, 115x135. Frick Collection, Νέα Υόρκη

Η μυστηριώδης, ρομαντική φιγούρα ενός νεαρού καβαλάρη έχει προκαλέσει περισσότερη διαμάχη από οποιονδήποτε άλλο πίνακα του Ρέμπραντ, του οποίου η αμφιλεγόμενη συγγραφή είναι μόνο ένα από τα σκοτεινά που συνδέονται με αυτό το έργο. Το καπέλο και το καφτάν με γούνα φαίνονται ανατολικοευρωπαϊκά, αλλά ίσως αυτό είναι απλώς μια ακόμη παρέκβαση στη θεατρική μεταμφίεση. Αν ναι, τότε η εικόνα σχετίζεται με την Πολωνία όχι σύμφωνα με την πλοκή, αλλά μόνο επειδή στη συνέχεια αποκτήθηκε από τους Πολωνούς. Από την άλλη πλευρά, ένα ενδιαφέρον γεγονός είναι ότι το 1654 τυπώθηκε στο Άμστερνταμ ένα φυλλάδιο με τίτλο «Ο Πολωνός Ιππέας» για την υπεράσπιση της ριζοσπαστικής αίρεσης των Σοσινιανών. Υπάρχουν πολλές ενδείξεις ότι ο Ρέμπραντ μερικές φορές συμπαθούσε τον σεχταρισμό. Ένα άλλο μυστήριο: μια πολύ μη πειστική απεικόνιση ενός αλόγου. Μπορεί να λυθεί αποδίδοντας την πατρότητα του πίνακα σε κάποιον μαθητή του Ρέμπραντ, όπως ο William Drost. Έτσι η Επιτροπή του Προγράμματος αποφάσισε, αλλά η έρευνά της προσέλκυσε κριτική και το 1993 το Πρόγραμμα σταμάτησε να λειτουργεί.

Μάθημα Ανατομίας από τον Δρ Νίκολας Τουλπ, 1632.
Λάδι σε καμβά, 170x217. Maurits House, Χάγη

Rembrandt αυτός ο πίνακας, βασισμένος σε μια διάλεξη που έδωσε τον Ιανουάριο του 1632 έτος Δρ Nicholas Tulip. Αν και ο καλλιτέχνης είχε μετακομίσει στο Άμστερνταμ λίγο πριν, είχε ήδη αποδείξει ότι είναι ικανός να κάνει εξαιρετική δουλειά, ζωγράφισε μερικά υπέροχα πορτρέτα και μετά του ανέθεσαν το "Μάθημα Ανατομίας". Ίσως τον καθοριστικό ρόλο έπαιξε η αιγίδα του Hendrick van Uylenbürch, με τον οποίο ο Ρέμπραντ κατοικούσε. Ο Eilenbürch είχε προηγουμένως εμπορευτεί με επιτυχία έργα ζωγραφικής, πατρονάροντας και δημιουργώντας ένα όνομα για νέους καλλιτέχνες. Ο Ρέμπραντ έγινε ο τελευταίος προστατευόμενος του. Το ολλανδικό σχολείο ήταν διάσημο για τα ομαδικά πορτρέτα, και αυτό προοριζόταν ως δώρο στον Δρ. Tulp, και οι συνάδελφοί του περίμεναν να εμφανιστούν στον πίνακα με το πιο ευνοϊκό φως. Ο ζωγράφος αντιμετώπισε αυτό το έργο με λαμπρότητα: μετέφερε την ατομικότητα του καθενός και συνδύασε τη σύνθεση: Η Τουλίπα δίνει μια διάλεξη και το κοινό παρακολουθεί με επαγγελματικό ενδιαφέρον το πτώμα ενός εκτελεσμένου εγκληματία. Χάρη στο The Anatomy Lesson, ο Ρέμπραντ κέρδισε αμέσως φήμη.

Πορτρέτο της Saskia με ένα υπέροχο φόρεμα, 1642.
Λάδι σε καμβά, 100x79. Kassel, Μουσείο Staatlich

Αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ, 1661. Λάδι σε καμβά, 114x91.
Kenwood House, Λονδίνο, Αγγλική Κληρονομιά

Ο Ρέμπραντ έκανε κανόνα να ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες, αλλά σπάνια απεικόνιζε τον εαυτό του στη δουλειά. Στην πραγματικότητα, αυτή είναι η δεύτερη από μια σειρά αυτοπροσωπογραφιών στις οποίες εμφανίζεται με καβαλέτο, πινέλα και ένα εργαλείο που χρησιμοποιούν οι ζωγράφοι ως στήριγμα για το χέρι. Το φως στο φόντο είναι μια ασυνήθιστη τεχνική απαραίτητη για να δει ο θεατής τις καμπύλες γραμμές στον τοίχο πίσω από το πρόσωπο που απεικονίζεται. Πολλές εξηγήσεις έχουν προσφερθεί γι' αυτό. μια εκδοχή είναι δημοφιλής σήμερα: αυτές οι γραμμές είναι μια σύνδεση με το έργο θρυλικών καλλιτεχνών όπως ο Apelles και ο Giotto, οι οποίοι επέδειξαν τις ικανότητές τους σχεδιάζοντας μια άψογα σωστή γραμμή ή κύκλο. Εάν αυτή η εξήγηση είναι σωστή, η αυτοπροσωπογραφία διεκδικεί το δικαίωμα του καλλιτέχνη να θεωρείται πραγματικός κύριος της εποχής του.

Αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη στο καβαλέτο, 1660.
Λάδι σε καμβά, 111x90. Λούβρο, Παρίσι, Γαλλία

Αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ, 1659. Λάδι σε καμβά, 85x66.
Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον, Η.Π.Α

Αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ, 1669. Λάδι σε καμβά, 86x71.
Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο, Ηνωμένο Βασίλειο

Όπως η αυτοπροσωπογραφία του Ζεύκη, έτσι και αυτή ζωγραφίστηκε τον τελευταίο χρόνο της ζωής του. Είναι αλήθεια ότι αυτή τη φορά δεν υπάρχει καθόλου μαύρο χιούμορ, δεν υπάρχουν ανοιχτές ενδείξεις ότι πλησιάζει ο θάνατος. Σε καμία αυτοπροσωπογραφία δεν εμφανίζεται ο Ρέμπραντ τόσο πειθήνια υποταγμένος στη μοίρα. Ένας ηλικιωμένος καλλιτέχνης, ντυμένος με ένα απλό φόρεμα, σφίγγοντας τα χέρια του, μας κοιτάζει, χωρίς να ζητάει τίποτα, να μην παραπονιέται για τίποτα. Το αν ήταν ο θάνατος του Τίτου τον Σεπτέμβριο του 1668 που οδήγησε στο τέλος του, φαίνεται ότι δεν θα γίνει ποτέ γνωστό. Σε κάθε περίπτωση, δεκατρείς μήνες αργότερα, στις 4 Οκτωβρίου 1669, πέθανε στο σπίτι του στο Ρόσενγκραχτ και ήταν μόλις 63 ετών. Τέσσερις μέρες αργότερα τάφηκε στο νεκροταφείο του Άμστερνταμ στο Westerkerk. Ο τάφος του Ρέμπραντ έχει χαθεί, αλλά το έργο του θα ζει για αιώνες.

Αυτοπροσωπογραφία ως Zeuxis, 1665. Λάδι σε καμβά, 83x65.
Μουσείο Walfraf Richhartz, Κολωνία, Γερμανία

Ο Ρέμπραντ ζωγράφιζε τον εαυτό του από διαφορετικές οπτικές γωνίες, με κάθε είδους εκφάνσεις. Μερικές φορές αξιολογούσε τον εαυτό του με νηφάλιο βλέμμα, παρατηρώντας τα σημάδια του γήρατος σε ένα γαλάζιο, πλαδαρό πρόσωπο, αλλά συχνά του άρεσε να εμφανίζεται σε διάφορες εικόνες: ντύθηκε πολεμιστής με πανοπλίες, μετά επιβλητικός βασιλιάς και μετά ως ο απόστολος Παύλος. Εδώ μπορείτε να δείτε χαρακτηριστικά και των δύο στυλ. Απεικονίζεται ένας αδύναμος γέρος, ο χρόνος έχει παραμορφώσει το πρόσωπό του σχεδόν αγνώριστα, πολύ περισσότερο από ό,τι σε μια αυτοπροσωπογραφία της ίδιας χρονιάς. Προφανώς, είναι στα πρόθυρα του θανάτου. Μην ξεχνάτε όμως ότι αυτό είναι και ένα πορτρέτο του Ζεύξη, ενός αρχαίου Έλληνα καλλιτέχνη. Αυτός, όπως ξέρετε, ζωγράφισε μια ηλικιωμένη γυναίκα με ζαρωμένο πρόσωπο και η εικόνα της τον διασκέδασε τόσο πολύ που γελούσε ασταμάτητα μέχρι να πεθάνει. Το συνδετικό στοιχείο εδώ, φυσικά, είναι ο θάνατος, και αν αυτή η αυτοπροσωπογραφία είναι ένα αστείο, τότε είναι γεμάτο μαύρο χιούμορ.

Αυτοπροσωπογραφία, 1629. Λάδι σε ξύλο, 16x13.
Pinakothek Alta, Μόναχο

Αυτοπροσωπογραφία, 1659. Λάδι σε καμβά, 85x66.
Ουάσιγκτον, Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης

Αυτοπροσωπογραφία. 1658. Λάδι σε καμβά, 134x104.
Frick Collection, Νέα Υόρκη

Αυτοπροσωπογραφία σε κοτλέ μπερέ, 1634.
Λάδι σε καμβά, 58x48. Μουσείο Staatlich, Βερολίνο. Γερμανία

Μέχρι το 1634, ο Ρέμπραντ είχε ήδη ζωγραφίσει αρκετές αυτοπροσωπογραφίες και επρόκειτο να δημιουργηθούν πολλά άλλα. Κανένας καλλιτέχνης δεν έχει μελετήσει τον εαυτό του τόσο διερευνητικά σε όλη του τη ζωή, στοχαζόμενος τα γηρατειά, τη συσσωρευμένη εμπειρία, τις επιτυχίες και τις αποτυχίες. Εδώ φαίνεται να δίνεται έμφαση στην επιτυχία. Ντυμένη με μαύρο βελούδο και ακριβές γούνες, η νεαρή καλλιτέχνης μόδας κοιτάζει με σιγουριά τον θεατή. Ωστόσο, αυτό δεν είναι σχεδόν μια εξύμνηση του πλούτου και του εφησυχασμού. Το βλέμμα του Ρέμπραντ προσπαθεί ήδη να κατανοήσει το μυστήριο της ύπαρξης. Ο εικοσιοχτάχρονος καλλιτέχνης είναι ξεκάθαρα το ίδιο πρόσωπο με τον πενήντα πέντε χρονών κύριο που κοιτάζει με πρόκληση, καθώς και τον εξήντα τριάχρονο γέρο που έχει βιώσει στενοχώριες και κακουχίες, όρθιος στα πρόθυρα του θανάτου (Αυτοπροσωπογραφία με το πρόσχημα του Ζεύκη). Η πνευματική συγγένεια των αυτοπροσωπογραφιών είναι ιδιαίτερα εντυπωσιακή αν θυμηθούμε ότι εδώ ο Ρέμπραντ δεν έχει φτάσει ακόμη στην κορυφή της επιτυχίας και πρόκειται να παντρευτεί, χωρίς να συνειδητοποιεί τι δοκιμασίες του επιφυλάσσουν στο μέλλον.

Οι πίνακες των οποίων μπορούν να προβληθούν σε πολλά μουσεία σε όλο τον κόσμο, σήμερα είναι γνωστοί σε κάθε άνθρωπο στη Γη. Ο φόβος και η χαρά, η έκπληξη και η αγανάκτηση αντανακλώνται στα έργα του τόσο φυσικά που είναι αδύνατο να μην τα πιστέψεις. Η τρελή δημοτικότητα, η τραγική μοίρα και η θλιβερή παρακμή της ζωής παραμένουν ακόμα αφορμή για κουτσομπολιά και φιλοσοφικούς συλλογισμούς.

Νεολαία

Ο καλλιτέχνης Rembrandt γεννήθηκε στην οικογένεια ενός αρτοποιού το 1606 στην ολλανδική πόλη Leiden, που βρίσκεται στις όχθες του Ρήνου. Πολύ νωρίς ένιωσε το καλλιτεχνικό του ταλέντο. Αφού σπούδασε στο σπίτι για αρκετά χρόνια, ο νεαρός πήγε στο Άμστερνταμ για να πάρει μαθήματα από τον διάσημο ζωγράφο Lastman. Η εκπαίδευση δεν κράτησε πολύ και σε ηλικία 19 ετών, ο Ρέμπραντ επέστρεψε στο Λέιντεν. Αυτή την περίοδο, ζωγραφίζει πορτρέτα συγγενών και φίλων του, καθώς και μεγάλη προσοχήαφιερώνει σε αυτοπροσωπογραφίες. Πολλά έργα του συγγραφέα έχουν διασωθεί μέχρι σήμερα, όπου απεικονίζει τον εαυτό του σε διάφορες εικόνες.

Ομολογία

Μια μέρα, ένας επίδοξος καλλιτέχνης λαμβάνει μια εξαιρετική παραγγελία από το Guild of Surgeons. Κάπως έτσι εμφανίζεται το έργο «Μάθημα Ανατομίας». Ο πίνακας φέρνει την αναγνώριση του Ρέμπραντ. Λαμβάνει αμέσως περισσότερες από πενήντα παραγγελίες για πορτρέτα μεγαλοπρεπών και ευγενών του Άμστερνταμ. Ταυτόχρονα με τη δημοτικότητα, η ευημερία του πλοιάρχου αυξάνεται επίσης. Αρχίζει να συλλέγει αντίκες και κοστούμια εποχής. Αποκτά ένα κομψό σπίτι που το γεμίζει με εξαίσια έπιπλα εποχής και έργα τέχνης.

Σάσκια

Σε ηλικία 28 ετών, ο Ρέμπραντ, του οποίου οι πίνακες γίνονται όλο και πιο δημοφιλείς, παντρεύεται μια πλούσια κοπέλα, τη Σάσκια. Παντρεύτηκε για αγάπη και όχι μόνο διατήρησε, αλλά αύξησε και το κεφάλαιο της αγαπημένης του. Ο Ρέμπραντ ειδωλοποίησε τη σύζυγό του, απεικονίζοντάς την συχνά σε διάφορες εικόνες στα έργα του. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του καλλιτέχνη, το Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια, δείχνει έναν ευτυχισμένο Ρέμπραντ με τη νεαρή σύζυγό του. Ταυτόχρονα, ο καλλιτέχνης λαμβάνει παραγγελία για μια σειρά έργων με βιβλική ιστορία. Υπάρχουν λοιπόν πίνακες του Ρέμπραντ με τα ονόματα «Η Θυσία του Αβραάμ» και «Η γιορτή του Βαλτάσαρ». Επίσης, στην περίοδο αυτή ανήκει και ένα από τα πιο γνωστά έργα του μαέστρου «Δανάη». Η εικόνα γράφτηκε ξανά από τον καλλιτέχνη αρκετές φορές και έχει πολλές επιλογές του συγγραφέα.

Ηλιοβασίλεμα της ζωής

Ο ξέγνοιαστος χρόνος του καλλιτέχνη δεν κράτησε πολύ. Δεν άρεσε σε όλους ο τρόπος που ο Ρέμπραντ απεικονίζει ένα άτομο όπως είναι. Μετά τη συγγραφή του πίνακα «Night Watch» ξέσπασε ένα απίστευτο σκάνδαλο. Ξένα πρόσωπα εμφανίστηκαν στον καμβά. Ίσως ο λόγος ήταν ότι στη μέση της δουλειάς πέθανε από φυματίωση η αγαπημένη του Saskia. Στην εικόνα, μαζί με τις φιγούρες των τοξότων, μπορείτε να δείτε τη σιλουέτα ενός κοριτσιού, που θυμίζει τόσο τη γυναίκα του κυρίου. Η δημοτικότητα του συγγραφέα αρχίζει να πέφτει. Δεν υπάρχουν σχεδόν νέες παραγγελίες. Έχοντας χάσει το σπίτι του και όλη του την περιουσία, ο Ρέμπραντ, του οποίου οι πίνακες αποκτούν ένα νέο, φιλοσοφικό νόημα, αρχίζει να απεικονίζει απλοί άνθρωποικαι τους αγαπημένους σας. Γράφει πολλά για την εικόνα του γιου του, καθώς και για τους ανθρώπους που τον περιβάλλουν τα τελευταία χρόνιαΖΩΗ. Την εποχή αυτή γεννήθηκαν οι πίνακες του Ρέμπραντ με τους τίτλους «Πορτρέτο ενός γέρου με τα κόκκινα», «Πορτρέτο του γιου του Τίτου που διαβάζει» και άλλα έργα. Στο τέλος της ζωής του, ένα άλλο αριστούργημα εμφανίζεται από την πένα του πλοιάρχου - «Η Επιστροφή του Άσωτου Υιού». Σε αυτή την εικόνα, ο πλοίαρχος απεικονίζει τον εαυτό του ως έναν αιώνιο περιπλανώμενο, ο οποίος αναγκάζεται να περιπλανηθεί στους δύσκολους δρόμους της μεταβλητής δόξας. Το 1969, έχοντας θάψει τον γιο του με τη νύφη του, ο ίδιος ο Ρέμπραντ πεθαίνει, αφήνοντας το δημιουργικό του στίγμα σε αυτόν τον κόσμο για πάντα. Σήμερα, οι πίνακες του καλλιτέχνη κατέχουν υπερηφάνεια τη θέση τους σε οποιοδήποτε μεγάλο μουσείο στον κόσμο.

Ο πιο Ρέμπραντ. "A Lesson in Anatomy" (1632)

Αυτός ο πίνακας είναι η πρώτη μεγάλη παραγγελία που έλαβε ο Ρέμπραντ μετά τη μετακόμισή του στο Άμστερνταμ. Ο καμβάς απεικονίζει μια αυτοψία που πραγματοποιήθηκε από τον Δρ. Tulp. Ο γιατρός κρατά τους τένοντες του χεριού του με λαβίδα, δείχνοντας στους μαθητές του πώς να λυγίζουν τα δάχτυλα. Παρόμοια ομαδικά πορτρέτα εκείνη την εποχή ήταν πολύ δημοφιλή μεταξύ των συντεχνιών των γιατρών. Είναι αλήθεια ότι, κατά κανόνα, τα μέλη της ομάδας πόζαραν για αυτούς, καθισμένοι στη σειρά. Ο Ρέμπραντ, του οποίου οι πίνακες διακρίνονταν από φυσικότητα και ρεαλισμό, απεικόνισε τους μαθητές σε στενό κύκλο, ακούγοντας με προσοχή τα λόγια του Δρ. Τουλπ. Τα χλωμά πρόσωπα και το ίδιο το πτώμα ξεχωρίζουν με φωτεινά σημεία στο σκοτεινό και σκοτεινό φόντο της εικόνας. Το έργο έφερε στον Ρέμπραντ την πρώτη δημοτικότητα, μετά την οποία οι παραγγελίες έπεσαν στον συγγραφέα με απίστευτη ταχύτητα.

"Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια" (1635)

Σε όλη του τη ζωή, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε έναν απίστευτο αριθμό αυτοπροσωπογραφιών. Αυτός ο πίνακας είναι ένας από τους πιο διάσημους. Εδώ απεικονίζεται η χαρά του καλλιτέχνη από την ευτυχία που κατέχει την αγαπημένη του. Συναισθηματική κατάστασηο ζωγράφος αντανακλάται στην ανοιχτή ματιά των χαρακτήρων, στο λαμπερό πρόσωπο του Ρέμπραντ, σαν να πνίγεται από την ευτυχία και την ευημερία. Ωστόσο, μια κρυφή πρόκληση κρύβεται στο πορτρέτο: τελικά, ο καλλιτέχνης απεικονίζεται στην εικόνα του ίδιου «άσωτου γιου» που γλεντάει με μια συνηθισμένη εταίρα. Πόσο διαφέρει ο «άσωτος γιος» σε αυτή την αυτοπροσωπογραφία από αυτόν που γνωρίζει το κοινό από την ομώνυμη εικόνα!

«Δανάη» (1636)

Ο πιο διάσημος από τους πίνακες του Ρέμπραντ. Γράφτηκε με βάση τον μύθο της μητέρας του Περσέα, της Δανάης. Σύμφωνα με το μύθο, ο πατέρας του κοριτσιού ανακάλυψε ότι θα πέθαινε από τον γιο της δικής του κόρης και την φυλάκισε σε ένα μπουντρούμι. Ο Δίας μπήκε στον αιχμάλωτο με τη μορφή βροχής χρυσού, μετά την οποία γεννήθηκε ο Περσέας. Η εικόνα προσελκύει με το ασυνήθιστο χρώμα της, χαρακτηριστικό του έργου του καλλιτέχνη. Στο κέντρο είναι μια γυμνή γυναίκα, της οποίας το σώμα φωτίζεται από το έντονο φως του ήλιου. Σε αυτή την εικόνα, ο Ρέμπραντ, του οποίου οι πίνακες απεικονίζουν συχνά ανθρώπους του στενού του περιβάλλοντος, απαθανάτισε την εικόνα της αγαπημένης του συζύγου Σάσκια. Η εικόνα ενός αγγέλου αποδόθηκε μετά το θάνατο της συζύγου του. Φαίνεται ότι κλαίει πάντα για την τύχη του εκλιπόντος. Ο Ρέμπραντ ξανάγραψε το αγαπημένο του πνευματικό τέκνο για πολύ καιρό, αλλάζοντας τη διάθεση της εικόνας σύμφωνα με τα συναισθήματά του. Ο συνδυασμός αστραφτερών τόνων και χρυσών ανταύγειων είναι εντυπωσιακός στην κομψότητα και τη μεγαλοπρέπειά του.

Η μοίρα του πίνακα είναι εκπληκτική και δραματική, όπως και η ιστορία ζωής του ίδιου του καλλιτέχνη. Μετά το θάνατο του συγγραφέα, το αριστούργημα άλλαξε πολλούς ιδιοκτήτες. Μετά την απόκτηση του έργου από την Αικατερίνη Β', η «Δανάη» πήρε περήφανη θέση στη διάσημη συλλογή Ερμιτάζ. Το 1985, ένα δυσάρεστο περιστατικό συνέβη στο μουσείο, το οποίο σχεδόν στερούσε από τον κόσμο την ευκαιρία να συλλογιστεί το έργο του Ρέμπραντ. Ένας τρελός πλησίασε τον πίνακα και του έριξε οξύ. Το χρώμα άρχισε αμέσως να βγάζει φυσαλίδες. Αλλά αυτό δεν ήταν αρκετό για τον επιθετικό: κατάφερε να κάνει μερικές τομές στον καμβά με ένα μαχαίρι μέχρι να τον σταματήσουν. Η ζημιά επηρέασε περίπου το 30% του αριστουργήματος. Ο μανιακός αποδείχθηκε ότι ήταν κάποιος Bronyus Maigis, ο οποίος αργότερα πέρασε 6 χρόνια σε ψυχιατρική κλινική. Η αποκατάσταση του πίνακα διήρκεσε 12 χρόνια. Τώρα εκτίθεται στο Ερμιτάζ υπό την προστασία του αριστουργήματος από βανδάλους. Ένα άλλο γεγονός είναι επίσης ενδιαφέρον. Ένα έργο τέχνης και οι αναπαραγωγές του συχνά κινηματογραφούνται. Για παράδειγμα, η «Δανάη» εμφανίζεται στη σειρά «Gangster Petersburg» ως ο πίνακας του Ρέμπραντ «Αίγινα».

"Night Watch" (1642)

Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον Ρέμπραντ τμήμα τουφεκιού. Ο καμβάς απεικονίζει μια ομάδα πολιτοφυλακών, η οποία προχωρά σε εκστρατεία. Σωματοφύλακες, που ενθαρρύνονται από τα τύμπανα, απεικονίζονται δίπλα σε στρατιώτες διαφόρων κοινωνικών καταστάσεων και ηλικιών, έτοιμοι για μάχη. Όλους τους ενώνει η αρρενωπότητα και η πατριωτική ορμή. Το έργο διακρίνεται από πληρότητα στο σχέδιο όλων των εικόνων και των λεπτομερειών. Ο πίνακας του Ρέμπραντ «The Night Watch» προκαλεί στους θεατές που τον κοιτάζουν, μια πλήρη αίσθηση της πραγματικότητας όλων όσων συμβαίνουν. Ο συγγραφέας προσπάθησε όχι μόνο να δείξει τα εξωτερικά χαρακτηριστικά όλων των χαρακτήρων, αλλά και να αποκαλύψει τον εσωτερικό κόσμο κάθε στρατιώτη. Η αποθέωση της εικόνας είναι η αψίδα του θριάμβου - σύμβολο προηγούμενων επιτυχιών και προάγγελος μιας νέας ένδοξης νίκης. Με τη βοήθεια πολύχρωμων χρωμάτων (χρυσό, μαύρο και κίτρινο), ο θεατής αποκαλύπτει την ενέργεια, το δράμα και την επισημότητα της διάθεσης του στρατού. Ο χαρακτήρας και η μοίρα κάθε χαρακτήρα διαβάζονται χάρη στο πινέλο ενός διάσημου καλλιτέχνη.

Υπάρχουν πολλές εκδοχές για το κορίτσι που απεικονίζεται σχεδόν στο κέντρο της εικόνας. Διαφέρει από όλα τα έντονα χρώματα και την αγγελική εμφάνιση. Ίσως αυτό είναι κάποιο είδος μασκότ της πολιτοφυλακής. Σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, το κορίτσι είναι η εικόνα της αγαπημένης συζύγου του συγγραφέα, που έφυγε για έναν άλλο κόσμο εν μέσω της ζωγραφικής. Όπως γνωρίζετε, η δουλειά δεν άρεσε στους πελάτες. Αφού αγόρασαν τον πίνακα, έκοψαν άγρια ​​τον καμβά και τον κρέμασαν στην αίθουσα δεξιώσεων.

«Η Επιστροφή του Άσωτου Υιού» (1666-1669)

Ο πίνακας του Ρέμπραντ «Η επιστροφή του Άσωτου» είναι μια από τις φωτεινότερες κορυφές του έργου του διάσημου καλλιτέχνη. Γράφτηκε στα τελευταία χρόνια της ζωής του κυρίου. Αυτή είναι η εποχή που ήταν πολύ γέρος και αδύναμος, είχε ανάγκη και πεινούσε. Το θέμα του άσωτου γιου έχει προκύψει επανειλημμένα και στο παρελθόν στο έργο του καλλιτέχνη. Αυτό το έργο είναι ένα συμπέρασμα, συνοψίζοντας τα αποτελέσματα πολλών ετών δημιουργικής περιπλάνησης του διάσημου συγγραφέα. Η εικόνα εκπέμπει όλη τη ζεστασιά και το βάθος της παλέτας Ρέμπραντ. Τα αστραφτερά χρώματα και το κομψό παιχνίδι φωτός και σκιάς τονίζουν τις εικόνες των κύριων χαρακτήρων. Με το πρόσχημα ενός αξιοσέβαστου γέροντα και του άσωτου γιου του, εκφράζεται μια ολόκληρη σειρά από ποικίλα συναισθήματα: μετάνοια και αγάπη, έλεος και πίκρα μιας καθυστερημένης διορατικότητας. Σύμφωνα με ιστορικούς τέχνης, ολόκληρο το ψυχολογικό ταλέντο του ζωγράφου αποκαλύφθηκε στο The Return. Επένδυσε στους απογόνους του όλη τη συσσωρευμένη δημιουργική του εμπειρία, όλο του το πάθος, όλη του την έμπνευση.

συμπέρασμα

Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς πώς απεικόνισε ο Ρέμπραντ το οποίο παρουσιάζεται σε αυτό το άρθρο. Πόσα χρόνια πέρασαν από την ημέρα της δημιουργίας τους, πόση αιθάλη από κεριά λίπους τα σκέπασε σε τρεις αιώνες ιστορίας! Μπορούμε μόνο να μαντέψουμε πώς έμοιαζαν στα γενέθλιά τους. Εν τω μεταξύ, μέχρι σήμερα, εκατομμύρια θαυμαστές του ταλέντου του διάσημου ζωγράφου σε διάφορα μουσεία σε όλο τον κόσμο έρχονται να δουν τα αριστουργήματά του.

Είναι πάντα δύσκολο να μιλάς για αυτό που αγαπάς πραγματικά. Διαλέγετε προσεκτικά τις σωστές λέξεις, στροφές ομιλίας, δεν ξέρετε από πού να ξεκινήσετε ... Επομένως, θα ξεκινήσω με μια μικρή αποκάλυψη: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- ο αγαπημένος μου καλλιτέχνης και τον γνώρισα για πολύ καιρό.

Ως παιδί - στο Ερμιτάζ, με τις ιστορίες του καθηγητή-πατέρα. Στα νιάτα του - στα μαθήματα του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας στο ινστιτούτο, με παλιές διαφάνειες σε ένα σκοτεινό κοινό τα μεγάλα βράδια του Δεκεμβρίου. Στα νιάτα του - στο καταπληκτικό Άμστερνταμ, γελώντας χαρούμενα στις ακτίνες του ήλιου του Αυγούστου που δύει. Έχω ήδη διαβάσει εκατοντάδες διαλέξεις για τον Ρέμπραντ, έχω πραγματοποιήσει περισσότερες από δώδεκα εκδρομές, αλλά εξακολουθεί να υπάρχει η αίσθηση ότι τώρα πρέπει να βυθιστείς σε κάτι άγνωστο, τεράστιο, ακατανόητο.

Είναι σαν να πηδάς από μια προβλήτα στα νερά της θάλασσας, όπου ήσουν για πρώτη φορά. Δεν ξέρεις αν το νερό είναι κρύο εκεί, πόσες πέτρες είναι στον πάτο. Η προσμονή και η αμφιβολία είναι που κάνουν τα χέρια σου να τρέμουν νευρικά. Υπάρχει μόνο ένας τρόπος για να το νικήσετε - πηδήξτε από ένα τρέξιμο, νιώθοντας την καρδιά σας να χτυπάει δυνατά και πώς σε μια στιγμή όλος ο κόσμος γύρω σας παρασύρεται κάπου στην απόσταση, και τώρα είστε μόνοι με κάτι εντελώς νέο ... Λοιπόν , Καλά! Ας πηδήξουμε, ανοίξουμε τα μάτια μας και ας δούμε!

Στα 27 του είχε όλα όσα μπορούσε να ονειρευτεί ένας καλλιτέχνης. Φήμη, φήμη, χρήματα, αγαπημένη γυναίκα, εκατοντάδες παραγγελίες. Θεωρήθηκε ο καλύτερος κύριοςπορτραίτα σε μια από τις πλουσιότερες πόλεις της εποχής του, στο μαργαριτάρι της βόρειας Ευρώπης - το Άμστερνταμ.

Ναι, δεν υπήρξε ποτέ καλλιτέχνης στον κόσμο ικανό να το δημιουργήσει αυτό! Το πορτρέτο έπρεπε να είναι τέλειο, έπρεπε να φωτίζει όλες τις ελλείψεις ενός ατόμου, αλλά ο Ρέμπραντ νόμιζε διαφορετικά. Τα πορτρέτα του ήταν ζωντανά. Μετέδιδαν χαρακτήρα, υπήρχε σύγκρουση μέσα τους. Μπροστά σας είναι ένα κομμάτι από ένα πορτρέτο του αρχιφορέα της επαρχίας της Ολλανδίας, Jan Wtenbogart.

Σχεδόν ολόκληρο το κράτος της δημοκρατίας πέρασε από τα χέρια αυτού του ανθρώπου. Και τα ρούχα του -ένας αέρινος δαντελένιος γιακάς, ένα μακρύ γούνινο παλτό από ρωσική γούνα σαμπρέ- μαρτυρούν ξεκάθαρα την κατάστασή του. Τώρα απλά κοιτάξτε αυτά τα μάτια. Βλέπεις μέσα τους θλίψη... Και ο καμβάς του μεγάλου προκατόχου του Ρέμπραντ θυμάται αμέσως -. Ο απόστολος δεν κοιτάζει τον Χριστό με την ίδια έκφραση όταν τον καλεί κοντά του; Αυτό το πορτρέτο είναι η ιστορία ενός πολύ πλούσιου αλλά πολύ δυστυχισμένου ανθρώπου και ο Ολλανδός ζωγράφος μπόρεσε να το δείξει σε μια παγωμένη στιγμή.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn περνούσε όλο τον ελεύθερο χρόνο του μελετώντας τις εκφράσεις του προσώπου. Στεκόταν για ώρες στον καθρέφτη και έκανε γκριμάτσες, τις οποίες στη συνέχεια μετέφερε με κάρβουνο σε χαρτί. Ήταν σημαντικό για εκείνον να πιάσει τις παραμικρές αποχρώσεις συναισθημάτων.

Το πρόσωπο ενός ατόμου, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, ήταν ένας καθρέφτης της ψυχής, το συνειδητοποίησε πολύ πριν από τον Όσκαρ Ουάιλντ με το "Πορτρέτο του Ντόριαν Γκρέι". Όμως τα πορτρέτα δεν είναι το μόνο πράγμα στο οποίο διέπρεψε ο Ρέμπραντ. Οι μεγάλοι καμβάδες του μας εντυπωσιάζουν όχι λιγότερο. Το παιχνίδι του chiaroscuro, που τόσο ανέπτυξε ο Καραβάτζιο στη ζωγραφική του, αποκτά μια πραγματικά γιγάντια εμβέλεια από τον δάσκαλό μας.

Ήταν μόλις 28 ετών όταν δημιούργησε το πρώτο του απόλυτο αριστούργημα. Αυτός ο πίνακας είναι «Κάθοδος από τον Σταυρό». Δεν μπορείτε απλά να περάσετε από αυτόν τον πίνακα στο Ερμιτάζ. Σε μια στιγμή, ο καλλιτέχνης κατάφερε να απεικονίσει ολόκληρη την ουσία του Χριστιανισμού, να πει μια από τις μεγαλύτερες ανθρώπινες ιστορίες όσο πιο ειλικρινά και συγκινητικά γινόταν, με τρόπο που κανείς δεν έκανε πριν ή μετά από αυτόν.

Η Ιερουσαλήμ στο βάθος βυθίζεται στο σκοτάδι. Ο Σωτήρας είναι νεκρός. Βλέπουμε το άψυχο σώμα του στο κέντρο της εικόνας. Αυτή είναι η στιγμή της ύψιστης απόγνωσης, κανείς δεν πιστεύει ακόμη στην ανάσταση. Οι άνθρωποι βλέπουν μόνο το πτώμα ενός ανθρώπου που αγαπούσαν και λάτρευαν ως θεό, και η Παναγία λιποθυμά, το δέρμα της είναι θανάσιμα χλωμό - μόλις έχασε τον μονάκριβο γιο της.

Υπάρχει μια λεπτομέρεια σε αυτόν τον καμβά που δεν είναι αμέσως εμφανής. Αυτό είναι φωτισμός. Η πηγή του φωτός είναι ένα φανάρι στα χέρια του αγοριού, αλλά το σώμα του Χριστού και τα ρούχα του αποστόλου που το κρατάει στην αγκαλιά του αντανακλούν το φως σαν καθρέφτης. Και μέσα από το φως λέγεται εδώ η αληθινή ιστορία, αποκαλύπτεται το φιλοσοφικό νόημα της εικόνας.

Το φως ενός φαναριού είναι το φως της πίστης και αυτό που βλέπουμε στην εικόνα είναι μια μύηση στο μυστήριό του. Έχει κανείς την αίσθηση ότι το ίδιο το σώμα του Σωτήρα γίνεται η πηγή φωτός εδώ. Το πρόσωπο της Θεοτόκου και το σάβανο, που φωτίζονται από το αμυδρό φως ενός κεριού, ξεχωρίζουν από το σκοτάδι, μέσα στο οποίο θα έπρεπε να είναι τυλιγμένο το σώμα του Χριστού. Σε αυτόν τον καμβά ο Ρέμπραντ εφάρμοσε για πρώτη φορά την τεχνική που τα τελευταία χρόνια της ζωής του έγινε η κύρια στο έργο του.

Και τώρα βλέπουμε πώς ένα άτομο που κατέκτησε τέλεια την τεχνική της γραφής κατέγραψε όλες τις κεντρικές φιγούρες στον καμβά με την παραμικρή λεπτομέρεια, αλλά καθώς απομακρύνονταν από το φως, τα πρόσωπα των ανθρώπων γίνονταν όλο και πιο θολά, σχεδόν αδιάκριτα. Όλα είναι πολύ απλά - το μυστήριο του τι συμβαίνει τους πέρασε.

Ωστόσο, σε αυτόν τον καμβά υπάρχει ένας άλλος χαρακτήρας που δεν γίνεται αντιληπτός με την πρώτη ματιά. Παρά το γεγονός ότι βρίσκεται στη σκιά, ο Ρέμπραντ τον απεικονίζει πολύ καθαρά. Στην κάτω δεξιά γωνία του καμβά, από το πιο σκοτεινό μέρος, κρυμμένος πίσω από τα κοτσάνια του γαϊδουράγκαθου, ο Διάβολος με τη μορφή ενός σκύλου σε κοιτάζει και σαν να σου κάνει μια ερώτηση:

«Έχετε μπλέξει με αυτό που συμβαίνει;»

Ναι, ο Ολλανδός δάσκαλος δεν ήταν πάντα ικανοποιημένος με το πλαίσιο της εικόνας, ονειρευόταν ότι οι καμβάδες του θα γίνουν μέρος αυτού του κόσμου και ο θεατής θα γινόταν άμεσος συμμετέχων σε αυτό που συνέβαινε. Αλλά αυτή ακριβώς η επιθυμία τον ανέτρεψε από τα ύψη της δόξας στην άβυσσο αιώνων λήθης.

Η ατυχία και η λήθη έρχονται τόσο γρήγορα όσο η τύχη και η δόξα. Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn το βίωσε από πρώτο χέρι το 1642. Φυσικά, πριν από αυτό υπήρχαν παράπονα: τα παιδιά του πέθαναν σε βρεφική ηλικία. Μόνο ένας γιος επέζησε, ο Τίτος, που γεννήθηκε το 1641. Όμως, ένα χρόνο αργότερα, η αγαπημένη του σύζυγος Saskia, με την οποία έζησε πολλά χρόνια, έφυγε από αυτόν τον κόσμο. Και μαζί με αυτή την απώλεια, η τύχη απομακρύνθηκε και από τον καλλιτέχνη, απομακρύνθηκε τη στιγμή που δημιούργησε έναν από τους μεγαλύτερους πίνακές του.

Μπορεί κανείς να μιλά ατελείωτα για τη Νυχτερινή Φρουρά του Ρέμπραντ. Αυτός ο καμβάς είναι τόσο μεγάλης κλίμακας στο περιεχόμενό του, τόσο μοναδικός στη σύνθεση του, που η ιστορία της δημιουργίας του αξίζει αρκετά ένα ξεχωριστό βιβλίο, όχι ένα άρθρο. Αλλά, όπως συμβαίνει συχνά στη ζωή, ήταν αυτή η δημιουργία, η οποία στη συνέχεια άλλαξε ριζικά ολόκληρη την ανάπτυξη της παγκόσμιας ζωγραφικής, απορρίφθηκε από τους σύγχρονους.

Οι πελάτες δεν άρεσε ο τρόπος που απεικονίζονταν και πολλοί από αυτούς αρνήθηκαν να πληρώσουν για το έργο του καλλιτέχνη. Ο πιο διάσημος ζωγράφος της Ολλανδίας δεν έχει βιώσει ποτέ τέτοια ταπείνωση. Σε ένα χρόνο, ο Ρέμπραντ έχασε την αγαπημένη του σύζυγο και απέτυχε στην καλύτερη δουλειά του. Φαίνεται ότι αυτό είναι αρκετά, αλλά όχι, ήταν μόνο η αρχή της τραγωδίας. Οι παραγγελίες έγιναν όλο και λιγότερες (ο κλασικισμός και το στυλ των τελετουργικών πορτρέτων μπήκαν στη μόδα) και σύντομα η περιουσία του καλλιτέχνη πουλήθηκε για χρέη. Από μια τεράστια έπαυλη στο κέντρο του Άμστερνταμ, αναγκάστηκε να μετακομίσει στα περίχωρα της πόλης, στην Εβραϊκή Συνοικία, όπου νοίκιασε πολλά δωμάτια με τον αγαπημένο του γιο Τίτο.

Το πιο ενδιαφέρον είναι ότι ο Ρέμπραντ θα μπορούσε εύκολα να προσαρμοστεί στις τελευταίες τάσεις της μόδας στην τέχνη και να λάβει και πάλι πολλά χρήματα για τους καμβάδες του. Αλλά ο ζωγράφος ήταν πεπεισμένος ότι έπρεπε να δημιουργήσει ένα εντελώς νέο στυλ. Στα πορτρέτα του τώρα δεν ήταν πλούσιοι άνθρωποι, αλλά οι πιο απλοί πολίτες της πόλης του Άμστερνταμ. Τέτοιο, για παράδειγμα, είναι το «Πορτρέτο ενός Παλαιού Εβραίου».

Ο Ρέμπραντ δεν ενδιαφερόταν για τη λεπτομερή απεικόνιση όλων των ειδών ένδυσης, προσπάθησε για περισσότερη αφαίρεση, προσπάθησε να δείξει τα συναισθήματα των χαρακτήρων του με απόλυτη ακρίβεια. Για την επιμονή του δέχτηκε μόνο βάσανα και χαστούκια. Αυτό συνέβη με τον πίνακα του «Η συνωμοσία του Julius Civilis».

Αντί για μια κλασική, πομπώδη, εξωστρεφή εικόνα πατριωτισμού, ο παλιός κύριος την παρουσίασε στο κοινό.

Μπροστά μας είναι μια εικόνα ενός βαρβαρικού γλεντιού, αγενής, αντιαισθητική. Αυτός ο καμβάς ήταν σχεδόν 300 χρόνια μπροστά από την εποχή του, προσδοκώντας την εξπρεσιονιστική ζωγραφική. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι το αριστούργημα του πλοιάρχου απορρίφθηκε και το όνομά του καλύφθηκε με ανεξίτηλη ντροπή. Αλλά ακριβώς αυτά τα τελευταία οκτώ χρόνια της ζωής του, που πέρασε σε απόλυτη, αδιαπέραστη φτώχεια, είναι μια από τις πιο γόνιμες περιόδους στο έργο του Ρέμπραντ.

Νομίζω ότι θα γράψω για τους πίνακες εκείνης της περιόδου, συμπεριλαμβανομένης της Επιστροφής του Ασώτου, σε ξεχωριστό άρθρο. Τώρα θέλω να μιλήσω για κάτι άλλο. Πάντα έμεινα έκπληκτος πώς ο Ρέμπραντ μπορούσε να δουλέψει και να αναπτύξει το ταλέντο του όταν τα χτυπήματα της μοίρας έπεφταν πάνω του από παντού. Δεν θα μπορούσε να συνεχιστεί έτσι για πολύ καιρό και ο καλλιτέχνης το προέβλεψε.

Το τελευταίο χτύπημα εφαρμόζεται πάντα στο πιο επώδυνο σημείο. Ήταν ο μόνος γιος του Τίτου - ενός πολύ άρρωστου αγοριού, παρόμοιου με τη νεκρή μητέρα του. Ήταν εκείνος που ο Ρέμπραντ απεικόνιζε τότε πιο συχνά: τόσο με τη μορφή αγγέλου στον πίνακα "Ματθαίος και ο άγγελος", και να διαβάζει, και με διάφορα κοστούμια. Ίσως ο ζωγράφος νόμιζε ότι με τη βοήθεια του ταλέντου του θα κατάφερνε κάπως να καθυστερήσει το αναπόφευκτο... Απέτυχε...

Κατά τη γνώμη μου, το «Portrait of Titus in a monastical cassock» είναι ένας από τους πιο ψυχωμένους πίνακες του Ρέμπραντ. Όλη η αγάπη του πατέρα της, όλο το ταλέντο του ζωγράφου, εκδηλώθηκε μέσα της. Σε όλες αυτές τις τραχιές πινελιές, σε αυτό το σκοτάδι που προχωρά στον νεαρό άνδρα από τα αριστερά, στα φυτά που ήδη περιβάλλουν το σώμα του, ένα πράγμα ξεχωρίζει - το χλωμό πρόσωπο του γιου του καλλιτέχνη με χαμηλωμένα μάτια γεμάτα ταπεινότητα.

Ο Τίτος πέθανε το 1668, ο Ρέμπραντ του επέζησε μόνο ένα χρόνο.

Πέθανε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, εντελώς μόνος, έχοντας κερδίσει τα πάντα σε αυτή τη ζωή και είχε χάσει τα πάντα. Ξέχασαν τους καμβάδες του για πολύ καιρό... Αλλά έχουν περάσει 150 χρόνια και άλλοι καλλιτέχνες έχουν ήδη ακούσει τι προσπαθούσε να πει ο δάσκαλος στους συγχρόνους του, επιλέγοντας το δικό του μοναδικό μονοπάτι αντί για φήμη και χρήματα.

Το έργο του λαμπρού Rembrandt Harmenszoon van Rijn είναι μια από τις κορυφές της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το εξαιρετικό εύρος του θεματικού εύρους, ο βαθύτερος ανθρωπισμός που εμπνέει τα έργα, η αληθινή δημοκρατία της τέχνης, η διαρκής αναζήτηση του πιο εκφραστικού καλλιτεχνικά μέσα, η αξεπέραστη δεξιοτεχνία έδωσε στον καλλιτέχνη την ευκαιρία να ενσαρκώσει τις βαθύτερες και πιο εξελιγμένες ιδέες της εποχής. Ο χρωματισμός των πινάκων του Ρέμπραντ της ώριμης και ύστερης περιόδου, βασισμένος σε έναν συνδυασμό ζεστών στενών τόνων, ιριδίζοντος με τις καλύτερες αποχρώσεις, ανάλαφρων, κυματιστών και συμπυκνωμένων, σαν να εκπέμπονται από τα ίδια τα αντικείμενα, συμβάλλουν στην εξαιρετική συναισθηματικότητα των έργων του. Αλλά ειδική αξίανα τους μεταδώσει ψηλά, ευγενή συναισθήματα που δίνουν ποίηση και υπέροχη ομορφιά στα καθημερινά πράγματα.

The Apprentice and His Tutor, 1629-1630, Μουσείο Getty, Λος Άντζελες, Καλιφόρνια

Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem, 1630, Rijksmuseum

Minerva, περίπου 1631, Rijksmuseum, Βερολίνο

Ο Ρέμπραντ ζωγράφιζε ιστορικούς, βιβλικούς, μυθολογικούς και καθημερινούς πίνακες, πορτρέτα και τοπία. ήταν ένας από τους μεγαλύτερους δεξιοτέχνες της χαρακτικής και του σχεδίου. Αλλά ανεξάρτητα από την τεχνική με την οποία δούλευε ο Ρέμπραντ, το κέντρο της προσοχής του ήταν πάντα ένας άνθρωπος, με τον εσωτερικό του κόσμο, τις εμπειρίες του. Ο Ρέμπραντ έβρισκε συχνά τους ήρωές του μεταξύ των εκπροσώπων των φτωχών Ολλανδών, σε αυτούς αποκάλυψε τα καλύτερα χαρακτηριστικά χαρακτήρα, τον ανεξάντλητο πνευματικό πλούτο. Ο καλλιτέχνης έφερε την πίστη στον άνθρωπο σε όλη του τη ζωή, τις κακουχίες και τις δοκιμασίες του. Τον βοήθησε να τελευταιες μερεςδημιουργούν έργα που εκφράζουν τις καλύτερες φιλοδοξίες του ολλανδικού λαού.

The Rape of Proserpina, περίπου το 1631, Πινακοθήκη, Δρέσδη

Μάθημα Ανατομίας από τον Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, Χάγη

The Rape of Europa, 1632, Μουσείο Getty, Λος Άντζελες

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn γεννήθηκε το 1606 στο Leiden, γιος ενός ιδιοκτήτη μύλου. Δάσκαλοί του ήταν ο Swannenburgh και αργότερα ο Lastman. Από το 1625, ο Ρέμπραντ άρχισε να εργάζεται ανεξάρτητα. Τα πρώτα έργα του φέρουν ίχνη της επιρροής του Lastman, μερικές φορές ζωγράφων της Ουτρέχτης, οπαδών του Caravaggio. Σύντομα, ο νεαρός Ρέμπραντ βρήκε τον δρόμο του, ξεκάθαρα σημαδεμένος σε πορτρέτα, φτιαγμένα κυρίως από τον ίδιο και τα αγαπημένα του πρόσωπα. Ήδη σε αυτά τα έργα, το chiaroscuro έγινε γι 'αυτόν ένα από τα κύρια μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης. Μελέτησε διάφορες εκδηλώσεις χαρακτήρων, εκφράσεις προσώπου, εκφράσεις προσώπου, ατομικά χαρακτηριστικά.

Δανιήλ και Πέρσης βασιλιάςΟ Κύρος πριν από το είδωλο του Βάαλ, 1633, Μουσείο Getty

Θεά του Πολέμου Bellona, ​​1633, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

The Shipbuilder and his Wife, 1633, Πινακοθήκη, Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ

Το 1632, ο Ρέμπραντ μετακόμισε στο Άμστερνταμ και αμέσως κέρδισε φήμη με τον πίνακα The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632, The Hague, Mauritshuis). Στην ουσία, πρόκειται για ένα μεγάλο ομαδικό πορτρέτο γιατρών που περικύκλωσαν τον Δρ Τουλπ και άκουσαν με προσοχή τις εξηγήσεις του σε ένα ανατομικό πτώμα. Αυτή η κατασκευή της σύνθεσης επέτρεψε στον καλλιτέχνη να μεταφέρει τα μεμονωμένα χαρακτηριστικά κάθε ατόμου που απεικονίζεται και να τα συνδέσει σε μια ελεύθερη ομάδα. γενική κατάστασηβαθύ ενδιαφέρον, τονίζουν τη ζωτικότητα της κατάστασης. Σε αντίθεση με τα ομαδικά πορτρέτα του Χαλς, όπου καθένα από τα εικονιζόμενα καταλαμβάνει μια αντίστοιχη θέση, στη ζωγραφική του Ρέμπραντ όλοι οι χαρακτήρες υποτάσσονται ψυχολογικά στην Τούλπα, της οποίας η φιγούρα τονίζεται από μια φαρδιά σιλουέτα και μια κίνηση ελεύθερου χεριού. Το έντονο φως αποκαλύπτει το κέντρο της σύνθεσης, συμβάλλει στην εντύπωση της ψυχραιμίας της ομάδας και αυξάνει την έκφραση.

Η επιτυχία της πρώτης εικόνας έφερε στον καλλιτέχνη πολλές παραγγελίες, και μαζί τους πλούτο, ο οποίος αυξήθηκε με τον γάμο του με τον πατρίτσιο Saskia van Uylenburgh. Η μία μετά την άλλη, ο Ρέμπραντ γράφει μεγάλες θρησκευτικές συνθέσεις, όπως η Θυσία του Αβραάμ (1635, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), γεμάτες δυναμική και πάθος, τελετουργικά πορτρέτα. Τον γοητεύουν οι ηρωικές-δραματικές εικόνες, οι εξωτερικά θεαματικές κατασκευές, η υπέροχη φανταχτερή ενδυμασία, οι αντιθέσεις φωτός και σκιάς και έντονες γωνίες. Ο Ρέμπραντ συχνά απεικονίζει τη Σάσκια και τον εαυτό του, νέους, χαρούμενους, γεμάτους δύναμη. Πρόκειται για το «Portrait of Saskia» (περίπου 1634, Kassel, Πινακοθήκη Τέχνης), «Self-Portrait» (1634, Παρίσι, Λούβρο), «Self-Portrait with Saskia on His Knees» (περίπου 1636, Δρέσδη, Πινακοθήκη Τέχνης). Ο Ρέμπραντ εργάστηκε πολύ στον τομέα της χαρακτικής, αγαπώντας τα μοτίβα του είδους, τα πορτρέτα, τα τοπία και δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά εικόνων εκπροσώπων των κοινωνικών κατώτερων τάξεων.

Judith at the Reception of Holofernes (πίνακας παλαιότερα γνωστή ως Αρτεμισία), 1634, Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη

Η Diana and Nymphs Bathe Telling Stories of Actaeon and Callisto, 1635, Wasserburg Anholt Museum

Saskia van Uylenburgh με αρκαδική φορεσιά, 1635, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 1630, αποκαλύφθηκε η έλξη του καλλιτέχνη για ρεαλιστικές εικόνες σε πίνακες ζωγραφικής μεγάλης κλίμακας. Το μυθολογικό θέμα στον πίνακα Δανάη (1636, το μεγαλύτερο μέρος του πίνακα ξαναζωγραφίστηκε στα μέσα της δεκαετίας του 1640, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ) απέκτησε μια ασυνήθιστα ζωτική και πειστική λύση. Απορρίπτοντας το βίαιο πάθος και τις εξωτερικές επιδράσεις, ο Ρέμπραντ προσπάθησε για ψυχολογική εκφραστικότητα. Τα ζεστά χρώματα έχουν γίνει πιο πλούσια, το φως έχει αποκτήσει ακόμα μεγαλύτερο ρόλο, προσδίδοντας μια ιδιαίτερη τρόμο και ενθουσιασμό στο έργο.

Άνδρας με ανατολίτικη στολή, 1633, Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον

Unbelief of the Apostle Thomas, 1634, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα

Ο Samson απειλεί τον πεθερό του, 1635, Rijksmuseum, Βερολίνο

Με την εμβάθυνση της ρεαλιστικής δεινότητας του καλλιτέχνη, μεγάλωναν οι διαφωνίες του με το γύρω αστικοπατρικιακό περιβάλλον. Το 1642, κατόπιν παραγγελίας μιας ομάδας τυφεκιοφόρων, ζωγράφισε έναν μεγάλο πίνακα (3,87 x 5,02 μ.), λόγω της κατά καιρούς σκούρασης των χρωμάτων, ο οποίος αργότερα έλαβε το όνομα «Νυχτερινή Φρουρά» (Άμστερνταμ, Rijksmuseum). Αντί για το παραδοσιακό γλέντι με πορτρέτα των συμμετεχόντων, όπου ο καθένας απεικονίζεται με όλη τη φροντίδα των ατομικών χαρακτηριστικών, όπως έγινε νωρίτερα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε την παράσταση των σκοπευτών σε μια εκστρατεία. Σηκώνοντας το πανό, με επικεφαλής τον καπετάνιο, βαδίζουν κατά μήκος της φαρδιάς γέφυρας κοντά στο κτίριο της συντεχνίας υπό τον ήχο ενός τυμπάνου. Μια ασυνήθιστα φωτεινή δέσμη φωτός, που φωτίζει μεμονωμένες φιγούρες, τα πρόσωπα των συμμετεχόντων στην πομπή και ένα κοριτσάκι με έναν κόκορα στη μέση, σαν να διασχίζει τις τάξεις των σκοπευτών, τονίζει το απροσδόκητο, τη δυναμική και τον ενθουσιασμό της εικόνας. Οι εικόνες θαρραλέων ανθρώπων, που καταλαμβάνονται από μια ηρωική παρόρμηση, συνδυάζονται εδώ με μια γενικευμένη εικόνα του ολλανδικού λαού, εμπνευσμένη από τη συνείδηση ​​της ενότητας και την πίστη στις δικές τους δυνάμεις. Έτσι, ένα ομαδικό πορτρέτο αποκτά τον χαρακτήρα ενός είδους ιστορικής ζωγραφικής, στο οποίο ο καλλιτέχνης επιδιώκει να αποτιμήσει το παρόν. Ο Ρέμπραντ ενσαρκώνει την ιδέα του για τα υψηλά πολιτικά ιδεώδη, για έναν λαό που έχει ξεσηκωθεί για να αγωνιστεί για την ελευθερία και την εθνική ανεξαρτησία. Στα χρόνια που αποκαλύπτονταν όλο και περισσότερο οι εσωτερικές αντιθέσεις που χώριζαν τη χώρα, ο καλλιτέχνης έκανε έκκληση για πολιτικά κατορθώματα. Ο Ρέμπραντ προσπάθησε να δημιουργήσει μια εικόνα της ηρωικής Ολλανδίας, για να δοξάσει την πατριωτική έξαρση των πολιτών της. Ωστόσο, αυτή η ιδέα ήταν ήδη σε μεγάλο βαθμό ξένη στους πελάτες του.

Καθ' όλη τη διάρκεια της δεκαετίας του 1640, οι διαφορές μεταξύ του καλλιτέχνη και της αστικής κοινωνίας μεγάλωναν. Αυτό διευκολύνεται από δύσκολα γεγονότα στην προσωπική του ζωή, ο θάνατος της Saskia. Αλλά ήταν αυτή τη στιγμή που ήρθε η ώρα της ωριμότητας στο έργο του Ρέμπραντ. Οι θεαματικές δραματικές σκηνές των πρώιμων έργων του αντικαθίστανται από την ποιοποίηση της καθημερινής ζωής: κυριαρχούν οι λυρικές πλοκές, όπως «Αποχαιρετισμός του Δαβίδ στον Ιωνάθαν» (1642), «Η Αγία Οικογένεια» (1645, και οι δύο πίνακες - Αγία Πετρούπολη , το Ερμιτάζ), στο οποίο το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων κατακτά με μια εκπληκτικά λεπτή και δυνατή ενσάρκωση. Φαίνεται ότι σε απλές καθημερινές σκηνές, σε φειδωλές και ακριβείς χειρονομίες και κινήσεις, ο καλλιτέχνης αποκαλύπτει την πολυπλοκότητα της πνευματικής ζωής, τη ροή των σκέψεων των χαρακτήρων. Μεταφέρει τη σκηνή του πίνακα «Η Αγία Οικογένεια» σε ένα φτωχικό αγροτικό σπίτι, όπου ο πατέρας εργάζεται ως ξυλουργός και η νεαρή μητέρα φρουρεί προσεκτικά τον ύπνο του μωρού. Κάθε πράγμα εδώ καλύπτεται με την πνοή της ποίησης, τονίζει τη διάθεση της σιωπής, της γαλήνης, της ηρεμίας. Αυτό διευκολύνεται από το απαλό φως που φωτίζει τα πρόσωπα της μητέρας και του μωρού, οι πιο λεπτές αποχρώσεις του ζεστού χρυσού χρώματος.

Ο Χριστός και η Μαρία Μαγδαληνή στον τάφο, 1638, Βασιλική Συλλογή, Ουίνδσορ

Agatha Bass ενάντια σε ένα παράθυρο, 1641, Πινακοθήκη, Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ

Ο ιεροκήρυκας Cornelis Claes Anslo και η σύζυγός του Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Μουσείο Βερολίνου-Dahlem

Οι εικόνες των γραφικών έργων του Ρέμπραντ - σχέδια και χαρακτικά - είναι γεμάτες βαθιά εσωτερική σημασία. Με ιδιαίτερη ισχύ, ο δημοκρατισμός της τέχνης του εκφράζεται στο χαρακτικό «Χριστός Θεραπεύει τους Ασθενείς» (περίπου το 1649, «Ένα φύλλο εκατό φιορίνι», που ονομάστηκε έτσι λόγω της υψηλής τιμής που αγόρασε σε δημοπρασίες). Εντυπωσιακή είναι η διεισδυτική ερμηνεία των εικόνων των αρρώστων και των πονεμένων, των ζητιάνων και των φτωχών, στους οποίους εναντιώνονται οι αυτοικανοποιημένοι, πλούσια ντυμένοι Φαρισαίοι. Το αυθεντικό μνημειακό εύρος, η γραφικότητα, οι λεπτές και έντονες αντιθέσεις του κιαροσκούρο, ο τονικός πλούτος διακρίνονται από τα χαρακτικά και τα σχέδια του με στυλό, τόσο θεματικά όσο και τοπικά.

Τεράστια θέση στην ύστερη περίοδο καταλαμβάνουν απλές αλλά συνθέσεις, τις περισσότερες φορές πορτρέτα γενεών συγγενών και φίλων, στις οποίες ο καλλιτέχνης εστιάζει στην αποκάλυψη του πνευματικού κόσμου των εικονιζόμενων. Πολλές φορές γράφει στον Hendrickje Stoffels, αποκαλύπτοντας την πνευματική της ευγένεια και φιλικότητα, την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά της - όπως, για παράδειγμα, το «Hendrickje at the Window» (Βερολίνο, Μουσείο). Συχνά το μοντέλο είναι ο γιος του Τίτος, ένας άρρωστος, εύθραυστος νεαρός άνδρας με ευγενικό πνευματικό πρόσωπο. Στο πορτρέτο με ένα βιβλίο (περίπου 1656, Βιέννη, Μουσείο Kunsthistorisches), η εικόνα φαίνεται να διαπερνάται από τις ακτίνες του ήλιου. Μεταξύ των πιο διεισδυτικών είναι το πορτρέτο του Breuning (1652, Kassel, Gallery), ενός νεαρού χρυσαυγίτη με ένα κινητό πρόσωπο που φωτίζεται από το εσωτερικό φως, και ένα πορτρέτο του κλειστού-θλιμμένου Jan Six (1654, Άμστερνταμ, συλλογή Six) , σαν να σταμάτησε στις σκέψεις του, τραβώντας ένα γάντι.

Αυτοπροσωπογραφία με καπέλο από τσόχα, 1642, Βασιλική Συλλογή, Κάστρο Ουίνδσορ, Λονδίνο

Τουαλέτα της Bathsheba, 1643, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Πορτρέτο μιας κυρίας με σφιχτά χέρια (Hendrikje Stoffels?), περίπου 1650, Βασιλική Συλλογή, Λονδίνο

Σε αυτό το είδος πορτρέτων ανήκουν και οι όψιμες αυτοπροσωπογραφίες του καλλιτέχνη, που εντυπωσιάζουν με την ποικιλομορφία των ψυχολογικών χαρακτηριστικών, την έκφραση των πιο άπιαστων κινήσεων της ψυχής. Η «Αυτοπροσωπογραφία» του Μουσείου της Βιέννης (γύρω στο 1652) εκτελέστηκε με ευγενική απλότητα και μεγαλοπρέπεια. στην «Αυτοπροσωπογραφία» από το Λούβρο (1660), ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του να διαλογίζεται, έντονα λυπημένος. Παράλληλα, ζωγραφίστηκε το πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας, της συζύγου του αδελφού της (1654, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), ένα πορτρέτο-βιογραφία που μιλάει για μια σκληρή ζωή, για σκληρές μέρες που άφησαν τα εύγλωττα σημάδια τους. στο ζαρωμένο πρόσωπο και στα κουρασμένα χέρια αυτής της γυναίκας που επιζούσε. Συγκεντρώνοντας το φως στο πρόσωπο και τα χέρια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή του θεατή σε αυτά, αποκαλύπτοντας τον πνευματικό πλούτο και την ανθρώπινη αξιοπρέπεια όσων απεικονίζονται. Σχεδόν όλα αυτά τα πορτρέτα δεν είναι κατά παραγγελία: κάθε χρόνο γίνονται όλο και λιγότερες παραγγελίες.

Η τελευταία δεκαετία είναι η πιο τραγική περίοδος στη ζωή του Ρέμπραντ. κηρύχθηκε αφερέγγυος οφειλέτης, εγκαθίσταται στη φτωχότερη συνοικία του Άμστερνταμ, χάνει τους καλύτερους φίλους και αγαπημένα του πρόσωπα. Ο Hendrickje και ο γιος Titus πεθαίνουν. Αλλά οι κακοτυχίες που τον συνέβη δεν μπορούσαν να σταματήσουν την ανάπτυξη της δημιουργικής ιδιοφυΐας του καλλιτέχνη. Τα πιο βαθιά και όμορφα έργα γράφτηκαν από τον ίδιο αυτή την εποχή. Το ομαδικό πορτρέτο του «Sindiki» (οι πρεσβύτεροι της συντεχνίας των υφασμάτων, 1662, Άμστερνταμ, Rijksmuseum) ολοκληρώνει τα επιτεύγματα του καλλιτέχνη σε αυτό το είδος. Η ζωντάνια του έγκειται στο βάθος και την ιδιαιτερότητα καθενός από τα θέματα, στη φυσικότητα της σύνθεσης, καθαρή και ισορροπημένη, στη τσιγκουνιά και την ακρίβεια της επιλογής των λεπτομερειών, στην αρμονία ενός συγκρατημένου χρωματικού συνδυασμού και ταυτόχρονα στη δημιουργία μιας ολοκληρωμένης εικόνας μιας ομάδας ανθρώπων που ενώνονται από τα κοινά συμφέροντα που προστατεύουν. Μια ασυνήθιστη γωνία τονίζει τη μνημειακή φύση της εικόνας, τη σημασία και τη σοβαρότητα αυτού που συμβαίνει.

Νεαρή γυναίκα που δοκιμάζει σκουλαρίκια, 1657, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Αρταξέρξης, Αμάν και Εσθήρ, 1660, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα

Οικογενειακό πορτρέτο, 1668, Μουσείο Δούκα Άντον Ούλριχ, Μπράουνσβαϊγκ

Αρκετοί μεγάλοι θεματικοί πίνακες του πλοιάρχου ανήκουν επίσης στην ύστερη περίοδο: «The Conspiracy of Julius Civilis» (1661, Στοκχόλμη, Εθνικό Μουσείο), μια ιστορική σύνθεση που απεικονίζει τον αρχηγό της φυλής Batav, που θεωρούνταν οι πρόγονοι της Ολλανδίας, που τον 1ο αιώνα ξεσήκωσε τον λαό σε εξέγερση κατά της Ρώμης, καθώς και πίνακες με βιβλικά θέματα: «Αρταξέρξης, Αμάν και Εσθήρ» (1660, Μόσχα, Μουσείο Πούσκιν). Η πλοκή της βιβλικής παραβολής του άσωτου γιου προσέλκυσε τον καλλιτέχνη πριν, βρίσκεται σε ένα από τα χαρακτικά του. Αλλά μόνο προς το τέλος της ζωής του ο Ρέμπραντ ήρθε στην πιο βαθιά του αποκάλυψη. Στην εικόνα ενός κουρασμένου, μετανοημένου ανθρώπου που γονάτισε μπροστά στον πατέρα του, εκφράζεται ο τραγικός δρόμος της γνώσης της ζωής και στην εικόνα του πατέρα που συγχώρεσε τον άσωτο γιο, την υψηλότερη ευτυχία που υπάρχει σε ένα άτομο, το όριο των συναισθημάτων που γεμίζουν την καρδιά, ενσαρκώνεται. Η λύση σε αυτή τη σύνθεση μεγάλης κλίμακας είναι εκπληκτικά απλή, όπου οι κύριοι χαρακτήρες φαίνονται να φωτίζονται από ένα εσωτερικό φως, όπου η χειρονομία των χεριών του πατέρα, που έχει ξαναβρεί τον γιο του, εκφράζει την απέραντη ευγένειά του και την πεσμένη φιγούρα ενός περιπλανώμενου με βρώμικα κουρέλια, προσκολλημένος στον πατέρα του, εκφράζει όλη τη δύναμη της μετάνοιας, την τραγωδία της αναζήτησης και τις απώλειες. Άλλοι χαρακτήρες υποβιβάζονται στο παρασκήνιο, στο μισό, και η συμπόνια και η στοχαστικότητα τους αναδεικνύουν ακόμη περισσότερο, σαν να λάμπουν με μια ζεστή λάμψη, πατρική αγάπη και συγχώρεση, που ο μεγάλος Ολλανδός καλλιτέχνης άφησε στους ανθρώπους σαν διαθήκη.

Η επιρροή της τέχνης του Ρέμπραντ ήταν τεράστια. Επηρέασε όχι μόνο το έργο των άμεσων μαθητών του, από τους οποίους ο Karel Fabritius έφτασε πιο κοντά στην κατανόηση του δασκάλου, αλλά και στην τέχνη κάθε λίγο πολύ σημαντικού Ολλανδού καλλιτέχνη. Η τέχνη του Ρέμπραντ είχε μια βαθιά επίδραση στην ανάπτυξη όλης της παγκόσμιας ρεαλιστικής τέχνης στη συνέχεια. Ενώ ο μεγαλύτερος Ολλανδός καλλιτέχνης, έχοντας έρθει σε σύγκρουση με την αστική κοινωνία, πέθανε στην ανάγκη, άλλοι ζωγράφοι, έχοντας κατακτήσει την ικανότητα αληθινή μετάδοσηπου απεικονίζεται, κατάφερε να επιτύχει αναγνώριση και ευημερία. Έχοντας συγκεντρώσει τις προσπάθειές τους στον τομέα του ενός ή του άλλου είδους ζωγραφικής, πολλοί από αυτούς δημιούργησαν σημαντικά έργα στον τομέα τους.

Η τέχνη κάνει τη ζωή μας πιο ενδιαφέρουσα και όμορφη. Υπάρχουν άνθρωποι που θα μνημονεύονται για αιώνες, που το έργο τους θα κληρονομήσουν οι νέες γενιές.

Αφού διαβάσετε αυτό το άρθρο, θα γίνετε πιο κοντά στην κατανόηση της κληρονομιάς της παγκόσμιας τέχνης, που άφησε πίσω του ο μεγάλος δάσκαλος - ο καλλιτέχνης Rembrandt van Rijn.

Βιογραφία

Σήμερα αποκαλείται ο κύριος των σκιών, καθώς και ένας άνθρωπος που θα μπορούσε να βάλει απολύτως οποιοδήποτε συναίσθημα στον καμβά. Στη συνέχεια, θα εξοικειωθούμε με το μονοπάτι της ζωής που έπρεπε να διανύσει.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) γεννήθηκε στην Ολλανδία, στην πόλη Leiden. Από μικρός ενδιαφέρθηκε για τη ζωγραφική και από τα 13 του σπούδασε καλές τέχνες με τον Jacob van Swanenbürch, ο οποίος ήταν ιστορικός ζωγράφος.

Μετά από αυτό, είναι γνωστό ότι ο Ρέμπραντ σπούδασε με τον Peter Lastman σε ηλικία 17 ετών, έχοντας φτάσει στο Άμστερνταμ. Ο δάσκαλός του ειδικεύτηκε στα βιβλικά μοτίβα και τη μυθολογία.

Σκέφτηκα τη δική μου δουλειά

Ήδη από την ηλικία των 21 ετών, ο Rembrandt van Rijn, μαζί με τον φίλο του, άνοιξαν ένα εργαστήριο σχεδίου και έκαναν τακτικά σετ μαθητών και μαθήματα καλών τεχνών. Χρειάστηκαν μόλις λίγα χρόνια, και έγινε δημοφιλής μεταξύ άλλων ως δεξιοτέχνης της τέχνης του.

Μαζί με τον φίλο τους Lievens, δημιουργούσαν ήδη αριστουργήματα εκείνη την εποχή και έγιναν αντιληπτοί από τον Constantine Huygens, ο οποίος ήταν ο γραμματέας του Prince of Orange. Αποκάλεσε την εικόνα με τον Ιούδα ένα από τα καλύτερα έργα τέχνης της αρχαιότητας. Έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη του καλλιτέχνη, βοηθώντας στη δημιουργία επαφών με πλούσιους πελάτες.

Νέα ζωή στο Άμστερνταμ

Μέχρι το 1631, ο Rembrandt van Rijn είχε ήδη μετακομίσει εντελώς για να ζήσει στο Άμστερνταμ. Η ζωή σε αυτή την πόλη ήταν γεμάτη παραγγελίες από σημαντικούς πελάτες που τον έβλεπαν ως έναν σπουδαίο νέο καλλιτέχνη. Αυτή την περίοδο, ο φίλος του πήγε για σπουδές στην Αγγλία, όπου προσπάθησε επίσης να πετύχει υπό την αιγίδα ενός νέου δασκάλου.

Εν τω μεταξύ, ο καλλιτέχνης αρχίζει να εμπλέκεται στην εικόνα των προσώπων. Ενδιαφέρεται για τις εκφράσεις του προσώπου του κάθε ανθρώπου, προσπαθεί να πειραματιστεί με τα ζωγραφισμένα κεφάλια των ανθρώπων. Ο Rembrandt van Rijn ήταν σε θέση να μεταφέρει με ακρίβεια όλα όσα έλεγαν τα μάτια του ατόμου από το οποίο έγραψε το αριστούργημα.

Τα πορτρέτα εκείνη την εποχή ήταν που έφεραν στον καλλιτέχνη εμπορική επιτυχία. Επιπλέον, λάτρευε τις αυτοπροσωπογραφίες. Μπορείτε να βρείτε πολλά από τα έργα του, όπου απεικόνιζε τον εαυτό του με φανταστικά κοστούμια και ενδυμασίες, ενδιαφέρουσες πόζες.

ώρα δόξας

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn κέρδισε την παγκόσμια αναγνώριση στο Άμστερνταμ μετά τη ζωγραφική του «The Anatomy Lesson of Dr. Tulp» το 1632, όπου απεικόνισε χειρουργούς τους οποίους ο γιατρός δίδαξε να ανατομεύουν χρησιμοποιώντας το παράδειγμα ενός πτώματος.

Αν κοιτάξετε αυτήν την εικόνα, μπορείτε να δείτε τη λεπτή γραμμή με την οποία ο πλοίαρχος απεικόνισε την έκφραση του προσώπου καθενός από αυτούς. Αυτά δεν είναι μόνο πρόσωπα ανθρώπων, κατάφερε να μεταφέρει τη γενική επιφυλακτική συγκίνηση μιας ολόκληρης ομάδας μαθητών.

Και ο τρόπος που απεικόνιζε τη σκιά στην εικόνα εξέπληξε πολλούς ειδικούς εκείνης της εποχής. Άρχισαν ομόφωνα να λένε ότι ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn είχε ωριμάσει μαζί με τους πίνακές του.

Μπορούμε να πούμε ότι αυτή η περίοδος θεωρείται από τις πιο ευνοϊκές στη ζωή ενός νέου καλλιτέχνη. Μετά το γάμο του με τη Saskia van Uilenbürch το 1634, οι προμήθειες έπεσαν βροχή στο κεφάλι του με ρυθμό που δεν μπορούσε να ζωγραφίσει.

Τα πρώτα χρόνια της ζωής του στη νέα πόλη, ο νεαρός Rembrandt van Rijn κατάφερε να ζωγραφίσει περισσότερους από 50 πίνακες. Οι εικόνες ήταν ξεχωριστές και φωτεινές, οι συγγραφείς θυμήθηκαν τις δημιουργίες του περισσότερες από μία φορές. Για παράδειγμα, ο Jost van den Vondel, τότε ο πιο διάσημος ποιητής και θεατρικός συγγραφέας, απέτισε φόρο τιμής στον συγγραφέα στα ποιήματά του για το πορτρέτο που φιλοτέχνησε του Cornelis Anslo.

Εκείνη την εποχή είχε αρκετά χρήματα για να αγοράσει τη δική του έπαυλη. Λάτρης της τέχνης και μελετώντας τα έργα κλασικών και άλλων δασκάλων, γέμισε το σπίτι του με διάσημα έργα συγχρόνων και δημιουργίες της αρχαίας εποχής.

Οικογενειακή ζωή

Οι σημερινοί κριτικοί τέχνης σημειώνουν τα καλά έργα της εποχής, τα οποία γράφτηκαν από τον Rembrandt van Rijn. Οι πίνακες της συζύγου του Saskia με διάφορα ρούχα και με διαφορετικά υπόβαθρα δείχνουν ότι ο πλοίαρχος έχει ωριμάσει πλήρως και άρχισε να δημιουργεί την τέχνη του σε καμβάδες.

Υπήρχε και θλίψη - τα τρία παιδιά που απέκτησε κατά τη διάρκεια του γάμου του πέθαναν σε νεαρή ηλικία. Αλλά το 1641, το ζευγάρι απέκτησε έναν γιο, τον Τίτο, ο οποίος ήταν διέξοδος για νέους γονείς. Εκείνη η ταραγμένη εποχή αποτυπώθηκε τέλεια στον πίνακα του καλλιτέχνη «Ο Άσωτος Υιός σε μια Ταβέρνα».

Δυσάρεστο γεγονός

Όπως και στα πρώτα του χρόνια, η φαντασία του μεγάλου καλλιτέχνη τον ώθησε πάντα να δημιουργεί πίνακες με συγκεκριμένα βιβλικά θέματα. Τι αξίζει ο πίνακας του «Η Θυσία του Αβραάμ», που φιλοτέχνησε το 1635! Τα συναισθήματα και η διάθεση μεταφέρονται τόσο ξεκάθαρα, που αρχίζεις να ανησυχείς ότι μόλις ανοιγοκλείνεις το μάτι, το μαχαίρι θα βυθιστεί αμέσως στη σάρκα.

Στη σύγχρονη τέχνη, αυτό το συναίσθημα μπορεί να μεταδοθεί μόνο από φωτογράφους που τραβούν μια καθαρή εικόνα σε κίνηση. Πράγματι, η ικανότητά του να εμφανίζει την ατμόσφαιρα των καταστάσεων που επεξεργάζεται η φαντασία του μεγάλου δασκάλου είναι εντυπωσιακή.

Έναρξη προβλημάτων

Οι αποτυχίες του καλλιτέχνη δεν τελείωσαν με το θάνατο της συζύγου του. Οι απόψεις του καλλιτέχνη άλλαξαν σταδιακά. Αυτός ο νεαρός Rembrandt van Rijn, του οποίου το έργο θαύμαζε τους συγχρόνους του, εξαφανίστηκε σταδιακά.

Το 1642 έλαβε μια εξαιρετική πρόταση να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο των Σωματοφυλάκων, το οποίο επρόκειτο να τοποθετηθεί στο νεόκτιστο κτίριο της Σκοπευτικής Εταιρείας. Ήταν ένας από τους μεγαλύτερους πίνακες που ζωγράφισε ποτέ ο κύριος - έφτασε τα τέσσερα μέτρα.

Σύμφωνα με το όραμα των πελατών, ο καλλιτέχνης έπρεπε να δημιουργήσει ένα συνηθισμένο πορτρέτο στρατιωτών, το οποίο θα ακτινοβολούσε δύναμη και αυτοπεποίθηση. Δυστυχώς, ο καλλιτέχνης Rembrandt van Rijn ολοκλήρωσε το έργο με τον δικό του τρόπο.

Όπως φαίνεται στον πίνακα «Night Watch», που φαίνεται παρακάτω, το έργο του δύσκολα μπορεί να ονομαστεί πορτρέτο. Ο καμβάς απεικονίζει μια ολόκληρη σκηνή προετοιμασίας μιας εταιρείας τουφεκιού για μια ξαφνική εκστρατεία.

Και μπορείτε να δείτε πώς η κίνηση στην εικόνα έχει παγώσει. Αυτό είναι ένα ξεχωριστό πλαίσιο από τη ζωή των στρατιωτών. Υπήρξε μεγάλη αγανάκτηση από τους πελάτες για αυτό. Κάποιοι σωματοφύλακες έπεσαν στο παρασκήνιο, ενώ άλλοι συνελήφθησαν σε δύσκολη θέση.

Επιπλέον, το απότομο παιχνίδι φωτός και σκιάς, το οποίο, ίσως, κανείς δεν μπορούσε να απεικονίσει τόσο φωτεινά και τολμηρά στον καμβά, επίσης δεν προκάλεσε θαυμασμό.

Μετά από αυτό, ο Rembrandt van Rijn, τα έργα του οποίου θεωρήθηκαν από τα καλύτερα χθες, άρχισε να μην ενδιαφέρει ένα υψηλόβαθμο κοινό. Και αυτό σήμαινε εκείνη την εποχή ότι κανείς δεν θα έκανε ακριβές παραγγελίες μαζί του.

Φανταστείτε τώρα ένα άτομο που έζησε όλη του τη ζωή σε μεγάλο βαθμό και μετά έχασε απότομα την πηγή εισοδήματός του. Θα καταφέρει να εγκαταλείψει τη συνηθισμένη του ζωή;

Η νεωτερικότητα απαιτούσε λεπτομέρειες των πινάκων

Οι μαθητές του σταδιακά τον εγκαταλείπουν. Το όραμα του Ρέμπραντ γίνεται σταδιακά εκτός της μόδας εκείνης της εποχής - οι νέες τάσεις κινούνταν προς τη μέγιστη λεπτομέρεια. Δηλαδή, αν ο καλλιτέχνης άρχιζε να ζωγραφίζει όπως έκανε στα νιάτα του, τότε θα υπήρχε μεγάλη ζήτηση για αυτόν.

Αλλά η ζωή είναι απρόβλεπτη, όπως ακριβώς ένας πραγματικός δημιουργικός άνθρωπος. Το χέρι του γινόταν σκληρό, του άρεσε να παίζει με τη σκιά, θολώνοντας τις καθαρές άκρες των αντικειμένων.

Η αδυναμία να βγάλει καλά χρήματα επηρέασε την οικονομική του κατάσταση. Λαμβάνοντας υπόψη ότι η αείμνηστη σύζυγός του ήταν κυρία από εύπορη οικογένεια, η προίκα της πέρασε εντελώς στην κατοχή του. Και, μη έχοντας εισόδημα, απλώς τα ξόδεψε, ή τα «έκαψε», για τις δικές του ανάγκες.

Στα τέλη της δεκαετίας του σαράντα του 17ου αιώνα, τα πήγε καλά με την υπηρέτριά του Hendrikje. Φαίνεται σε κάποιους πίνακές του. Εκείνη την εποχή, οι νόμοι ήταν αυστηροί σε σχέση με τους οικογενειακούς δεσμούς και η μούσα του καταδικάστηκε από το δικαστήριο όταν απέκτησαν το μωρό Cornelia.

Είναι δύσκολο να βρεις διάσημους καμβάδες από αυτή την περίοδο της ζωής του καλλιτέχνη. Σταδιακά απομακρύνθηκε από τα πολλά περιεχόμενα κίνητρα και σκηνές που έγραψε στο πρόσφατο παρελθόν.

Αλλά είναι σαν δημιουργικό άτομο, έχει εμφανιστεί και σε άλλους τομείς. Εκείνη την εποχή, έκανε ήδη αριστοτεχνικά χαρακτικά. Του πήρε 7 χρόνια για να ολοκληρώσει ένα αριστούργημα που ονομάζεται «Χριστός Θεραπεύει τους Ασθενείς».

Μπόρεσε να το πουλήσει για 100 φιορίνια, που ήταν αρκετά μεγάλο για εκείνη την εποχή. θεωρείται το καλύτερο από αυτά που μπορούσε να δημιουργήσει ο Ρέμπραντ.

Ηλιοβασίλεμα Ρέμπραντ

Ο ηλικιωμένος καλλιτέχνης αντιμετώπιζε όλο και περισσότερο υλικά προβλήματα. Το 1656 χρεοκόπησε πλήρως, έχοντας μεταβιβάσει όλη την κληρονομιά του στον γιο του. Δεν υπήρχε τίποτα για να ζήσεις. Ένα χρόνο αργότερα, έπρεπε να πουλήσει την περιουσία του. Τα έσοδα τον βοήθησαν να μετακομίσει στα ήσυχα προάστια του Άμστερνταμ. Εγκαταστάθηκε στην εβραϊκή συνοικία.

Το πιο κοντινό του πρόσωπο στα γηρατειά του ήταν ο γιος του. Όμως ο Ρέμπραντ δεν στάθηκε τυχερός, γιατί έζησε για να δει τον θάνατό του. Δεν άντεξε άλλο τα χτυπήματα της μοίρας και ένα χρόνο αργότερα πέθανε κι αυτός.

Ο σημερινός Ρέμπραντ

Η τέχνη δεν πεθαίνει ποτέ. Οι δημιουργοί ζουν στα έργα τους, συγκεκριμένα, οι καλλιτέχνες είναι πάντα μέρος των καμβάδων τους. Η ουσία ενός ατόμου μεταφέρεται στο στυλ και την ικανότητά του στη ζωγραφική.

Μέχρι σήμερα, ο Rembrandt van Rijn θεωρείται καλλιτέχνης με κεφαλαίο γράμμα και αναγνωρίζεται από όλους τους κριτικούς. Το έργο του εκτιμάται ιδιαίτερα. Για παράδειγμα, το 2009, σε μια δημοπρασία, ο πίνακας του «Μισό πορτρέτο ενός άγνωστου άνδρα που στέκεται στους γοφούς του», γραμμένο το 1658, πουλήθηκε για τιμή ρεκόρ 41 εκατομμυρίων δολαρίων ΗΠΑ (σε όρους συναλλαγματικής ισοτιμίας εκείνη τη στιγμή).

Εκτιμάται επίσης ο πίνακας του «Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας», ο οποίος το 2000 πουλήθηκε για περίπου 32 εκατομμύρια δολάρια. Αυτός ο καμβάς δεν τολμά καν να ονομαστεί "εικόνα". Απλώς μοιάζει με μια μεγάλη φωτογραφία - μόνο ένας μεγάλος δάσκαλος θα μπορούσε να περιγράψει τόσο πολύ το πρόσωπο.

Άνθρωποι όπως ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn είναι πραγματικά εμπνευσμένοι. Και δεν είναι απαραίτητο να γίνεις καλλιτέχνης, απλά πρέπει να κάνεις αυτό που σου αρέσει, και το πιο σημαντικό - από καρδιάς.