Drejtimi i Rembrandt në pikturë. Pikturat më të famshme të Rembrandt. Blind Tobit dhe Anna (1626)

Viti i lindjes: 15 korrik 1606

Data e vdekjes: 4 tetor 1669

Shteti: Hollanda

Biografia:

Lindur në qytetin holandez të Leiden në 1606 më 15 korrik. Babai i Rembrandt ishte një mulli i pasur, nëna e tij piqte mirë, ishte vajza e një bukëpjekës. Mbiemri "van Rijn" fjalë për fjalë do të thotë "nga Rhine", domethënë nga lumi Rhine, ku stërgjyshërit e Rembrandt kishin mullinj. Nga 10 fëmijët në familje, Rembrandt ishte më i vogli. Fëmijë të tjerë ndoqën gjurmët e prindërve të tyre, dhe Rembrandt zgjodhi një rrugë tjetër - atë artistike dhe u arsimua në një shkollë latine.
Në moshën 13 vjeç, Rembrandt filloi të mësojë të vizatojë, dhe gjithashtu hyri në universitetin e qytetit. Mosha atëherë nuk shqetësonte askënd, gjëja kryesore në atë kohë ishte njohuria në nivel. Shumë studiues sugjerojnë që Rembrandt nuk shkoi në universitet për të studiuar, por për të marrë një shtyrje nga ushtria.

Mësuesi i parë i Rembrandt ishte Jacob van Swanenbürch.. Në punëtorinë e tij, artisti i ardhshëm kaloi rreth tre vjet, më pas u transferua në Amsterdam për të studiuar me Peter Lastman. Nga 1625 deri në 1626 Rembrandt u kthye në vendlindjen e tij dhe bëri njohje me artistë dhe disa nga studentët e Lastman.
Sidoqoftë, pas shumë diskutimesh, Rembrandt vendosi që karriera e një artisti të bëhej në kryeqytetin e Holandës dhe u transferua përsëri në Amsterdam.

Në 1634 Rembrandt u martua me Saskia. Në kohën e martesës, të gjithë kishin një fat të mirë (Rembrandt kishte piktura dhe prindërit e Saskias lanë një trashëgimi mbresëlënëse). Pra, nuk ishte një martesë e rregulluar. Ata me të vërtetë e donin njëri-tjetrin me pasion.
Në vitet 1635 - 1640. gruaja i lindi Rembrandt tre fëmijë, por të gjithë vdiqën si të porsalindur. Në 1641, Saskia lindi një djalë, i cili u quajt Titus. Fëmija mbijetoi, por, për fat të keq, vetë nëna vdiq në moshën 29-vjeçare.
Pas vdekjes së gruas së tij, Rembrandt nuk ishte vetvetja, nuk dinte çfarë të bënte dhe ngushëllohej në vizatim. Pikërisht në vitin kur i vdiq gruaja ai përfundoi pikturën “Night Watch”. Me Titus, babai i ri nuk mundi të përballonte dhe për këtë arsye punësoi një dado për fëmijën - Gertje Dirks, e cila u bë e dashura e tij. Kanë kaluar rreth 2 vjet, dhe dado në shtëpi ka ndryshuar. Ajo u bë një vajzë e re Hendrikje Stoffels. Çfarë ndodhi me Gertier Dirks? Ajo paditi Rembrandtin, duke besuar se ai shkeli kontratën e martesës, por ajo humbi argumentin dhe u dërgua në një shtëpi korrektimi, ku kaloi 5 vjet. E liruar, ajo vdiq një vit më vonë.
Dadoja e re Hendrikje Stoffels i lindi Rembrandt dy fëmijë. Fëmija i tyre i parë, një djalë, vdiq në foshnjëri dhe vajza e tyre Karnelia, e vetmja që jetoi më shumë se babai i saj.
Pak njerëz e dinë këtë Rembrandt kishte një koleksion shumë të veçantë, e cila përfshinte piktura të artistëve italianë, vizatime të ndryshme, gravura, buste të ndryshme e madje edhe armë.

Muzgu i jetës së Rembrandt

Gjërat po shkonin keq për Rembrandt. Nuk kishte para të mjaftueshme, numri i porosive u ul. Prandaj, artisti shiti një pjesë të koleksionit të tij, por as kjo nuk e shpëtoi. Ai ishte në prag të burgut, por gjykata ishte në favor të tij, ndaj u lejua të shiste të gjithë pasurinë e tij dhe të shlyente borxhet. Madje ai jetoi për disa kohë në një shtëpi që nuk i përkiste më.
Ndërkohë, Titus dhe nëna e tij organizuan një firmë që tregtonte objekte arti për të ndihmuar disi Rembrandt. Në të vërtetë, deri në fund të jetës së tij, artisti nuk pagoi kurrë shumë, por kjo nuk e prishi reputacionin e Rembrandt, ai mbeti një person i denjë në sytë e njerëzve.
Vdekja e Rembrandt ishte shumë e trishtuar. Në vitin 1663, i dashuri i artistit, Hendrikje, vdiq. Disa kohë më vonë, Rembrandt varrosi djalin e tij Titus dhe nusen e tij. Në vitin 1669, më 4 tetor, ai vetë u largua nga kjo botë, por la gjurmë përgjithmonë në zemrat e njerëzve që e duan.

Kthimi i djalit plangprishës, 1669. Vaj në pëlhurë, 262x206.

Ndoshta asnjë pikturë tjetër nga Rembrandt nuk frymëzon ndjenja kaq të larta si kjo foto. Historia është marrë nga Dhiata e Re. Jezusi tregon një shëmbëlltyrë për një djalë që merr pjesën e tij të pasurisë nga i ati dhe e shpërdoron atë në një vend të largët, duke jetuar i shthurur. Kur, pasi mori guximin, kthehet në shtëpi, babai i tij e fal menjëherë dhe e pranon me gëzim. Kuptimi fetar i shëmbëlltyrës është ky: pavarësisht se si një person mëkaton, pendimi gjithmonë do të shpërblehet me falje të gëzueshme. Këtu Rembrandt, me sa duket, mori përsipër të eksploronte kuptimin universal të shëmbëlltyrës. Flokët e shkurtra në kokën e djalit plangprishës dhe rrobat e shkreta flasin vetë, dhe jaka ruan një nuancë luksi të dikurshëm. Këpucët e konsumuara, ai i lëshoi ​​njërën, duke u gjunjëzuar para babait të tij. Babai e shtyp djalin në gjoks duke e falur. Është karakteristikë që Rembrandt shmang konfliktin e shëmbëlltyrës: flet për xhelozinë e një djali të bindur, megjithëse, ndoshta, ai qëndron në hije pas të atit.

Familja e shenjtë dhe engjëjt, 1645. Vaj në pëlhurë, 117x91.
Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

Kjo foto, e mbushur me butësi të mahnitshme, konfirmon dhuratën e Rembrandt për të përzier hyjnoren dhe tokësoren në atë masë sa nuk është më e mundur të vihet një vijë midis tyre. Nëna e Zotit e ndërpreu leximin për të rregulluar velin mbi Foshnjën, ose ndoshta për të mbuluar fytyrën e Tij nga drita e ndritshme, e krijuar për të theksuar madhështinë e Tij. E mbushur me butësi, Maria u përkul mbi Jezusin, me kujdes të vërtetë amnor, duke kontrolluar edhe një herë nëse gjithçka ishte në rregull me fëmijën. Foshnja fle i qetë në një djep thurje, pa vetëdije se çfarë po ndodh përreth. Në sfond, Jozefi, burri i Marisë, është zdrukthëtar. Nëna, fëmija, edhe djepi janë tipa thjesht holandezë të shekullit të 17-të. Mund të jetë, ndoshta, ndonjë familje e zakonshme, nëse jo për engjëjt-fëmijë që fluturojnë nga parajsa.

Kthimi i djalit plangprishës. Detaj, 1669.
Vaj në pëlhurë, 262x206. Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

Rrëmbimi i Ganymedit, 1635. Vaj në pëlhurë, 171x130.
Galeria e Arteve në Dresden, Dresden

Sofoniba merr një tas me helm, 1634.
Kanavacë, vaj, 142x152. Muzeu Prado, Madrid, Spanjë

Figura madhështore në këtë foto të kujton shumë Saskia, megjithëse historia e Sofoniba nuk i përshtatet aspak gruas së re. Sofoniba, vajza e komandantit kartagjenas Hasdrubal, jetoi në një kohë kur Kartagjena ishte në luftë me Romën. Për të siguruar një aleancë me numidianët, Hasdrubal i dha vajzën e tij mbretit Syphax, por ai u mund nga aleati romak Masinissa, i cili menjëherë donte të merrte mbretëreshën për grua. Kur romakët ia ndaluan këtë martesë, ai e shpëtoi Sofonibën nga poshtërimi i mëtejshëm duke i dërguar një filxhan me helm, të cilin mbretëresha e piu pa hezitim. Rembrandt mund të mos e ketë marrë seriozisht këtë përrallë romantike, por piktura përshkruan një moment vendimtar dhe një veprim të qëllimshëm, duke qenë në disa aspekte të krahasueshme me Bathsheba më të famshme dhe më pak teatrale.

Bathsheba, 1654. Vaj në pëlhurë, 142x142.
Louvre, Paris, Francë

Shkruar kur artisti ishte në kulmin e tij forcat krijuese. Shumë ekspertë besojnë se kjo pikturë është më e madhja nga të gjitha krijimet e Rembrandt. Është zakon të konsiderohet bukuroshja e përshkruar Bathsheba, të cilën mbreti David e pa dhe e dëshironte. Ajo iu dorëzua atij dhe u ngjiz. Komplikimet që pasuan kulmuan me vrasjen e burrit të Bathshebës, të cilin Davidi e dërgoi në vdekje të sigurt. Historia nuk është e këndshme dhe komentuesit i shpjeguan ndjenjat e Bathshebës në mënyra të ndryshme. Por, siç ndodh shpesh me pikturat e Rembrandt, ndoshta është gabim të hysh në hollësitë e interpretimit. Ndoshta mjafton të thuhet se Bathsheba reflekton me zi për fatin e saj. Përbërja përsërit kryesisht relievin e lashtë, i cili përshkruan një nuse duke u përgatitur për dasmën. Rembrandt pikturoi Bathsheba lakuriq dhe i dha fotos një emocionalitet të theksuar. Modelja për Bathsheba ishte ndoshta shoqja e Rembrandt, Hendrikje Stoffels.

Simeoni në tempull, 1669. Vaj në pëlhurë, 98x79.
Stokholm, Muzeu Kombëtar

Megjithëse kjo punë e porositur filloi në 1661, ajo qëndroi e papërfunduar në studion e Rembrandt deri në vdekjen e tij në 1669. Fotografia është shkruar në komplotin e një profecie të përmbushur. Plakut Simeon u paratha se ai “nuk do të shihte vdekjen derisa të shihte Krishtin. e Zotit." Dhe më në fund e takoi kur Maria dhe Jozefi e sollën Jezusin në tempull. Rembrandt kishte krijuar tashmë një version të mrekullueshëm të bërë me porosi për këtë temë (1631). Atje, veprimi zhvillohet nën qemerët e lartë të tempullit dhe vetë puna kryhet në një mënyrë të detajuar karakteristike për periudhën e rinisë, suksesit dhe lavdisë. Këtu vërehet veçanërisht mënyra e lirë e të shkruarit në vitet e fundit, sepse puna nuk ka përfunduar, megjithëse kjo nuk është shumë domethënëse: gjithçka është e përqendruar në momentin kur plaku gjysmë i verbër shtrëngon Foshnjën e mbështjellë në krahë - një skenë plot e butësisë së pafund.

David dhe Uriah, 1665. Vaj në pëlhurë, 127x117.
Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

As data e shkrimit dhe as komploti i kësaj tabloje të bukur, të mbushur me humor, nuk dihen saktësisht, gjë që u bë shkak për supozime të ndryshme. Sipas një versioni, kjo vepër lidhet me "Artakserksin, Hamanin dhe Esterin". Besohet se kjo përshkruan largimin e Hamanit nga biznesi, ose momentin kur ai merr lejen nga mbreti për të shfarosur të gjithë hebrenjtë. Ky argument mbështetet nga dëshmi se të dyja pikturat janë skena nga një shfaqje e vënë në skenë në vitin 1659 dhe nuk bazohen drejtpërdrejt në një burim biblik. Sigurisht që ka diçka teatrale në të, por përveç mospërputhjeve në detaje, komplotet e supozuara nuk përputhen me gjendjen shpirtërore të trishtimit themelor që frymëzon piktura. Prandaj, është legjitime të ktheheni në versionin e vjetër. Në këtë rast, figura me të kuqe është bashkëshorti i të joshurit Bathsheba Uriah, të cilin Davidi, i shqetësuar nga pendimi, e dërgon në vdekje të sigurt.

Zbritja nga kryqi. 1634. Vaj mbi pëlhurë, 158x117.
Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

Zbritja nga Kryqi është një temë e zakonshme në pikturën evropiane. Sipas traditës, Nëna e Zotit, disa dishepuj të Jezusit dhe Jozefit nga Arimatea janë paraqitur midis të pranishmëve. Në vitet 1930, Rembrandt pikturoi një sërë pikturash me temën e Pasionit të Zotit, duke përfshirë "Eksaltimi i Kryqit" dhe "Zbritja nga Kryqi" për Stadtholderin e Holandës Frederik Hendrik. Dimensionet e kësaj fotografie janë më të mëdha, tonet janë më të pasura. Ai u shkrua disa muaj më vonë dhe u mbajt nga vetë artisti deri në vitin 1656, kur falimentoi. Figura e thyer e Krishtit është përmbytur me dritë të ndritshme, Nëna e Zotit humbi ndjenjat e saj, qefinet luksoze janë shtrirë në tokë, në të cilat Ai do të shtrihet derisa të ngrihet.

Sakrifica e Abrahamit, 1635.
Kanavacë, vaj, 193x133. Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

Ky është një nga momentet më dramatike në Dhiatën e Vjetër. Abrahami, me urdhër nga lart, është gati të ofrojë birin e tij të vetëm Isakun si flijim për Perëndinë dhe tashmë ka ngritur një thikë mbi të, të lidhur, për ta goditur me thikë për një olokaust. Në foto, Isaku shtrihet në altar mbi dru zjarri. Në Shkrimin e Shenjtë, engjëlli i Zotit i thërret Abrahamit, i cili e ka kaluar provën e bindjes ndaj Zotit, dhe i thotë të ndalojë. Rembrandt rrit dramën e asaj që po ndodh: në foto, një engjëll kapi Abrahamin nga furça dhe thika bie. Skena fiton në bindje edhe sepse pëllëmba e madhe e Abrahamit mbuloi fytyrën e djalit të tij, koka e Isakut është hedhur prapa dhe duket se një thikë do t'i shpojë fytin. Një version tjetër i kësaj historie mbahet në Mynih, por mund të jetë vetëm pjesërisht nga Rembrandt.

Festa e Belshazarit. 1635. Vaj në pëlhurë, 168x209.
Galeria Kombëtare e Londrës

Kanavacat e mëdha me efekte teatrale ishin të njohura në Holandë gjatë jetës së Rembrandt. Festa e Belshazarit tregon se sa me mjeshtëri i trajtoi artisti tema të tilla. Mbreti babilonas Belshazar përshkruhet në librin e profetit Daniel në Dhiatën e Vjetër. Në një festë të mbushur me njerëz, ai urdhëroi të sillnin enët prej ari dhe argjendi, të cilat i ati i tij Nebukadnetsari i mori nga shenjtërorja e tempullit të Jeruzalemit. Mbreti urdhëroi të mbusheshin enët me verë për fisnikët, gratë dhe konkubinat e tij. Kur kjo blasfemi u realizua, papritur u shfaq një dorë misterioze e cila shkroi në mur fjalë të çuditshme: “Unë, mene, tekel, uparsin”. Danieli i tha mbretit se kishin për qëllim dënimin e tij; Parashikimi u bë i vërtetë po atë natë. Piktura e Rembrandt eksploron habinë dhe frikën, të përforcuar nga vera që derdhet nga enët e shenjta, e cila është gjithashtu simbolike. Mbishkrimi i bërë në hebraisht është befasues, rregullimi i veçantë i shkronjave të të cilit të bën të kujtosh fqinjin e Rembrandt, hebreun Manasseh ben Israel, me të cilin, siç dihet, artisti mbante marrëdhënie.

Susanna dhe pleqtë, 1647. Sofër, vaj, 77x93.
Muzeu Staatlich, Berlin, Gjermani

Historia e Suzanës shkon prapa tek Apokrifa, një trup shkrimi biblik, autenticiteti i të cilit është vënë në pikëpyetje prej kohësh. Megjithatë, kjo nuk i pengoi artistët - katolikë dhe protestantë - të krijonin piktura mbi këtë temë, plot dramë dhe hijeshi erotike. Kur Suzana shkon në pishinën në kopshtin e saj, dy pleq dalin nga streha dhe fillojnë ta bindin atë të mëkatojë, duke e kërcënuar se nëse nuk e ndan shtratin me ta, ata do të japin dëshmi të rreme se ajo ka kryer tradhti bashkëshortore me një person tjetër. Suzana nuk pranon dhe pleqtë urdhërojnë që ajo të merret në paraburgim, por ndërhyrja e profetit Daniel e shpëton bukurinë e virtytshme. Rembrandt e filloi këtë pikturë në mesin e viteve '30, por ajo u shit vetëm në 1647. Susanna, duke u përpjekur kot të mbulojë lakuriqësinë e saj, është më shumë e zemëruar sesa e frikësuar, por plaku, duke hequr vellon prej saj, është i mrekullueshëm në saktësinë e vëzhgimit. Sandalet e hedhura në breg, me sa duket, ishin simbole elokuente erotike në artin holandez të shekullit të 17-të.

Shën Mateu dhe Engjëlli, 1661.
Vaj në pëlhurë, 96x81. Muzeu i Luvrit, Paris

Një nga një seri portretesh të apostujve, pikturuar në fillim të viteve '60. Ndryshe nga portretet e tjera me një figurë, këtu përshkruhet një engjëll pas apostullit, duke frymëzuar Mateun të shkruante Ungjillin. Engjëlli të kujton shumë Titin, i cili fare mirë mund të ishte një model për të, por apostulli duket se nuk është Rembrandt në dukje. Përveç kuptimit fetar, fotografia përcjell në mënyrë të jashtëzakonshme kontrastin midis rinisë dhe pleqërisë, megjithëse rolet janë të kundërta në dizajn. Një i ri engjëllor, i qetë, i sigurt në vetvete, ngushëllon Mateun, duke i vënë dorën mbi supin e plakut. Shën Mateu ka humbur në mendime, dora e tij me venat e fryra i tërheq mjekrën. Libri vështirë se është një riprodhim i saktë i një dorëshkrimi të lashtë, por i shkruar me mjeshtëri.

Kryeengjëlli duke lënë familjen e Tobias, 1637.
Dru, vaj, 66x52. Muzeu i Luvrit, Paris

Krishti dhe gruaja e kapur në tradhti bashkëshortore, 1644.
Dru, vaj, 84x66. Galeria Kombëtare e Londrës

Kjo vepër spektakolare të jep përshtypjen e një peizazhi dhe mund të jetë shkruar me kërkesë të një klienti të pasur. Grupi qendror është përshkruar me plotësi të përsosur, në mënyrë të detajuar, nga e cila Rembrandt largohet gradualisht në vitet '40. Dekorimi i pasur me ngjyrë të kuqe dhe ari të kujton një pallat barok me shkëlqimin e tij, megjithëse në realitet përshkruhet tempulli i Jeruzalemit. Skribët dhe farisenjtë i sollën Jezusit një grua të kapur në tradhti bashkëshortore. Duke shpresuar ta kapnin Jezusin në kurth, ata pyetën nëse ajo duhej të vritej me gurë, siç përshkruhet në ligjin e Moisiut. Jezusi u përgjigj: "Kush nga ju është pa mëkat, le të jetë i pari që do t'i hedhë gurin". Akuzuesit e turpëruar u tërhoqën dhe Jezusi i tha gruas të shkonte dhe të mos mëkatonte më. Fotografia është ndërtuar mbi kontraste dramatike: Jezusi dhe dishepujt e tij të veshur me rroba të thjeshta kafe, një mëkatar simpatik i turpëruar, skribë dhe farisenj me rroba luksoze.

Samson dhe Delilah, 1628. Lis, vaj, 61x50.
Muzeu Staatlich, Berlin

Krishti në Emaus, 1648.
Kanavacë, vaj, 42x60. Muzeu i Luvrit, Paris

Një nga temat e preferuara të Rembrandt, bazuar në një episod nga Ungjilli i Lukës. Pasi Jezusi u kryqëzua, dy nga dishepujt e tij ishin rrugës për në Emaus, një fshat afër Jeruzalemit. Një i huaj iu afrua atyre, shkoi me ta, i shpjegoi Shkrimet gjatë gjithë rrugës dhe ndau një vakt me ta në shtëpinë ku arritën. Kur e theu bukën dhe ua dha atyre, sytë e tyre u hapën dhe e njohën Jezusin e ringjallur prej së vdekurish, por Ai u bë menjëherë i padukshëm për ta. Në një version të hershëm të kësaj pikture (rreth 1629), Rembrandt përshkroi momentin e zbulesës në mënyrë dramatike: siluetën e Jezusit dhe të dishepujve, sikur të ishte goditur nga rrufeja. Këtu theksohet natyrshmëria, humanizmi i asaj që po ndodh: vetëm një aureolë e zbehtë mbi kokën e Jezusit dhe një vështrim entuziast, me shikim lart, tregojnë hyjninë e Tij, të cilën, padyshim, shërbëtori djali nuk e vëren.

Unbelief of the Apostle Thomas, 1634. Vaj mbi dru, 53x51.
Muzeu i Arteve të Bukura Pushkin, Moskë

Shën Thomai, një nga dymbëdhjetë dishepujt e Krishtit, përmendet disa herë në Dhiatën e Re. Rembrandt përshkroi një episod të famshëm nga Ungjilli i Gjonit. Pasi u zbrit nga kryqi, Jezusi, duke iu shfaqur dishepujve, u tregon plagët e tij. Thomai nuk ishte aty dhe kur dishepujt e tjerë i treguan atë që panë, Thomai nuk pranoi t'u besonte, duke thënë: "Nëse nuk i shoh plagët e tij nga thonjtë në duart e tij dhe nuk e fus gishtin tim në plagët e thonjve dhe nuk e fus dorën time. brinjët e tij, nuk do t'i besoj." Tetë ditë më vonë, sipas Gjonit, Jezusi iu shfaq përsëri dishepujve dhe i tha Tomës që t'i prekte plagët. Thomai i shkurajuar njohu te Jezusi Zotin Perëndi. Rembrandt përshkroi një skenë nate: rrezatimi që buron nga Jezusi duket të jetë i vetmi burim drite nga i cili Tomai besimtar largohet në siklet.

Moisiu me Tabelat e Ligjeve, 1659.
Vaj në pëlhurë, 169x137. Muzeu Staatlich, Berlin

Ligjvënësi Moisiu sapo kishte zbritur nga mali Sinai me dy pllaka guri, "mbi të cilat ishin shkruar me gishtin e Perëndisë" Dhjetë Urdhërimet. Kjo është pa dyshim një ngjarje solemne, por është e vështirë të sigurohet nëse paraqet një moment triumfi apo zemërimi, kur Moisiu, duke parë se bijtë e Izraelit po adhuronin viçin e artë, i hodhi pllakat nga duart e tij dhe i shtypi ato. Mali. Kjo pikturë mund të jetë porositur për kreun e ndonjë reparti dhe synonte të dekoronte oxhakun në Bashkinë e Amsterdamit.

Jozefi, i cili kapi gruan e Potifarit, 1655. Vaj mbi pëlhurë, 106x98.
Galeria Kombëtare e Arteve, Uashington

Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Portret i një plaku në të kuqe, 1654.
Vaj në pëlhurë, 108x86. Hermitage, Shën Petersburg

Portreti i Saskias si Flora, 1634. Vaj në pëlhurë, 125x101. Hermitage, Shën Petersburg

Ky portret simpatik i të resë Saskia u pikturua vitin që ajo u martua me Rembrandt. Fytyra e menduar, por padyshim e lumtur e vajzës është mjaft në përputhje me ndjenjat e nuses. Veshja e kokës dhe stafi i ndërthurur me lule sigurisht që tregojnë për Florën, perëndeshën e lashtë romake të pranverës. Veshja e perëndeshës është shkruar me mjeshtëri mahnitëse, por madhështia e vërtetë e talentit të Rembrandt manifestohet në shprehjen e butësisë që artisti i dha fytyrës së saj. Një vit më vonë, ai pikturoi përsëri Saskia si Flora - gjithashtu një vepër e famshme, megjithëse rrezet x treguan se në fillim ai synonte ta përshkruante atë si Judith biblike me kokën e prerë të Holofernes, të cilën ajo e mban në prehër.

Portret i një gruaje të moshuar, 1654. Vaj në pëlhurë, 109x84. Hermitage, Shën Petersburg

Portreti i Jan Six, 1654. Vaj në pëlhurë, 112x102. Amsterdam, Koleksioni i Gjashtë

Ndoshta më i miri nga portretet e Rembrandt. Kombinon në mënyrë të përkryer saktësinë dhe depërtimin. Disa detaje të portretit janë shkruar me kujdes, ndërsa të tjerët tregohen me guxim, sikur kalimthi. Vlen të përmenden kopsat e kaftanit dhe qëndisja prej ari në mantelin luksoz të kuq, por syri ndalon padashur te duart e lyera me goditje të fuqishme; Sixx ngadalë tërheq dorezën - sa lëvizje i sjell artisti kësaj! Fytyra gjithashtu tërheq vëmendjen, veçanërisht pamja e zhytur në vetvete, e cila nuk korrespondon plotësisht me pamjen laike të Six. Klienti e përmendi këtë portret në ditarin e tij: "Unë kisha një fytyrë të tillë, Jan Six, i cili që nga fëmijëria adhuronte muzat". Gjashtë shkroi poezi dhe mblidhte art, por ai ishte gjithashtu një tregtar i pasur dhe fitimprurës. Deri në mesin e viteve 1950, Rembrandt kreu shumë porosi për të.

Nusja çifute, 1665. Vaj në pëlhurë, 122x164. Muzeu Rix, Amsterdam

Emri i zakonshëm "Nusja çifute" bazohet në një interpretim të vjetër, tashmë të hedhur poshtë, që u shfaq në shekullin e 19-të. Mund të thuhet pothuajse me siguri se gruaja nuk është aspak nuse apo çifute, përveç se ajo është përshkruar në një stil imagjinar, pseudobiblik karakteristik për pikturat historike të Rembrandt. Artisti mbajti marrëdhënie me komunitetin hebre të Amsterdamit, shpesh pikturonte portrete hebrenjsh, gjë që i bëri studiuesit të bënin një sërë supozimesh të pabaza. Versionet e mëposhtme janë tani të njohura (gjithsej ishin rreth 12): ne kemi para nesh një skenë teatrale ose një episod nga Bibla, dhe komploti është si më poshtë: Isaku, duke jetuar me filistinët, e quan gruan e tij Rebekën, motrën e tij. publike dhe guxon ta përqafojë vetëm në momentet e vetmisë. Ajo që është me të vërtetë e rëndësishme: këto të dyja janë të lidhura nga dashuria e thellë. Piktura është një nga kryeveprat e periudhës së vonë Rembrandt, e cila karakterizohet nga tonet e kuqe dhe kafe të artë. Rrobat në disa vende shkruhen me goditje të shpejta, tonet arrijnë një ngopje ndriçuese, çuditërisht me ngjyra të ngrohta dhe në të njëjtën kohë jo vetëmjaftuese, gjë që vetëm sa rrit emocionalitetin e skenës.

Night Watch, 1642. Vaj në pëlhurë, 363x437. Muzeu Rix, Amsterdam

Kjo, piktura më e famshme e Rembrandt në dy shekujt e fundit, njihet si Night Watch. Analiza moderne e shtresave të bojës zbuloi se fillimisht ishte një skenë e ditës, por emri ishte bërë tashmë i njohur dhe nuk mund të ndryshohej. Në foto, reparti i gjuajtësve vendas drejtohet nga kapiteni Frans Banning Cock (me rroba të zeza). Disa dekada më parë, rojet e pushkëve përbënin një skuadër të konsiderueshme vullnetarësh që ndihmuan në mbrojtjen e vendit nga kërcënimi i pushtimit spanjoll, por në vitet '40, shumë gjëra kishin ndryshuar: tani banorë të pasur të respektuar të qytetit u bashkuan në shoqëritë e pushkatimit. Artisti futi një element heroizmi në të përshkruar, sikur të ringjallte patriotizmin e dikurshëm. Përcillet atmosfera e procesioneve të tilla me flamuj të valëvitur, daulle, musketa ngarkuese. "Night Watch" - një portret grupi që u pagua nga të gjitha shigjetat e paraqitura, por Rembrandt e ndryshoi atë: ai prezantoi vëzhgues të rastësishëm që nuk i paguanin asgjë; si rezultat, portreti u kthye në një skenë shumëngjyrëshe të një grumbullimi rrugësh të mbushur me njerëz me lëvizje konfuze dhe ndriçim të veçantë.Piktura është e prerë nga anët, veçanërisht në të majtë, gjë që e shqetëson disi kompozimin.

Portret familjar, 1666-68. Vaj mbi pëlhurë, 126x167. Ulrich-Museum Duka Anton, Braunschweig

Portret i sindikëve të dyqanit të pëlhurave, 1662. Vaj në pëlhurë, 192x279. Muzeu Rix, Amsterdam

Fotoja njihet me emrat: “Sindiki”, “Pleqtë e rrobaqepës”; të dyja nuk janë plotësisht të sakta dhe janë të lidhura me një institucion të bashkangjitur në repartin e draperëve, i krijuar për të marrë mostra pëlhurash dhe për të kontrolluar cilësinë e tyre. Ky është portreti i fundit në grup i krijuar nga Rembrandt. Një humor i veçantë, i theksuar arrihet nga fakti që zyrtarët na shikojnë drejtpërdrejt nga lart, dhe shikuesit i vjen ndjenja se ai do të merret në pyetje dhe akuzohet për diçka. Në fakt, kjo pikë e favorshme është miratuar ndoshta nga vetë klienti, pasi piktura supozohej të varej sipër oxhakut në godinën kryesore të esnafit, në një rresht me portrete grupi të mëparshëm. Tradicionalisht, ata përshkruanin pesë zyrtarë të ulur dhe një shërbëtor që qëndronte pas. Rembrandt ringjalli përbërjen duke ndryshuar traditat: një zyrtar ngrihet nga vendi i tij, sikur të jepte një shenjë se takimi ka përfunduar.

Autoportret me Saskia në gjunjë, 1635.
Vaj në pëlhurë, 161x131. Galeria e Dresdenit

Një zotëri i gëzuar me një vajzë në gjunjë mban një gotë në dorë. Byrek me pallua në tryezën festive. Festat u ulën me shpinë nga publiku, tani ata kthenin fytyrën për të pirë shëndetin tonë. Çuditërisht, shumë pak dihet me siguri për këtë punë. Është e pamohueshme, në veçanti, autorësia e Rembrandt, ka dëshmi se ai e ka mbajtur me vete, duke mos dashur ta shesë, sepse, ndoshta, piktura ishte e dashur për të. Ajo është quajtur shpesh si "Autoportret me Saskia në gjunjë". Ndoshta çifti organizoi një maskaradë për argëtim, duke ndjekur modën e skenave nga jeta e gjykatës, ose ndoshta duke lavdëruar pasurinë e tyre. Sidoqoftë, ekziston një version tjetër: fotografia supozohet se përshkruan një djalë plangprishës që shpërdoron një trashëgimi. Në këtë rast, duke parë skenën gazmore, vështirë se mund ta marrim me mend se si do të përfundojë kjo histori (shiko foton e Kthimit të Birit Plangprishës)

Portreti i Nicholas Van Bambeck. 1641.
Vaj në pëlhurë, 106x84. Muzeu Mbretëror i Arteve të Bukura, Bruksel

Nicholas Van Bambek ishte vetë një artist, por, siç u ankua një nga miqtë e tij, një trashëgimi e pasur ia mposhti ambicien dhe në fund ai nuk i përmbushi pritjet. Megjithatë, Nicholas e mbrojti Rembrandtin, bleu prej tij The Learned Dispute dhe pagoi për të pozuar për portretin e tij. Van Bambeck dhe miku i tij Maurits Heygens, Sekretar i Këshillit të Shtetit, me sa duket i porositën portretet e tyre nga Rembrandt në Hagë. Miqtë vendosën: nëse njëri prej tyre vdes, portreti i tij duhet t'i shkojë të mbijetuarit, dhe në 1641, pas vdekjes së Bambekut, Haygens e mori pikturën me testament. Në portretin, i mbushur me mirësi dhe simpati, de Gein duket si një njeri i sigurt, krenar. Drita e butë e shpërndarë thekson në mënyrë të favorshme figurën e tij dhe strukturën e jakës së bardhë dhe mëngëve të veshjes. Megjithatë, mbrojtësi tjetër i Rembrandt, vëllai i Maurits, Constantine Huygens, shkroi të paktën tetë rreshta poezi në të cilat ai u ankua se portreti nuk kishte asnjë lidhje me origjinalin.

Frederick Richel mbi kalë, 1663.
Vaj në pëlhurë, 282x248. Galeria Kombëtare e Londrës

Gruaja e banjës, 1654. Vaj mbi dru, 62x47.
Galeria Kombëtare, Londër

Padashur kërkohet krahasimi me "Bathsheba", i cili është shkruar në të njëjtën kohë dhe pothuajse me siguri përshkruan të njëjtin model - Hendrikje Stoffels. Shoqërimet me larjen ngjallin edhe "Susanna", por kjo lloj lidhjeje mund të nënkuptojë vetëm se Rembrandt kishte një predikim për tema të tilla dhe gjeti në to një pretekst për të shprehur erotizmin. Edhe pse ajo e përshkruar mund të quhet edhe një personazh historik biblik, ajo sigurisht nuk është nga një klasë e thjeshtë, duke gjykuar nga veshja luksoze e shtrirë në breg. Me sa duket, kjo është një skicë. Është shkruar me goditje të nxituara, sipërfaqësore, të cilat dallohen edhe në imazhin e këmbëve, por mbi të gjitha këmishës. Megjithatë, Rembrandt duhet të ketë qenë krenar për këtë vepër, pasi ajo është e nënshkruar dhe e datës.

Hendrikje Stoffels në dritare, 1656.
Vaj në pëlhurë, 86x65. Muzeu Staatlich, Berlin

I moshuar me kapele lesh, 1630. Vaj mbi dru, 22x18.
Muzeu Kombëtar i Tirolit Ferdinandeum, Innsbruck

Portreti i një Saskia të ri, 1633.
Lisi, vaj, 53x45. Galeria Kombëtare e Dresdenit

Duke lexuar Titus, djali i artistit, 1657.
Vaj në pëlhurë, 71x64. Kunstkamera historike, Vjenë

Titus, i lindur në 1641, është fëmija i vetëm i Rembrandt dhe Saskia që nuk vdiqën në foshnjëri. Këtu ai nuk është më shumë se pesëmbëdhjetë vjeç; të gjitha portretet e Rembrandtit të djalit të tij, të mbushura me dashuri të butë, tregojnë për prirjen e dashur dhe të butë të djalit. Titus luajti një rol të rëndësishëm në jetën e artistit, duke qenë trashëgimtari i pasurisë Saskia, të cilën Rembrandt e hoqi vetëm përkohësisht, si dhe avokati i babait të tij. Në 1660, Titus dhe Hendrickier krijuan një kompani në të cilën Rembrandt ishte i listuar. Kjo u bë për të siguruar që të ardhurat e artistit të mos bien në duart e kreditorëve. Pas vdekjes së Hendrickje, Titus vazhdoi të menaxhonte punët e babait të tij. Në vitin 1665, ai erdhi në moshë dhe nëse, sipas ligjit, ai filloi të menaxhonte paratë e Saskia, atëherë, pa dyshim, ai ishte një mbështetje financiare në familje. Në shkurt 1668, Titus u martua, por vdiq shtatë muaj më vonë në moshën njëzet e gjashtë vjeç.

Portreti i Titit, djalit të Rembrandt, 1657.
Vaj në pëlhurë, 69x57. Londër, Koleksioni Wallace

Aristoteli me një bust të Homerit, 1653.
Vaj në pëlhurë, 144x137. Muzeu Metropolitan, Nju Jork

Njeriu me helmetë të artë, 1650.
Vaj në pëlhurë, 68x51. Muzeu Staatlich, Berlin

Nuk ka asgjë për të thënë për këtë ushtarak, megjithatë, fotografia ka qenë gjithmonë e njohur. Ajo që shpjegon pjesërisht sharmin e saj është kontrasti i parzmores së lëmuar të kurasë, helmeta e mjeshtërisë madhështore (sigurisht ceremoniale, jo luftarake) dhe shprehja e zymtë melankolike në fytyrën e saj. Një kontrast i tillë është i zakonshëm në autoportretet e Rembrandt; ndoshta kjo është arsyeja pse ata filluan të besojnë se vëllai i artistit është përshkruar këtu. Në fakt, shumë autoritete refuzuan të pranonin autorësinë e Rembrandt; dyshimet e tyre u konfirmuan nga kërkimet në kuadër të Programit Kërkimor Rembrandt, i cili u financua nga qeveria e Holandës. “Plaku me helmetë” është vetëm një nga “viktimat” e Programit, i cili u atribuoi shumë vepra studentëve dhe ndjekësve të Rembrandtit.

Vetëvrasja e Lucretia, 1666. Vaj në pëlhurë, 105x93.
Instituti i Arteve, Minneapolis

Vetëvrasja e Lucretia përmendet në legjendën e lashtë romake për arsyet e rënies së monarkisë dhe krijimin e republikës. E çnderuar nga djali i perandorit romak Tarquinia, Lucretia i tregon të shoqit për turpin e saj. Thirret për hakmarrje dhe më pas vendos duart mbi veten e tij. Ky komplot u përdor shpesh nga artistë dhe shkrimtarë. Në fund të shekullit të 16-të, para se të bëhej i famshëm në teatër, Shekspiri shkroi një poemë të gjatë "Aucrecia e çnderuar". Rembrandt zotëron dy piktura mbi këtë temë. Early (1664) Lucretia mban një thikë, duke u përgatitur për të vdekur. Këtu ajo tashmë i ka shkaktuar vetes një plagë vdekjeprurëse, siç duket nga njolla e gjakut që përhapet në një këmishë të hollë. Ajo ende e mban veten drejt, për një moment duke kapur, duke kërkuar mbështetje, shiritin e ziles - një gjetje e dobishme që i lejon modeles të mbajë dorën e saj në një pozicion të ngritur për një kohë të gjatë, por zbehja vdekjeprurëse e fytyrës së saj tregon se fundi është afër.

Portreti i Hendrickje Stofells, 1659.
Vaj në pëlhurë, 68x80. Galeria Kombëtare e Londrës

Mësues, 1631. Vaj në pëlhurë, 105x91.
Hermitage, Shën Petersburg

Kalorësi polak, 1655.
Kanavacë, vaj, 115x135. Koleksioni Frick, Nju Jork

Figura misterioze, romantike e një kalorësi të ri ka shkaktuar më shumë polemika se çdo pikturë tjetër e Rembrandt, autorësia e diskutueshme e të cilit është vetëm një nga errësirat që lidhen me këtë vepër. Kapela e zbukuruar me lesh dhe kaftani duken evropiano-lindore, por ndoshta ky është vetëm një tjetër digresion në maskaradë teatrale. Nëse po, atëherë fotografia lidhet me Poloninë jo sipas komplotit, por vetëm sepse u ble më pas nga polakët. Nga ana tjetër, një fakt intrigues është se në vitin 1654 një broshurë e quajtur "Kalorësi polak" u shtyp në Amsterdam në mbrojtje të sektit radikal të Socinians. Ka shumë prova që Rembrandt ndonjëherë e simpatizonte sektarizmin. Një tjetër mister: një përshkrim shumë jo bindës i një kali. Mund të zgjidhet duke i atribuar autorësinë e pikturës një studenti të Rembrandt, si William Drost. Kështu vendosi Komisioni i Programit, por hulumtimi i tij tërhoqi kritika dhe në vitin 1993 Programi pushoi së funksionuari.

Mësimi i Anatomisë nga Dr. Nicholas Tulp, 1632.
Vaj në pëlhurë, 170x217. Shtëpia Maurits, Hagë

Rembrandt këtë pikturë, bazuar në një leksion që ai mbajti në janar 1632 viti dr Nikolla Tulipan. Edhe pse artisti ishte transferuar në Amsterdam vetëm pak më parë, ai e kishte dëshmuar tashmë veten të aftë për të bërë një punë të shkëlqyeshme, pikturoi disa portrete madhështore, pas së cilës iu ngarkua "Mësimi i Anatomisë". Ndoshta rolin vendimtar e luajti patronazhi i Hendrick van Uylenbürch, me të cilin Rembrandt banoi. Eilenbürch më parë kishte tregtuar me sukses pikturat, duke mbrojtur dhe krijuar një emër për artistët e rinj. Rembrandt u bë mbrojtësi i tij i fundit. Shkolla holandeze ishte e famshme për portretet në grup dhe kjo ishte menduar si dhuratë për doktor Tulipin dhe kolegët e tij prisnin të shfaqeshin në foto në dritën më të favorshme. Piktori e përballoi këtë detyrë me shkëlqim: ai përcolli individualitetin e secilit dhe kombinoi përbërjen: Tulipi jep një leksion, dhe publiku shikon me interes profesional kufomën e një krimineli të ekzekutuar. Falë Mësimit të Anatomisë, Rembrandt fitoi menjëherë famë.

Portreti i Saskia me një fustan të mrekullueshëm, 1642.
Vaj në pëlhurë, 100x79. Kassel, Muzeu Staatlich

Autoportreti i Rembrandt, 1661. Vaj në pëlhurë, 114x91.
Kenwood House, Londër, Trashëgimia Angleze

Rembrandt e bëri rregull të pikturonte autoportrete, por rrallë e portretizonte veten në punë. Në fakt, ky është i dyti nga një seri autoportretesh ku ai shfaqet me një kavalet, penela dhe një vegël topuz të përdorur nga piktorët si mbështetje për dorën. Drita në sfond është një teknikë e pazakontë e nevojshme që shikuesi të shohë linjat e lakuara në mur pas personit që portretizohet. Për këtë janë ofruar shumë shpjegime; Një version është i popullarizuar sot: këto rreshta janë një lidhje me punën e artistëve të tillë legjendar si Apelles dhe Giotto, të cilët demonstruan aftësitë e tyre duke vizatuar një vijë ose rreth jashtëzakonisht të saktë. Nëse ky shpjegim është i saktë, autoportreti pohon të drejtën e artistit për t'u konsideruar një mjeshtër i vërtetë i kohës së tij.

Autoportret i artistit në kavalet, 1660.
Vaj në pëlhurë, 111x90. Louvre, Paris, Francë

Autoportreti i Rembrandt, 1659. Vaj në pëlhurë, 85x66.
Galeria Kombëtare e Arteve, Uashington, SHBA

Autoportreti i Rembrandt, 1669. Vaj në pëlhurë, 86x71.
Galeria Kombëtare Londër, MB

Ashtu si autoportreti si Zeukis, edhe ky është pikturuar në vitin e fundit të jetës së tij. Vërtetë, këtë herë nuk ka fare humor të zi, nuk ka aludime të hapura për afrimin e vdekjes. Në asnjë autoportret Rembrandt nuk duket kaq i nënshtruar ndaj fatit. Një artist i moshuar, i veshur me një fustan të thjeshtë, duke shtrënguar duart, na shikon, duke mos kërkuar asgjë, duke mos u ankuar për asgjë. Me sa duket, nuk dihet kurrë nëse ishte vdekja e Titit në shtator 1668 që përshpejtoi fundin e tij. Në çdo rast, trembëdhjetë muaj më vonë, më 4 tetor 1669, ai vdiq në shtëpinë e tij në Rosengracht dhe ishte vetëm 63 vjeç. Katër ditë më vonë ai u varros në varrezat e Amsterdamit në Westerkerk. Varri i Rembrandt ka humbur, por vepra e tij do të jetojë për shekuj.

Autoportret si Zeuxis, 1665. Vaj në pëlhurë, 83x65.
Muzeu Walfraf Richhartz, Këln, Gjermani

Rembrandt e pikturoi veten nga këndvështrime të ndryshme, në të gjitha llojet e maskave. Ndonjëherë ai e vlerësonte veten me një vështrim të matur, duke vënë re shenjat e pleqërisë në një fytyrë të kaltër e të zbehtë, por shpesh i pëlqente të shfaqej në imazhe të ndryshme: vishej si një luftëtar me forca të blinduara, pastaj si një mbret imponues, pastaj si apostull Pal. Këtu mund të shihni veçoritë e të dy stileve. Përshkruhet një plak i brishtë, koha ia ka shpërfytyruar fytyrën pothuajse në mënyrë të panjohur, shumë më tepër sesa në një autoportret të të njëjtit vit. Mesa duket ai është në prag të vdekjes. Por mos harroni se ky është edhe një portret i Zeuxis, një artisti i lashtë grek. Ai, siç e dini, pikturoi një plakë me fytyrë të rrudhosur dhe imazhi i saj e argëtoi aq shumë sa qeshi pa pushim derisa vdiq. Elementi lidhës këtu, natyrisht, është vdekja dhe nëse ky autoportret është një shaka, atëherë është plot humor të zi.

Autoportret, 1629. Vaj mbi dru, 16x13.
Pinakothek Alta, Mynih

Autoportret, 1659. Vaj në pëlhurë, 85x66.
Uashington, Galeria Kombëtare e Arteve

Autoportret. 1658. Vaj mbi pëlhurë, 134x104.
Koleksioni Frick, Nju Jork

Autoportret në një beretë kadifeje, 1634.
Vaj në pëlhurë, 58x48. Muzeu Staatlich, Berlin. Gjermania

Deri në vitin 1634, Rembrandt kishte pikturuar tashmë disa autoportrete, dhe shumë të tjerë do të krijoheshin. Asnjë artist nuk e ka studiuar veten kaq kërkues gjatë gjithë jetës së tij, duke reflektuar mbi pleqërinë, përvojën e grumbulluar, sukseset dhe dështimet. Këtu theksi duket se është te suksesi. E veshur me kadife të zezë dhe peliçe të shtrenjta, artistja e re e modës shikon me besim shikuesin. Megjithatë, ky nuk është një lavdërim i pasurisë dhe vetëkënaqësisë. Vështrimi i Rembrandt tashmë po përpiqet të kuptojë misterin e qenies. Artisti njëzet e tetë vjeçar është padyshim i njëjti person si mjeshtri pesëdhjetë e pesë vjeçar që shikon me një sfidë, si dhe plaku gjashtëdhjetë e tre vjeçar që ka përjetuar pikëllime dhe vështirësi, në këmbë. në prag të vdekjes (Autoportret me petkun e Zeukis). Lidhja shpirtërore e autoportreteve është veçanërisht mbresëlënëse nëse kujtojmë se këtu Rembrandt nuk e ka arritur ende kulmin e suksesit dhe sapo është gati të martohet, duke mos kuptuar se çfarë sprovash i pret në të ardhmen.

Pikturat e të cilave mund të shihen në shumë muze në mbarë botën, sot janë të njohura për çdo person në Tokë. Frika dhe gëzimi, habia dhe indinjata pasqyrohen në veprat e tij aq natyrshëm sa është e pamundur të mos i besosh. Popullariteti i çmendur, fati tragjik dhe rënia e trishtuar e jetës mbeten ende një arsye për thashetheme dhe arsyetime filozofike.

Rinia

Artisti Rembrandt lindi në familjen e një bukëpjekësi në 1606 në qytetin holandez të Leiden, i vendosur në brigjet e Rhein. Shumë herët e ndjeu talentin e tij artistik. Pasi studioi për disa vite në shtëpi, i riu shkoi në Amsterdam për të marrë mësime nga piktori i famshëm Lastman. Trajnimi nuk zgjati shumë dhe në moshën 19-vjeçare, Rembrandt u kthye në Leiden. Në këtë kohë, ai pikturon portrete të të afërmve dhe miqve të tij, si dhe vëmendje e madhe i kushton autoportreteve. Shumë vepra të autorit kanë mbijetuar deri më sot, ku ai e përshkruan veten në imazhe të ndryshme.

Rrëfimi

Një ditë, një artist aspirues merr një urdhër të shkëlqyer nga Guild of Kirurges. Kështu shfaqet vepra “Mësimi i Anatomisë”. Piktura sjell njohjen e Rembrandtit. Ai merr menjëherë më shumë se pesëdhjetë porosi për portrete të madhështorëve dhe fisnikërisë së Amsterdamit. Njëkohësisht me popullaritetin, rritet edhe mirëqenia e mjeshtrit. Ai fillon të mbledhë antike dhe kostume të periudhës. Ai fiton një shtëpi elegante, të cilën e mbush me mobilje dhe art të shkëlqyer të periudhës.

Saskia

Në moshën 28-vjeçare, Rembrandt, pikturat e të cilit po bëhen gjithnjë e më të njohura, martohet me një vajzë të pasur, Saskia. Ai u martua për dashuri dhe jo vetëm ruajti, por rriti edhe kapitalin e të dashurit të tij. Rembrandt idhullonte gruan e tij, shpesh duke e portretizuar atë në imazhe të ndryshme në veprat e tij. Një nga pikturat më të famshme të artistit, Autoportreti me Saskia, tregon një Rembrandt të lumtur me gruan e tij të re. Në të njëjtën kohë, artisti merr një porosi për një seri veprash me një histori biblike. Pra, ka piktura nga Rembrandt me emrat "Sakrifica e Abrahamit" dhe "Festa e Belshazarit". Gjithashtu, kësaj periudhe i përket edhe një nga veprat më të njohura të mjeshtrit “Danae”. Fotografia është rishkruar nga artisti disa herë dhe ka disa opsione të autorit.

Perëndimi i diellit të jetës

Koha e shkujdesur e artistit nuk zgjati shumë. Jo të gjithëve u pëlqente mënyra e Rembrandtit për të portretizuar një person ashtu siç është. Pas shkrimit të pikturës "Night Watch" shpërtheu një skandal i pabesueshëm. Fytyra të huaja u shfaqën në kanavacë. Ndoshta arsyeja ishte se në mes të punës, i dashuri i tij Saskia vdiq nga tuberkulozi. Në foto së bashku me figurat e harkëtarëve, shihet silueta e një vajze, aq sa të kujton gruan e mjeshtrit. Popullariteti i autorit fillon të bjerë. Pothuajse nuk ka porosi të reja. Duke humbur shtëpinë dhe të gjithë pronën e tij, Rembrandt, pikturat e të cilit marrin një kuptim të ri, filozofik, fillon të përshkruajë njerëzit e zakonshëm dhe të dashurit tuaj. Ai shkruan shumë për imazhin e djalit të tij, si dhe për njerëzit që e rrethojnë vitet e fundit jeta. Në këtë kohë, pikturat e Rembrandt lindën me titujt "Portreti i një plaku në të kuqe", "Portreti i djalit të Titit duke lexuar" dhe vepra të tjera. Në fund të jetës së tij, nga pena e mjeshtrit shfaqet një kryevepër tjetër - "Kthimi i djalit plangprishës". Në këtë foto, mjeshtri e përshkruan veten si një endacak i përjetshëm, i cili detyrohet të endet përgjatë rrugëve të vështira të lavdisë së ndryshueshme. Në vitin 1969, pasi varrosi djalin e tij me nusen e tij, vetë Rembrandt vdes, duke lënë gjurmën e tij krijuese në këtë botë përgjithmonë. Sot, pikturat e artistit zënë vendin e tyre krenar në çdo muze të madh në botë.

Më Rembrandt. "Një mësim në anatominë" (1632)

Kjo pikturë është porosia e parë e madhe e marrë nga Rembrandt pas lëvizjes së tij në Amsterdam. Pëlhura përshkruan një autopsi të kryer nga Dr. Tulp. Mjeku mban tendinat e dorës me pincë, duke u treguar studentëve të tij se si të përkulin gishtat. Portrete të ngjashme grupore në atë kohë ishin shumë të njohura në esnafët e mjekëve. Vërtetë, si rregull, anëtarët e grupit pozuan për ta, të ulur në një rresht. Rembrandt, pikturat e të cilit dalloheshin nga natyraliteti dhe realizmi, i përshkroi studentët në një rreth të ngushtë, duke dëgjuar me vëmendje fjalët e Dr. Tulp. Fytyrat e zbehta dhe vetë kufoma shquhen me njolla të ndritshme të lehta në sfondin e zymtë dhe të errët të figurës. Puna i solli Rembrandtit popullaritetin e parë, pas së cilës urdhrat ranë mbi autorin me shpejtësi të jashtëzakonshme.

"Autoportret me Saskia" (1635)

Gjatë gjithë jetës së tij, Rembrandt pikturoi një numër të jashtëzakonshëm autoportretesh. Kjo pikturë është një nga më të famshmet. Këtu përshkruhet gëzimi i artistit nga lumturia e zotërimit të të dashurit të tij. Gjendje emocionale piktori pasqyrohet në pamjen e hapur të personazheve, në fytyrën rrezatuese të Rembrandtit, sikur të mbytet nga lumturia dhe mirëqenia. Sidoqoftë, në portret fshihet një provokim i fshehur: në fund të fundit, artisti e portretizon veten në imazhin e të njëjtit "djali plangprishës" duke gostitur me një kurtezane të zakonshme. Sa shumë ndryshon “djali plangprishës” në këtë autoportret nga ai që publiku njeh nga fotoja me të njëjtin emër!

"Danae" (1636)

Më e famshmja nga pikturat e Rembrandt. Është shkruar bazuar në mitin e nënës së Perseut, Danae. Sipas legjendës, babai i vajzës zbuloi se ai do të vdiste nga djali i vajzës së tij dhe e burgosi ​​atë në një birucë. Zeusi hyri në të burgosur në formën e një shiu prej ari, pas së cilës lindi Perseus. Fotografia tërheq me ngjyrën e saj të pazakontë, karakteristike për punën e artistit. Në qendër është një grua e zhveshur, trupi i së cilës është i ndriçuar nga rrezet e diellit. Në këtë imazh, Rembrandt, pikturat e të cilit shpesh përshkruajnë njerëz afër tij, kapi imazhin e gruas së tij të dashur Saskia. Imazhi i një engjëlli u atribuua pas vdekjes së gruas së tij. Duket se ai gjithmonë qan për fatin e të ndjerit. Rembrandt rishkruan idenë e tij të preferuar për një kohë të gjatë, duke ndryshuar gjendjen shpirtërore të figurës në përputhje me ndjenjat e tij. Kombinimi i toneve vezulluese dhe thekseve të arta është i mrekullueshëm në sofistikimin dhe madhështinë e tij.

Fati i pikturës është i mahnitshëm dhe dramatik, siç është edhe historia e jetës së vetë artistit. Pas vdekjes së autorit, kryevepra ndryshoi shumë pronarë. Pas blerjes së veprës nga Katerina II, "Danae" zuri vendin e krenarisë në koleksionin e famshëm Hermitage. Në vitin 1985, një incident i pakëndshëm ndodhi në muze, i cili pothuajse i privoi botës mundësinë për të soditur punën e Rembrandt. Një i çmendur iu afrua pikturës dhe spërkati me acid mbi të. Bojë menjëherë filloi të flluskojë. Por kjo nuk i mjaftoi sulmuesit: ai arriti të bënte disa prerje në kanavacë me thikë derisa u ndalua. Dëmtimi preku rreth 30% të kryeveprës. Maniaku doli të ishte një farë Bronyus Maigis, i cili më vonë kaloi 6 vjet në një klinikë psikiatrike. Restaurimi i pikturës zgjati 12 vjet. Tani ajo është e ekspozuar në Hermitage nën mbrojtjen e kryeveprës nga vandalët. Një fakt tjetër është gjithashtu interesant. Një vepër arti dhe riprodhimet e saj shpesh filmohen. Për shembull, "Danae" shfaqet në serialin "Gangster Petersburg" si piktura e Rembrandt "Aegina".

"Night Watch" (1642)

Piktura është porositur nga Rembrandt divizioni i pushkëve. Telajo përshkruan një kompani të milicisë, e cila shkon në një fushatë. Musketierët, të inkurajuar nga daullet, përshkruhen përkrah ushtarëve të statuseve dhe moshave të ndryshme shoqërore, të gatshëm për betejë. Të gjithë ata i bashkon maskuliniteti dhe shtysa patriotike. Puna dallohet nga përpikmëria në vizatimin e të gjitha imazheve dhe detajeve. Piktura e Rembrandt "The Night Watch" ngjall te shikuesit që e shikojnë, një ndjenjë të plotë të realitetit të gjithçkaje që ndodh. Autori u përpoq jo vetëm të tregonte tiparet e jashtme të të gjithë personazheve, por edhe të zbulonte botën e brendshme të çdo ushtari. Apoteoza e figurës është harku triumfal - një simbol i sukseseve të kaluara dhe një pararojë e një fitoreje të re të lavdishme. Me ndihmën e ngjyrave shumëngjyrëshe (ari, e zezë dhe e verdhë), shikuesi zbulon energjinë, dramën dhe solemnitetin e disponimit të ushtrisë. Personazhi dhe fati i çdo personazhi lexohen falë penelit të një artisti të famshëm.

Ka shumë versione për vajzën e paraqitur pothuajse në qendër të fotos. Ai ndryshon nga të gjitha ngjyrat e ndezura dhe pamja engjëllore. Ndoshta kjo është një lloj nuskë e milicisë. Sipas një versioni tjetër, vajza është imazhi i gruas së dashur të autorit, e cila u largua në një botë tjetër në mes të pikturës. Siç e dini, puna nuk i ka pëlqyer klientët. Pasi blenë pikturën, e prenë kanavacën dhe e varën në sallën e banketeve.

"Kthimi i djalit plangprishës" (1666-1669)

Piktura e Rembrandt "Kthimi i djalit plangprishës" është një nga majat më të ndritshme të punës së artistit të famshëm. Është shkruar në vitet e fundit të jetës së mjeshtrit. Kjo është koha kur ai ishte shumë i moshuar dhe i dobët, në nevojë dhe i uritur. Tema e djalit plangprishës është shfaqur vazhdimisht dhe më parë në punën e artistit. Kjo punë është një përfundim, duke përmbledhur rezultatet e shumë viteve të bredhjeve krijuese të autorit të famshëm. Fotografia rrezaton gjithë ngrohtësinë dhe thellësinë e paletës së Rembrandt. Ngjyrat vezulluese dhe një lojë elegante e dritës dhe hijes theksojnë imazhet e personazheve kryesore. Në maskën e një plaku të nderuar dhe të djalit të tij plangprishës, shprehet një gamë e tërë ndjenjash të ndryshme: pendimi dhe dashuria, mëshira dhe hidhërimi i një depërtimi të vonuar. Sipas historianëve të artit, i gjithë talenti psikologjik i piktorit u zbulua në "Kthimi". Ai investoi në pasardhësit e tij të gjithë përvojën e tij krijuese të grumbulluar, të gjithë pasionin e tij, të gjithë frymëzimin e tij.

konkluzioni

Është e vështirë edhe të imagjinohet se si e ka portretizuar Rembrandt, e cila është paraqitur në këtë artikull. Sa vite kanë kaluar nga dita e krijimit të tyre, sa blozë nga qirinjtë e dhjamit i ka mbuluar gjatë tre shekujve histori! Ne vetëm mund të hamendësojmë se si dukeshin në ditëlindjet e tyre. Ndërkohë edhe sot e kësaj dite miliona adhurues të talentit të piktorit të njohur në muze të ndryshëm të botës vijnë për të parë kryeveprat e tij.

Është gjithmonë e vështirë të flasësh për atë që e do vërtet. Ju zgjidhni me kujdes fjalët e duhura, kthesat e të folurit, nuk dini nga të filloni ... Prandaj, do të filloj me një zbulim të vogël: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- Artisti im i preferuar, dhe e kam njohur për një kohë shumë të gjatë.

Si fëmijë - në Hermitazh, me tregimet e profesorit-babait. Në rininë e tij - në mësimet e Teatrit të Artit në Moskë në institut, me rrëshqitje të vjetra në një audiencë të errët në mbrëmjet e gjata të dhjetorit. Në rininë e tij - në Amsterdamin e mahnitshëm, duke qeshur me gëzim në rrezet e diellit të gushtit që perëndon. Unë kam lexuar tashmë qindra leksione për Rembrandt, kam kryer më shumë se një duzinë ekskursione, por ende ekziston një ndjenjë që tani duhet të zhytesh në diçka të panjohur, të madhe, të pakuptueshme.

Është si të hidhesh nga një skelë në ujërat e detit, ku ke qenë për herë të parë. Nuk e di nëse uji është i ftohtë atje, sa gurë ka në fund. Është parashikimi dhe dyshimi që i bën duart të dridhen nervozisht. Ka vetëm një mënyrë për ta mposhtur këtë - kërcejeni nga një fillim vrapimi, duke ndjerë se zemra juaj po rrah dhe se si në një moment e gjithë bota rreth jush është çuar diku në distancë, dhe tani jeni vetëm me diçka krejtësisht të re ... Epo , mirë! Le të kërcejmë, të hapim sytë dhe të shohim!

Në moshën 27-vjeçare, ai kishte gjithçka që një artist mund të ëndërronte. Famë, famë, para, grua e dashur, qindra porosi. Ai u konsiderua mjeshtri më i mirë pikturë portreti në një nga qytetet më të pasura të kohës së tij, në perlën e Evropës veriore - Amsterdamin.

Po, nuk ka pasur kurrë një artist në botë të aftë për ta krijuar këtë! Portreti duhej të ishte i përsosur, duhej të ndriçonte të gjitha të metat e një personi, por Rembrandt mendonte ndryshe. Portretet e tij ishin të gjalla. Ata përcillnin karakter, kishte konflikt në to. Para jush është një fragment i një portreti të kryetaksambledhësit të provincës së Hollandës, Jan Wtenbogart.

Pothuajse i gjithë shteti i republikës kaloi në duart e këtij njeriu. Dhe rrobat e tij - një jakë dantelle e ajrosur, një pallto e gjatë leshi prej leshi rus - dëshmojnë qartë gjendjen e tij. Tani vetëm shikoni ato sy. Ju shihni trishtim në to ... Dhe kanavacë e paraardhësit të madh të Rembrandt kujtohet menjëherë -. A nuk e shikon apostulli Krishtin me të njëjtën shprehje kur e thërret pranë tij? Ky portret është historia e një njeriu shumë të pasur, por shumë të pakënaqur, dhe piktori holandez mundi ta shfaqte në një moment të ngrirë.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn e kaloi gjithë kohën e tij të lirë duke studiuar shprehjet e fytyrës. Ai qëndroi për orë të tëra para pasqyrës dhe bëri fytyra, të cilat më pas i transferoi me qymyr në letër. Ishte e rëndësishme për të që të kapte nuancat më të vogla të emocioneve.

Fytyra e një personi, sipas artistit, ishte një pasqyrë e shpirtit, ai e kuptoi këtë shumë përpara Oscar Wilde me "Portretin e Dorian Grey". Por portretet nuk janë e vetmja gjë që Rembrandt shkëlqeu. Jo më pak na bëjnë përshtypje pikturat e tij të mëdha. Loja e kiaroskuros, të cilën Caravaggio e zhvilloi aq shumë në pikturën e tij, merr një shtrirje vërtet gjigante nga mjeshtri ynë.

Ai ishte vetëm 28 vjeç kur krijoi kryeveprën e tij të parë absolute. Kjo pikturë është "Zbritja nga kryqi". Ju thjesht nuk mund të kaloni pranë kësaj pikture në Hermitage. Në një moment, artisti arriti të përshkruajë gjithë thelbin e krishterimit, të tregojë një nga historitë më të mëdha njerëzore sa më sinqerisht dhe prekëse, në një mënyrë që askush nuk e bëri para dhe pas tij.

Jerusalemi në sfond zhytet në errësirë. Shpëtimtari ka vdekur. Në qendër të fotos shohim trupin e tij të pajetë. Ky është momenti i dëshpërimit më të madh, askush nuk beson ende në ringjalljen. Njerëzit shohin vetëm kufomën e një njeriu që e donin dhe e adhuronin si zot, dhe Virgjëreshës Mari i bie të fikët, lëkura e saj është e zbehtë vdekjeprurëse - ajo sapo ka humbur djalin e saj të vetëm.

Ekziston një detaj në këtë kanavacë që nuk është menjëherë i dukshëm. Ky është ndriçimi. Burimi i dritës është një fener në duart e djalit, por trupi i Krishtit dhe rrobat e apostullit që e mban në krahë e pasqyrojnë dritën si një pasqyrë. Dhe pikërisht përmes dritës këtu tregohet historia e vërtetë, zbulohet kuptimi filozofik i figurës.

Drita e një feneri është drita e besimit dhe ajo që shohim në foto është një fillim në misterin e tij. Ndihet ndjenja se vetë trupi i Shpëtimtarit bëhet burimi i dritës këtu. Fytyra e Nënës së Zotit dhe qefini, i ndriçuar nga drita e zbehtë e një qiri, spikat nga errësira, në të cilën duhet të mbështillet trupi i Krishtit. Në këtë kanavacë, Rembrandt aplikoi fillimisht teknikën që në vitet e fundit të jetës së tij u bë kryesore në punën e tij.

Dhe tani shohim se si një person që zotëronte në mënyrë të përsosur teknikën e të shkruarit, i shkruante të gjitha figurat qendrore në kanavacë në detajet më të vogla, por ndërsa ato largoheshin nga drita, fytyrat e njerëzve bëheshin gjithnjë e më të paqarta, pothuajse të padallueshme. Gjithçka është shumë e thjeshtë - misteri i asaj që po ndodh i kaloi.

Megjithatë, në këtë kanavacë ka një personazh tjetër që nuk bie në sy në pamje të parë. Pavarësisht se ai është në hije, Rembrandt e përshkruan atë shumë qartë. Në këndin e poshtëm djathtas të kanavacës, nga vendi më i errët, i fshehur pas kërcellit të gjembaçit, Djalli në formën e një qeni po ju shikon dhe sikur ju bën një pyetje:

"A jeni i përfshirë në atë që po ndodh?"

Po, mjeshtri holandez ka pasur gjithmonë pak hapësirë ​​për foton, ai ëndërronte që pikturat e tij të bëheshin pjesë e kësaj bote dhe shikuesi të bëhej pjesëmarrës i drejtpërdrejtë në atë që po ndodhte. Por ishte pikërisht kjo dëshirë që e rrëzoi nga majat e lavdisë në humnerën e harresës shekullore.

Fatkeqësia dhe harresa vijnë po aq shpejt sa fati dhe lavdia. Rembrandt Harmenszoon van Rijn e përjetoi këtë nga dora e parë në 1642. Sigurisht, para kësaj kishte ankesa: fëmijët e tij vdiqën në foshnjëri. Vetëm një djalë mbijetoi, Titus, i lindur në 1641. Por një vit më vonë, gruaja e tij e dashur Saskia, me të cilën ai jetoi për shumë vite, u largua nga kjo botë. Dhe bashkë me këtë humbje, edhe fati u largua nga artisti, u largua në momentin kur ai krijoi një nga pikturat e tij më të mëdha.

Mund të flitet pafund për Watch Natën e Rembrandt. Kjo kanavacë është aq e gjerë në përmbajtjen e saj, aq unike në përbërjen e saj të ndërtuar, sa historia e krijimit të saj është mjaft e denjë për një libër më vete, jo për një artikull. Por, siç ndodh shpesh në jetë, ishte ky krijim, i cili më pas ndryshoi rrënjësisht të gjithë zhvillimin e pikturës botërore, u refuzua nga bashkëkohësit.

Klientëve nuk u pëlqeu mënyra se si u paraqitën dhe shumë prej tyre refuzuan të paguanin për punën e artistit. Piktori më i famshëm i Holandës nuk ka përjetuar kurrë një poshtërim të tillë. Në një vit, Rembrandt humbi gruan e tij të dashur dhe dështoi në punën e tij më të mirë. Duket se kjo është mjaft e mjaftueshme, por jo, ishte vetëm fillimi i tragjedisë. Porositë u bënë gjithnjë e më pak (klasicizmi dhe stili i portreteve ceremoniale hynë në modë), dhe së shpejti prona e artistit u shit për borxhe. Nga një rezidencë e madhe në qendër të Amsterdamit, ai u detyrua të transferohej në periferi të qytetit, në lagjen hebraike, ku mori me qira disa dhoma me djalin e tij të dashur Titus.

Gjëja më interesante është se Rembrandt mund të përshtatej lehtësisht me tendencat më të fundit të modës në art dhe përsëri të merrte para të mëdha për pikturat e tij. Por piktori ishte i bindur se duhej të krijonte një stil krejtësisht të ri. Në portretet e tij tani nuk ishin njerëz të pasur, por qytetarët më të zakonshëm të qytetit të Amsterdamit. I tillë, për shembull, është "Portreti i një çifuti të vjetër".

Rembrandt nuk ishte i interesuar për përshkrimin e detajuar të të gjitha sendeve të veshjeve, ai u përpoq për më shumë abstraksion, u përpoq të tregonte ndjenjat e personazheve të tij me saktësi të përsosur. Për këmbënguljen e tij, ai mori vetëm vuajtje dhe shuplaka në fytyrë. Kjo ndodhi me pikturën e tij “Konspiracioni i Julius Civilis”.

Në vend të një imazhi klasik, pompoz, të largët të patriotizmit, mjeshtri i vjetër e prezantoi këtë para publikut.

Para nesh është një foto e një feste barbare, e vrazhdë, e shëmtuar. Kjo kanavacë ishte pothuajse 300 vjet përpara kohës së saj, duke parashikuar pikturën ekspresioniste. Nuk është për t'u habitur që kryevepra e mjeshtrit u refuzua dhe emri i tij u mbulua me turp të pashlyeshëm. Por janë pikërisht këto tetë vitet e fundit të jetës së tij, të kaluar në një varfëri absolute e të padepërtueshme, që janë një nga periudhat më të frytshme në veprën e Rembrandt.

Mendoj se do të shkruaj në një artikull të veçantë për pikturat e asaj periudhe, duke përfshirë edhe Kthimin e djalit plangprishës. Tani dua të flas për diçka tjetër. Gjithmonë kam qenë i habitur sesi Rembrandt mund të punonte dhe zhvillonte talentin e tij kur goditjet e fatit binin mbi të nga kudo. Nuk mund të vazhdonte kështu për një kohë të gjatë dhe artisti e kishte parashikuar.

Goditja përfundimtare jepet gjithmonë në vendin më të dhimbshëm. Ata ishin djali i vetëm i Titit - një djalë shumë i sëmurë, i ngjashëm me nënën e tij të vdekur. Ishte ai që Rembrandt e përshkruante atëherë më shpesh: si në formën e një engjëlli në pikturën "Mateu dhe Engjëlli", dhe lexim, dhe në kostume të ndryshme. Ndoshta piktori mendoi se me ndihmën e talentit të tij do të arrinte disi të vononte të pashmangshmen... Dështoi...

Sipas mendimit tim, "Portreti i Titit në një kasollë monastike" është një nga pikturat më shpirtërore të Rembrandt. Tek ajo u shfaq gjithë dashuria e babait, gjithë talenti i një piktori. Në të gjitha këto goditje të vrazhda, në këtë errësirë ​​që përparon mbi të riun nga e majta, në bimët tashmë që rrethojnë trupin e tij, bie në sy një gjë - fytyra e zbehtë e djalit të artistit me sytë e ulur plot përulësi.

Titus vdiq në 1668, Rembrandt i mbijetoi atij vetëm një vit.

Ai po vdiste në periferi të Amsterdamit, absolutisht i vetëm, pasi kishte fituar gjithçka në këtë jetë dhe kishte humbur gjithçka. Ata i harruan pikturat e tij për një kohë të gjatë... Por kanë kaluar 150 vjet dhe artistë të tjerë kanë dëgjuar tashmë atë që mjeshtri po përpiqej t'u thoshte bashkëkohësve të tij, duke zgjedhur rrugën e tij unike në vend të famës dhe parave.

Vepra e brilantit Rembrandt Harmenszoon van Rijn është një nga majat e pikturës botërore. Gjerësia e jashtëzakonshme e gamës tematike, humanizmi më i thellë që frymëzon veprat, demokracia e vërtetë e artit, kërkimi i vazhdueshëm për më ekspresive. mjete artistike, mjeshtëria e patejkalueshme i dha mundësinë artistit të mishëronte idetë më të thella dhe më të avancuara të kohës. Ngjyra e pikturave të Rembrandt të periudhës së pjekur dhe të vonë, e ndërtuar mbi një kombinim të toneve të ngrohta të afërta, që vezullojnë me nuancat më të bukura, të lehta, të dridhura dhe të përqendruara, sikur emetohen nga vetë objektet, kontribuojnë në emocionalitetin e jashtëzakonshëm të veprave të tij. Por vlerë të veçantë përcjellë tek ata ndjenja të larta, fisnike që i japin poezi dhe bukuri sublime gjërave të përditshme.

The Apprentice and His Tutor, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, California

Jeremia duke vajtuar për shkatërrimin e Jeruzalemit, 1630, Rijksmuseum

Minerva, rreth vitit 1631, Rijksmuseum, Berlin

Rembrandt pikturoi piktura, portrete dhe peizazhe historike, biblike, mitologjike dhe të përditshme; ishte një nga mjeshtrit më të mëdhenj të gravurës dhe vizatimit. Por pavarësisht se në çfarë teknike punonte Rembrandt, në qendër të vëmendjes së tij ishte gjithmonë një person, me botën e tij të brendshme, me përvojat e tij. Rembrandt shpesh i gjente heronjtë e tij midis përfaqësuesve të të varfërve holandezë, në to ai zbuloi tiparet më të mira të karakterit, pasurinë e pashtershme shpirtërore. Artisti mbarti besimin tek njeriu gjatë gjithë jetës, vështirësive dhe sprovave të tij. Ajo e ndihmoi atë ditet e fundit krijojnë vepra që shprehin aspiratat më të mira të popullit holandez.

Përdhunimi i Proserpinës, rreth vitit 1631, Galeria e Arteve, Dresden

Mësimi i Anatomisë nga Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, Hagë

Përdhunimi i Evropës, 1632, Muzeu Getty, Los Anxhelos

Rembrandt Harmenszoon van Rijn lindi në 1606 në Leiden, djali i një pronari mulliri. Mësuesit e tij ishin Swannenburgh dhe më vonë Lastman. Nga viti 1625, Rembrandt filloi të punojë në mënyrë të pavarur. Veprat e tij të hershme mbajnë gjurmë të ndikimit të Lastman, ndonjëherë piktorë të Utrehtit, pasues të Caravaggio. Së shpejti, i riu Rembrandt gjeti rrugën e tij, të shënuar qartë në portrete, të bëra kryesisht nga ai dhe të dashurit e tij. Tashmë në këto vepra, chiaroscuro u bë për të një nga mjetet kryesore të shprehjes artistike. Ai studioi manifestime të ndryshme të karaktereve, shprehjet e fytyrës, shprehjet e fytyrës, tiparet individuale.

Danieli dhe mbreti persian Cyrus para idhullit të Baalit, 1633, Muzeu Getty

Perëndeshë e Luftës Bellona, ​​1633, Muzeu Metropolitan i Artit, Nju Jork

Ndërtuesi i anijeve dhe gruaja e tij, 1633, Galeria e Arteve, Pallati Buckingham

Në 1632, Rembrandt u zhvendos në Amsterdam dhe menjëherë fitoi famë me pikturën Mësimi i Anatomisë së Dr. Tulp (1632, Hagë, Mauritshuis). Në thelb, ky është një portret i madh në grup mjekësh që rrethuan doktor Tulp dhe dëgjuan me vëmendje shpjegimet e tij mbi një kufomë anatomike. Ky ndërtim i kompozimit i lejoi artistit të përçonte tiparet individuale të secilit person që portretizohej dhe t'i lidhte ato në një grup të lirë. gjendjen e përgjithshme interes të thellë, theksojnë vitalitetin e situatës. Ndryshe nga portretet në grup të Hals, ku secili prej të portretizuarve zë një pozicion të barabartë, në pikturën e Rembrandt të gjithë personazhet janë psikologjikisht në varësi të Tulpës, figura e së cilës theksohet nga një siluetë e gjerë dhe një gjest i dorës së lirë. Drita e ndritshme zbulon qendrën e përbërjes, kontribuon në përshtypjen e qetësisë së grupit dhe rrit shprehjen.

Suksesi i fotografisë së parë i solli artistit shumë porosi, e bashkë me to edhe pasuri, e cila u rrit me martesën e tij me patricen Saskia van Uylenburgh. Njëra pas tjetrës, Rembrandt shkruan kompozime të mëdha fetare, si Sakrifica e Abrahamit (1635, Shën Petersburg, Hermitage), plot dinamikë dhe patos, portrete ceremoniale. Ai është i magjepsur nga imazhet heroike-dramatike, ndërtimet e jashtme spektakolare, veshjet e mrekullueshme të zbukuruara, kontrastet e dritës dhe hijes dhe këndet e mprehta. Rembrandt shpesh përshkruan Saskian dhe veten e tij, të rinj, të lumtur, plot energji. Këto janë "Portreti i Saskia" (rreth 1634, Kassel, Galeria e Arteve), "Autoportret" (1634, Paris, Luvër), "Autoportreti me Saskia në gjunjë" (rreth 1636, Dresden, Galeria e Arteve). Rembrandt punoi shumë në fushën e gravurës, duke qenë i dhënë pas motiveve të zhanrit, portreteve, peizazheve dhe krijoi një seri të tërë imazhesh të përfaqësuesve të shtresave të ulëta shoqërore.

Judith në pritjen e Holofernes (pikturë e njohur më parë si Artemisia), 1634, Muzeu Prado, Madrid

Diana dhe nimfat lahen duke treguar histori të Actaeon dhe Callisto, 1635, Muzeu Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh me kostumin arkadian, 1635, Galeria Kombëtare, Londër

Nga fundi i viteve 1630, u zbulua tërheqja e artistit ndaj imazheve realiste në pikturat në shkallë të gjerë. Tema mitologjike në pikturën Danae (1636, pjesa më e madhe e pikturës është rilyer në mesin e viteve 1640, Shën Petersburg, Hermitage) fitoi një zgjidhje jashtëzakonisht jetësore dhe bindëse. Duke refuzuar patosin e dhunshëm dhe efektet e jashtme, Rembrandt u përpoq për ekspresivitet psikologjik. Ngjyrat e ngrohta janë bërë më të pasura, drita ka marrë një rol edhe më të madh, duke i dhënë punës një drithërimë dhe emocion të veçantë.

Njeriu me kostum oriental, 1633, Galeria Kombëtare, Uashington

Mosbesimi i Apostullit Thomas, 1634, Muzeu Shtetëror Pushkin i Arteve të Bukura, Moskë

Samson kërcënon vjehrrin e tij, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Me thellimin e aftësisë realiste të artistit, u rritën edhe mosmarrëveshjet e tij me mjedisin përreth borgjezo-patrik. Në vitin 1642, i porositur nga një kompani pushkëtarësh, ai pikturoi një pikturë të madhe (3,87 x 5,02 m), për shkak të errësimit të ngjyrave herë pas here, e cila më vonë mori emrin "Night Watch" (Amsterdam, Rijksmuseum). Në vend të festës tradicionale me portretet e pjesëmarrësve të saj, ku secili përshkruhet me gjithë kujdesin e një karakteristike individuale, siç ishte bërë më herët, artisti ka përshkruar performancën e qitësve në një fushatë. Duke ngritur flamurin, të udhëhequr nga kapiteni, ata marshojnë përgjatë urës së gjerë pranë ndërtesës së repartit nën zhurmën e një daulle. Një rreze drite jashtëzakonisht e ndritshme, duke ndriçuar figurat individuale, fytyrat e pjesëmarrësve të procesionit dhe një vajze të vogël me një gjel në bel, sikur të bënte rrugën e saj nëpër radhët e gjuajtësve, thekson papritursinë, dinamikën dhe eksitimin e imazhit. Imazhet e njerëzve të guximshëm, të kapur me një impuls heroik, kombinohen këtu me një imazh të përgjithësuar të popullit holandez, të frymëzuar nga vetëdija e unitetit dhe besimi në forcën e tyre. Kështu, një portret në grup merr karakterin e një lloj pikture historike, në të cilën artisti kërkon të vlerësojë të tashmen. Rembrandt mishëron idenë e tij për idealet e larta qytetare, për një popull që është ngritur për të luftuar për liri dhe pavarësi kombëtare. Në vitet kur u zbuluan gjithnjë e më shumë kontradiktat e brendshme që ndanë vendin, artisti bëri thirrje për arritje qytetare. Rembrandt u përpoq të krijonte një imazh të Holandës heroike, për të lavdëruar ngritjen patriotike të qytetarëve të saj. Sidoqoftë, kjo ide tashmë ishte kryesisht e huaj për klientët e tij.

Gjatë gjithë viteve 1640, dallimet midis artistit dhe shoqërisë borgjeze po rriteshin. Kjo lehtësohet nga ngjarje të vështira në jetën e tij personale, vdekja e Saskia. Por ishte në këtë kohë që në veprën e Rembrandt erdhi koha e pjekurisë. Skenat dramatike spektakolare të pikturave të tij të hershme po zëvendësohen nga poetizimi i jetës së përditshme: mbizotërojnë komplotet lirike, të tilla si "Lamtumirë e Davidit në Jonathan" (1642), "Familja e Shenjtë" (1645, të dyja pikturat - Shën Petersburg. , Hermitage), në të cilin thellësia e ndjenjave njerëzore pushton me një mishërim çuditërisht delikate dhe të fortë. Duket se në skena të thjeshta të përditshme, në gjeste dhe lëvizje të kursyera dhe të gjetura me saktësi, artisti zbulon kompleksitetin e jetës shpirtërore, rrjedhën e mendimeve të personazheve. Ai e transferon skenën e pikturës "Familja e Shenjtë" në një shtëpi fshatare të varfër, ku babai punon si marangoz dhe nëna e re ruan me kujdes gjumin e foshnjës. Çdo gjë këtu është e mbuluar me frymën e poezisë, thekson disponimin e heshtjes, paqes, qetësisë. Kjo lehtësohet nga drita e butë që ndriçon fytyrat e nënës dhe foshnjës, nuancat më delikate të ngjyrës së ngrohtë të artë.

Krishti dhe Maria Magdalena në varr, 1638, Koleksioni Mbretëror, Windsor

Agatha Bass kundër një dritareje, 1641, Galeria e Arteve, Pallati Buckingham

Predikuesi Cornelis Claes Anslo dhe gruaja e tij Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Muzeu Berlin-Dahlem

Imazhet e veprave grafike të Rembrandt - vizatime dhe gravurë - janë plot me rëndësi të thellë të brendshme. Me forcë të veçantë, demokratizmi i artit të tij shprehet në gravurën "Krishti që shëron të sëmurët" (rreth 1649, "Një fletë e njëqind guilderëve", e quajtur kështu për shkak të çmimit të lartë që bleu në ankande). Bie në sy interpretimi depërtues i imazheve të të sëmurëve dhe të vuajturve, lypsarëve dhe të varfërve, të cilëve u kundërshtojnë farisenjtë e vetëkënaqur, të veshur me rroba të pasura. Shtrirja e vërtetë monumentale, piktoreskiteti, kontrastet delikate dhe të mprehta të kiaroskuros, pasuria tonale dallohen nga gravurat dhe vizatimet e tij me stilolaps, si tematike ashtu edhe peizazhore.

Një vend të madh në periudhën e vonë zënë kompozime të thjeshta, por më shpesh portrete brezash të të afërmve dhe miqve, në të cilat artisti fokusohet në zbulimin e botës shpirtërore të të portretizuarit. Shumë herë ai i shkruan Hendrickje Stoffels, duke zbuluar mirësinë dhe miqësinë e saj shpirtërore, fisnikërinë dhe dinjitetin - të tilla, për shembull, "Hendrickje në dritare" (Berlin, Muzeu). Shpesh model është djali i tij Titus, një i ri i sëmurë, i brishtë me një fytyrë të butë shpirtërore. Në portretin me një libër (rreth 1656, Vjenë, Muzeu Kunsthistorisches), imazhi duket se është depërtuar nga rrezet e diellit. Ndër më depërtuesit janë portreti i Breuning (1652, Kassel, Galeria), një i ri me flokë të artë me një fytyrë të lëvizshme të ndriçuar nga drita e brendshme dhe një portret i Jan Six-it të mbyllur të trishtuar (1654, Amsterdam, koleksioni i Six-it) , sikur u ndal në mendime, duke tërhequr një dorezë.

Autoportret me një kapele të ndjerë, 1642, Koleksioni Mbretëror, Kështjella Windsor, Londër

Tualeti i Bathshebës, 1643, Muzeu Metropolitan i Artit, Nju Jork

Portreti i një zonje me duar të shtrënguara (Hendrikje Stoffels?), rreth 1650, Koleksioni Mbretëror, Londër

Këtij lloji të portreteve i përkasin edhe autoportretet e vona të artistit, të cilat të bien në sy nga shumëllojshmëria e karakteristikave psikologjike, shprehja e lëvizjeve më të pakapshme të shpirtit. “Autoportreti” i Muzeut të Vjenës (rreth 1652) u ekzekutua me thjeshtësi dhe madhështi fisnike; në "Autoportretin" nga Luvri (1660), artisti e përshkruan veten duke medituar, thellësisht i trishtuar. Në të njëjtën kohë, u pikturua portreti i një gruaje të moshuar, gruaja e vëllait të tij (1654, Shën Petersburg, Hermitage), një portret-biografi që flet për një jetë të vështirë të jetuar, për ditë të vështira që lanë gjurmët e tyre elokuente në fytyrën e rrudhosur dhe duart punëtore të kësaj gruaje të mbijetuar. Duke përqendruar dritën në fytyrë dhe duar, artisti tërheq vëmendjen e shikuesit drejt tyre, duke zbuluar pasurinë shpirtërore dhe dinjitetin njerëzor të atyre që portretizohen. Pothuajse të gjitha këto portrete nuk janë bërë me porosi: çdo vit ka gjithnjë e më pak porosi.

Dekada e fundit është koha më tragjike në jetën e Rembrandt; i shpallur debitor falimentues, ai vendoset në lagjen më të varfër të Amsterdamit, humb miqtë dhe të dashurit e tij më të mirë. Hendrickje dhe djali Titus vdesin. Por fatkeqësitë që i ndodhën nuk mund të ndalonin zhvillimin e gjeniut krijues të artistit. Veprat më të thella dhe më të bukura janë shkruar prej tij në këtë kohë. Portreti në grup i "Sindiki" (pleqtë e esnafit të rrobave, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) plotëson arritjet e artistit në këtë zhanër. Vitaliteti i tij qëndron në thellësinë dhe specifikën e secilit prej atyre të portretizuara, në natyralitetin e kompozimit, të qartë dhe të ekuilibruar, në koprracinë dhe saktësinë e përzgjedhjes së detajeve, në harmoninë e një skeme të matur ngjyrash dhe në të njëjtën kohë. në krijimin e një imazhi integral të një grupi njerëzish të bashkuar nga interesat e përbashkëta që ata mbrojnë. Një kënd i pazakontë thekson natyrën monumentale të imazhit, rëndësinë dhe solemnitetin e asaj që po ndodh.

Grua e re duke provuar vathët, 1657, Hermitage, Shën Petersburg

Artakserksi, Haman dhe Ester, 1660, Muzeu Shtetëror Pushkin i Arteve të Bukura, Moskë

Portret familjar, 1668, Muzeu i Dukës Anton Ulrich, Braunschweig

Një numër pikturash tematike me përmasa të mëdha nga mjeshtri i përkasin gjithashtu periudhës së vonë: "Konspiracioni i Julius Civilis" (1661, Stokholm, Muzeu Kombëtar), një përbërje historike që përshkruan udhëheqësin e fisit Batav, të cilët konsideroheshin paraardhësit. të Holandës, i cili në shekullin I ngriti popullin në revoltë kundër Romës, si dhe piktura me tema biblike: "Artakserksi, Hamani dhe Estera" (1660, Moskë, Muzeu Pushkin). Komploti i shëmbëlltyrës biblike të djalit plangprishës tërhoqi artistin më parë, ai gjendet në një nga gravurët e tij. Por vetëm nga fundi i jetës së tij, Rembrandt erdhi në zbulimin e tij më të thellë. Imazhi i një njeriu të lodhur e të penduar që ra në gjunjë përpara babait të tij shpreh rrugën tragjike të njohjes së jetës dhe imazhi i babait që fali djalin plangprishës mishëron lumturinë më të lartë të disponueshme për një person, kufirin e ndjenjave. që mbushin zemrën. Zgjidhja për këtë kompozim në shkallë të gjerë është çuditërisht e thjeshtë, ku personazhet kryesore duken sikur ndriçohen nga një dritë e brendshme, ku gjesti i duarve të babait, i cili ka rifituar djalin e tij, shpreh mirësinë e tij të pafund dhe figurën e varur. e një endacak me lecka të pista, të kapur pas të atit, shpreh gjithë fuqinë e pendimit, tragjedinë e kërkimit dhe humbjen. Personazhet e tjerë janë lënë në plan të dytë, në gjysmëhije, dhe dhembshuria dhe mendimi i tyre vetëm sa nxjerrin në pah edhe më shumë, sikur shkëlqejnë me një shkëlqim të ngrohtë, dashuri atërore dhe falje, që artisti i madh holandez u la njerëzve si një testament.

Ndikimi i artit të Rembrandt ishte i madh. Ajo ndikoi jo vetëm në punën e studentëve të tij të afërt, nga të cilët Karel Fabritius ishte më afër të kuptonte mësuesin, por edhe në artin e çdo artisti pak a shumë të rëndësishëm holandez. Arti i Rembrandt pati një ndikim të thellë në zhvillimin e të gjithë artit realist botëror më pas. Ndërsa artisti më i madh holandez, pasi ra në konflikt me shoqërinë borgjeze, vdiq në nevojë, piktorët e tjerë, pasi kishin zotëruar aftësinë transmetim i vërtetë i përshkruar, arriti të arrijë njohjen dhe mirëqenien gjatë gjithë jetës. Duke i përqendruar përpjekjet e tyre në fushën e një ose një tjetër zhanri të pikturës, shumë prej tyre krijuan vepra të rëndësishme në fushën e tyre.

Arti e bën jetën tonë më interesante dhe më të bukur. Ka njerëz që do të kujtohen me shekuj, vepra e të cilëve do të trashëgohet nga brezat e rinj.

Pas leximit të këtij artikulli, do të bëheni më afër të kuptuarit të trashëgimisë së artit botëror, të cilën e la pas mjeshtri i madh - artisti Rembrandt van Rijn.

Biografia

Sot ai quhet mjeshtër i hijeve, si dhe një njeri që mund të vendoste absolutisht çdo emocion në kanavacë. Më pas do të njihemi me rrugën e jetës që ai duhej të kalonte.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) lindi në Holandë, në qytetin e Leiden. Që në moshë të re ai ishte i interesuar për pikturën dhe që në moshën 13-vjeçare studioi artin e bukur me Jacob van Swanenbürch, i cili ishte një piktor historik.

Pas kësaj, dihet se Rembrandt studioi me Peter Lastman në moshën 17-vjeçare, pasi kishte mbërritur në Amsterdam. Mësuesi i tij u specializua në motive dhe mitologji biblike.

Mendova për biznesin tim

Tashmë në moshën 21-vjeçare, Rembrandt van Rijn, së bashku me mikun e tij, hapën një punëtori vizatimi dhe mbajtën grupe të rregullta studentësh dhe klasa në artet e bukura. U deshën vetëm pak vite dhe ai u bë i njohur ndër të tjerët si mjeshtër i zanatit të tij.

Së bashku me mikun e tyre Lievens, ata tashmë po krijonin kryevepra në atë kohë dhe u ranë në sy nga Constantine Huygens, i cili ishte sekretari i Princit të Portokallisë. Ai e quajti fotografinë me Judën një nga veprat më të mira të artit të antikitetit. Ai luajti një rol të madh në zhvillimin e artistit, duke ndihmuar në vendosjen e kontakteve me klientët e pasur.

Jetë e re në Amsterdam

Në vitin 1631, Rembrandt van Rijn tashmë ishte zhvendosur plotësisht për të jetuar në Amsterdam. Jeta në këtë qytet ishte plot me porosi nga klientë të rëndësishëm që e shihnin atë si një artist të ri të madh. Në këtë kohë, shoku i tij shkoi për të studiuar në Angli, ku edhe ai u përpoq të kishte sukses nën kujdesin e një mësuesi të ri.

Ndërkohë, artistja nis të përfshihet në imazhin e fytyrave. Ai është i interesuar për shprehjet e fytyrës së çdo personi, ai përpiqet të eksperimentojë me kokat e pikturuara të njerëzve. Rembrandt van Rijn ishte në gjendje të përcillte me saktësi gjithçka që thoshin sytë e personit nga i cili shkroi kryeveprën.

Ishin portretet e asaj kohe që i sollën artistit sukses komercial. Përveç kësaj, ai ishte i dhënë pas autoportreteve. Mund të gjeni shumë prej veprave të tij, ku ai u portretizua me kostume dhe veshje imagjinare, poza interesante.

koha e lavdisë

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fitoi njohje universale në Amsterdam pasi pikturoi "Mësimi i Anatomisë së Dr. Tulp" në 1632, ku ai përshkroi kirurgë të cilët mjeku i mësoi të disektonin duke përdorur shembullin e një kufome.

Nëse shikoni këtë foto, mund të shihni atë vijë të hollë me të cilën mjeshtri përshkruan shprehjen e fytyrës së secilit prej tyre. Këto nuk janë vetëm fytyra njerëzish, ai arriti të përcjellë emocionin e përgjithshëm të kujdesshëm të një grupi të tërë studentësh.

Dhe mënyra se si ai portretizoi hijen në foto mahniti shumë ekspertë të asaj kohe. Ata njëzëri filluan të thonë se Rembrandt Harmenszoon van Rijn ishte pjekur së bashku me pikturat e tij.

Mund të themi se kjo kohë konsiderohet si një nga më të favorshmet në jetën e një artisti të ri. Pas martesës së tij me Saskia van Uilenbürch në 1634, komisionet ranë mbi kokën e tij me një ritëm që ai nuk mund ta pikturonte.

Në vitet e para të jetës së tij në qytetin e ri, i riu Rembrandt van Rijn arriti të pikturojë më shumë se 50 piktura. Fotot ishin të veçanta dhe të ndritshme, shkrimtarët kujtuan krijimet e tij më shumë se një herë. Për shembull, Jost van den Vondel, atëherë poeti dhe dramaturgu më i famshëm, i bëri nder autorit në poezitë e tij për portretin që ai pikturoi të Cornelis Anslo.

Në atë kohë, ai kishte para të mjaftueshme për të blerë rezidencën e tij. Duke qenë i dhënë pas artit dhe duke studiuar veprat e klasikëve dhe mjeshtrave të tjerë, ai e mbushi shtëpinë e tij me vepra të famshme si të bashkëkohësve, ashtu edhe me krijime të kohëve antike.

Jeta familjare

Kritikët e sotëm të artit vënë në dukje veprat e mira të kohës, të cilat janë shkruar nga Rembrandt van Rijn. Piktura e gruas së tij Saskia me rroba të ndryshme dhe në sfonde të ndryshme tregojnë se mjeshtri është pjekur plotësisht dhe ka filluar të krijojë artin e tij në kanavacë.

Kishte edhe pikëllim - tre fëmijët që ai pati gjatë martesës së tij vdiqën në moshë të re. Por në 1641, çifti pati një djalë, Titus, i cili ishte një prizë për prindërit e rinj. Ajo kohë e trazuar ishte e ngulitur në mënyrë të përkryer në pikturën e artistit "Djali plangprishës në një tavernë".

Ngjarje e pakëndshme

Ashtu si në vitet e tij të hershme, imagjinata e artistit të madh e shtynte gjithmonë të krijonte piktura me tema të caktuara biblike. Sa vlen piktura e tij “Sakrifica e Abrahamit”, të cilën e ka pikturuar në vitin 1635! Emocionet dhe gjendja shpirtërore përcillen aq qartë sa filloni të shqetësoheni se sapo të mbyllni sytë, thika do të zhytet menjëherë në mish.

Në artin modern, këtë ndjenjë mund ta përcjellin vetëm fotografët që bëjnë një fotografi të qartë në lëvizje. Në të vërtetë, bie në sy aftësia e tij për të shfaqur atmosferën e situatave të përpunuara nga imagjinata e mjeshtrit të madh.

Fillimi i problemeve

Dështimet e artistit nuk përfunduan me vdekjen e gruas së tij. Pikëpamjet e artistit ndryshuan gradualisht. Ai i ri Rembrandt van Rijn, puna e të cilit admironte bashkëkohësit e tij, u zhduk gradualisht.

Në vitin 1642 ai mori një ofertë të shkëlqyer për të pikturuar një portret të Musketeers, i cili do të vendosej në ndërtesën e sapondërtuar të Shoqatës së Qitës. Ishte një nga pikturat më të mëdha të pikturuara ndonjëherë nga mjeshtri - arriti në katër metra.

Sipas vizionit të klientëve, artisti duhej të krijonte një portret të zakonshëm ushtarësh, i cili do të rrezatonte forcë dhe besim. Fatkeqësisht, artisti Rembrandt van Rijn e përfundoi detyrën në mënyrën e tij.

Siç mund të shihet në pikturën "Night Watch", e cila është paraqitur më poshtë, puna e tij vështirë se mund të quhet portret. Kanavacja përshkruan një skenë të tërë të përgatitjes së një kompanie pushkësh për një fushatë të papritur.

Dhe mund të shihni se si lëvizja në foto është ngrirë. Kjo është një kornizë e veçantë nga jeta e ushtarëve. Kishte shumë indinjatë nga klientët për këtë. Disa musketierë u larguan në plan të dytë, ndërsa të tjerët u kapën në një pozicion të vështirë.

Për më tepër, loja e mprehtë e dritës dhe hijes, të cilën, mbase, askush nuk mund ta përshkruante aq shkëlqyeshëm dhe me guxim në kanavacë, gjithashtu nuk ngjalli admirim.

Pas kësaj, Rembrandt van Rijn, veprat e të cilit dje u konsideruan ndër më të mirat, filluan të bëheshin jointeresante për publikun e rangut të lartë. Dhe kjo do të thoshte në atë kohë që askush nuk do të bënte porosi të shtrenjta me të.

Tani imagjinoni një person që jetoi gjithë jetën e tij në mënyrë të madhe, dhe më pas humbi papritur burimin e tij të të ardhurave. A do të jetë në gjendje të heqë dorë nga jeta e tij e zakonshme?

Moderniteti kërkonte detajimin e pikturave

Studentët e tij gradualisht po e lënë atë. Vizioni i Rembrandt-it gradualisht po del jashtë hapit me modën e asaj kohe - tendencat e reja po lëviznin drejt detajeve maksimale. Kjo do të thotë, nëse artisti fillon të pikturojë ashtu siç ka bërë në rininë e tij, atëherë do të kishte kërkesa të konsiderueshme për të.

Por jeta është e paparashikueshme, ashtu si një person i vërtetë krijues. Dora e tij po forcohej, i pëlqente të luante me hijen, duke turbulluar skajet e qarta të objekteve.

Pamundësia për të fituar para të mira ndikoi në gjendjen e tij financiare. Duke pasur parasysh se gruaja e tij e ndjerë ishte një zonjë nga një familje e pasur, paja e saj kaloi plotësisht në zotërim të tij. Dhe, duke mos pasur të ardhura, thjesht i ka shpenzuar, ose i ka “djegur”, për nevojat e veta.

Në fund të viteve dyzet të shekullit të 17-të, ai u mor vesh me shërbëtoren e tij Hendrikje. Kjo mund të shihet në disa nga pikturat e tij. Në atë kohë, ligjet ishin të rrepta në lidhje me lidhjet familjare, dhe muza e tij u dënua nga gjykata kur ata kishin fëmijën Cornelia.

Është e vështirë të gjesh piktura të famshme nga kjo periudhë e jetës së artistit. Ai gradualisht u largua nga motivet dhe skenat e shumta që përmbanin që ai shkroi në të kaluarën e afërt.

Por ai është si person krijues, është shfaqur edhe në fusha të tjera. Në atë kohë, ai tashmë kryente me mjeshtëri gravurë. Iu deshën 7 vjet për të përfunduar një kryevepër të quajtur "Krishti shëron të sëmurët".

Ai mundi ta shiste për 100 guldena, që ishte mjaft i madh për atë kohë. konsiderohen më të mirat nga ato që Rembrandt mund të krijonte.

Sunset Rembrandt

Artisti i moshuar gjithnjë e më shumë përballej me probleme materiale. Në vitin 1656 ai falimentoi plotësisht, pasi ia transferoi të birit të gjithë trashëgiminë e tij. Nuk kishte asgjë për të jetuar. Një vit më vonë, ai duhej të shiste pasurinë e tij. Të ardhurat e ndihmuan atë të lëvizte në periferi të qetë të Amsterdamit. Ai u vendos në lagjen hebreje.

Njeriu më i afërt me të në pleqërinë e tij ishte djali i tij. Por Rembrandt nuk ishte me fat, sepse ai jetoi për të parë vdekjen e tij. Ai nuk i duroi dot më goditjet e fatit dhe një vit më vonë vdiq edhe ai.

Rembrandti i sotëm

Arti nuk vdes kurrë. Krijuesit jetojnë në veprat e tyre, në veçanti, artistët janë gjithmonë pjesë e pikturave të tyre. Thelbi i një personi përcillet në stilin dhe aftësinë e tij në pikturë.

Deri më sot, Rembrandt van Rijn konsiderohet një artist me shkronjë të madhe dhe njihet nga të gjithë kritikët. Puna e tij vlerësohet shumë. Për shembull, në vitin 2009, në një ankand, piktura e tij "Portret gjysmë i gjatë i një njeriu të panjohur që qëndron në ijet e tij", shkruar në 1658, u shit për një çmim rekord prej 41 milion dollarë amerikanë (përsa i përket kursit të këmbimit të ajo kohe).

Vlerësohet edhe piktura e tij “Portreti i një gruaje të moshuar”, e cila në vitin 2000 u shit për rreth 32 milionë dollarë. Kjo kanavacë as që guxon ta quajë "foto". Duket thjesht si një fotografi e madhe - vetëm një mjeshtër i madh mund të detajojë aq shumë fytyrën.

Njerëz si Rembrandt Harmenszoon van Rijn janë vërtet frymëzues. Dhe nuk është e nevojshme të bëhesh artist, thjesht duhet të bësh atë që të pëlqen, dhe më e rëndësishmja - nga zemra.